Произведения искусства примеры: Приведите примеры произведений искусства, изображающие картины природы времени года — весна

самые знаменитые в мире шедевры искусства

Искусство почти столь же старо, как и само человечество, и за все века нашего существования было создано бесчисленное множество уникальных произведений. Наверное, было бы слишком смело составить список самых выдающихся шедевров, ведь критерии оценки творчества слишком субъективны. Именно поэтому в нашем рейтинге собраны картины и скульптуры, которые уж точно самые узнаваемые в мире, что совсем не значит, что они чем-то лучше других гениальных работ.

Какие творения — самые известные? Узнай прямо сейчас! Возможно, ты знаком не со всеми, и время проверить свою эрудицию и кругозор.

25. Купальщицы, автор Поль Сезанн (Paul Cézanne)

Фото: wikimedia commons

Эта картина считается настоящим шедевром современного искусства. «Купальщицы» – одно из самых знаменитых произведений Поля Сезанна. Впервые широкой публике работа была представлена на выставке в 1906 году. Масляная живопись Сезанна проложила путь для художников будущего, позволив им отойти от традиционных шаблонов, и возвела мост между постимпрессионизмом и искусством 20 века.

24. Дискобол, автор Мирон (Miron)

Фото: Livioandronico2013

«Дискобол» – легендарная греческая статуя, исполненная известным греческим скульптором Мироном из Елевфер (Eleutherae) в период примерно с 460 по 450 год до нашей эры. Произведением немало восхищались римляне, и они даже сделали несколько копий этой скульптуры, прежде чем ее оригинал бесследно исчез. Впоследствии «Дискобол» стал символом Олимпийских игр.

23. Аполлон и Дафна, автор Бернини (Bernini)

Фото: Gian Lorenzo Bernini Alvesgaspar

«Аполлон и Дафна» – это скульптура в натуральную величину, созданная итальянским художником Джованни Лоренцо Бернини (Gian Lorenzo Bernini) примерно в 1622-1625 годах. Шедевр изображает полуобнаженную женщину, пытающуюся спастись от своего преследователя. Скульптура наглядно демонстрирует высокое мастерство своего творца, воссоздавшего кульминацию знаменитой истории Овидия (Ovid) про Дафну и Феба (Daphna, Phoebus).

22. Ночной дозор, автор Рембрандт

Фото: wikimedia commons

Шедевр всемирно признанного датского художника Рембрандта, «Ночной дозор» — это одна из самых знаменитых картин 17 века. Работа была завершена в 1642 году, и по заказу на ней запечатлен групповой портрет стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга (Frans Banning Cocq, Willem van Ruytenburgh). Сегодня картина украшает выставку музея Rijksmuseum в Амстердаме.

21. Избиение невинных, автор Рубенс

Фото: wikimedia commons

«Избиение невинных» – это картина, повествующая о страшном приказе иудейского царя Ирода, по повелению которого были убиты все младенцы Вифлеема и его окрестностях возрастом до 2 лет от роду. Тиран верил в предсказание о том, что грядет день, когда Царь Израилев сместит его с трона, и надеялся, что среди убитых детей окажется и его будущий конкурент. Представитель фламандского барокко, Рубенс написал 2 версии знаменитой библейской истории с разницей в 25 лет.

Первый вариант картины сейчас перед вами, и он был написан в период с 1611 по 1612 год.

20. Кэмпбелл — луковый суп с говядиной, автор Уорхол (Warhol)

Фото: Sharon Mollerus / flickr

Написанная американским художником Энди Уорхолом (Andy Warhol) в 1962 году, картина «Кэмпбелл — луковый суп с говядиной» — один из самых знаменитых примеров современного искусства. В своей работе Уорхол мастерски продемонстрировал однообразность рекламной индустрии, воспроизведя на своем гигантском холсте множество копий одного и того же товара. Уорхол также рассказал, что он ел эти супы каждый день на протяжении 20 лет. Возможно, поэтому банка лукового супа и стала объектом его знаменитой работы.

19. Звездная ночь, автор Ван Гог

Фото: wikimedia commons

Масляная живопись «Звездная ночь» принадлежит кисти датского постимпрессиониста Винсента Ван Гога, завершившего эту легендарную работу в 1889 году. Художник вдохновился на написание картины, смотря на ночное небо через окно своей комнаты в лечебнице Сен-Пол, город Сен-Реми, Южная Франция (Saint-Paul Asylum, Saint-Remy). Именно там знаменитый творец в свое время искал отдохновение от эмоциональных страданий, преследовавших его до конца дней.

18. Наскальные рисунки пещеры Шове

Фото: Patilpv25, JLEnvironment03

Рисунки, обнаруженные на юге Франции в пещере Шове (Chauvet), — одни из самых известных и лучше всех сохранившихся доисторических шедевров мирового искусства. Возраст этих произведений – примерно 30 000 — 33 000 лет. На стенах пещеры мастерски изображены сотни доисторических животных, включая медведей, мамонтов, пещерных львов, пантер и гиен.

17. Поцелуй, автор Роден (Rodin)

Фото: wikimedia commons

«Поцелуй» – это мраморная статуя, созданная именитым французским скульптором Огюстом Роденом (Auguste Rodin) в 1889 году. На сюжет шедевра автор был вдохновлен печальной историей Паоло и Франчески, персонажей из легендарного произведения Данте Алигьери «Божественная комедия» (Paolo, Francesca, Dante Alighieri). Возлюбленные были убиты мужем Франчески, внезапно заставшим молодых людей, когда очарованные друг другом парень и девушка обменивались своим первым поцелуем.

16. Писающий мальчик, авторство неизвестно

Фото: Max Pixel (public domain)

«Маннекен-Пис» или «Писающий мальчик» – это небольшая бронзовая скульптура, ставшая настоящей достопримечательностью фонтана в центре Брюсселя. Первоначальное авторство произведения неизвестно, но в 1619 году ее доработал бельгийский скульптор Жером Дюкенуа (Jerome Duquesnoy). Визитная карточка города, «Маннекен-Пис» предположительно был установлен в память о событиях гримбергенской войны, во время которой писающий младенец по одной версии мочился на солдат, а по другой – потушил вражеские боеприпасы, угрожавшие уничтожению целого города. На праздники скульптуру наряжают в тематические костюмы.

15. Постоянство памяти, автор Сальвадор Дали

Фото: Courtney Collison / flickr

Написанная в 1931 году знаменитым испанским художником Сальвадором Дали, картина «Постоянство памяти» — один из самых узнаваемых шедевров сюрреалистического искусства в истории живописи. На работе изображен мрачный песчаный берег, усыпанный плавящимися часами. На такой необычный сюжет Дали вдохновила Теория относительности Альберта Эйнштейна.

14. Пьета или Оплакивание Христа, автор Микеланджело

Фото: Juan M Romero

«Пьета» — знаменитая скульптура эпохи Ренессанса, созданная флорентийским творцом Микеланджело в период с 1498 по 1500 годы. Работа описывает библейскую сцену – Мария держит на руках тело снятого с креста Иисуса. Сейчас скульптура находится в Соборе Святого Петра в Ватикане. «Пьета» — единственная работа Микеланджело, которую он подписал.

13. Водяные лилии, автор Клод Моне (Claude Monet)

Фото: wikimedia commons

«Водяные лилии» — это целая серия из примерно 250 картин, написанных маслом, и авторство которых принадлежит всемирно известному французскому импрессионисту Клоду Моне. Коллекция этих работ признана одним из самых выдающихся достижений искусства начала 20 века. Если расположить все картины вместе, это создает иллюзию бесконечного пейзажа, наполненного водяными лилиями, деревьями и отражающимися в воде облаками.

12. Крик, автор Эдвард Мунк (Edvard Munch)

Фото: wikimedia commons

«Крик» — это культовый шедевр норвежского экспрессиониста Эдварда Мунка. Он написал 4 разные версии этого сюжета в период с 1893 по 1910 год. Знаменитая работа художника была вдохновлена реальными переживаниями автора, связанными с прогулкой на природе, во время которой Мунка покинули его спутники (они также изображены на картине на заднем плане).

11. Моаи, авторство неизвестно

Фото: TravelingOtter

Статуи Моаи – это массивные каменные монолиты, обнаруженные на острове Пасхи в Тихом океане, Западная Полинезия. Изваяния также известны как Головы острова Пасхи, но на самом деле у всех у них есть тела, скрытые под землей. Статуи Моаи датируются примерно 1400 – 1650 годами и предположительно были вытесаны из камня аборигенами, жившими когда-то на острове Рапа-Нуи (Rapa Nui, местное название острова Пасхи). Всего в этом районе обнаружено около 1000 таких исполинских шедевров древности.

Загадка их перемещения по острову до сих пор остается неразгаданной, а самая тяжелая фигура весит около 82 тонн.

10. Мыслитель, автор Роден

Фото: wikimedia commons

«Мыслитель» — это самая знаменитая работа французского скульптора Огюста Родена. Автор закончил свой шедевр в 1880 году и первоначально назвал скульптуру «Поэт». Статуя была частью композиции под названием «Врата Ада» и олицетворяла самого Данте Алигьери, автора знаменитой «Божественной комедии». По изначальной задумке Родена Алигьери склоняется над кругами Ада, размышляя над своей работой. Впоследствии скульптор переосмыслил персонажа и сделал из него универсальный образ творца.

9. Герника, автор Пабло Пикассо

Фото: Mark Barry / flickr

Масляная живопись размером с целую фреску, «Герника» — это одна из самых знаменитых работ именитого испанского художника Пабло Пикассо. Черно-белая картина – реакция Пикассо на нацистскую бомбардировку баскского городка Герника во время гражданской войны в Испании. Шедевр демонстрирует всю трагичность, ужасы войны и страдания всех невинных граждан в лице всего нескольких персонажей.

8. Тайная вечеря, автор Леонардо да Винчи

Фото: wikimedia commons

Полюбоваться этой картиной сегодня можно во время посещения доминиканского монастыря Санта-Мария-делле-Грацие (Santa Maria delle Grazie) в Милане. Легендарная роспись Леонардо да Винчи, «Тайная вечеря» — один из самых известных шедевров в мире. Художник работал над этой фреской с 1494 по 1498 год, и изобразил на ней известную библейскую сцену последнего ужина Иисуса Христа в окружении его учеников, о которой детально повествуется в Евангелии от Иоанна.

7. Статуя Свободы, авторы Эйфель, Бартольди (Eiffel, Bartholdi)

Фото: wikimedia commons

Культовая скульптура находится на Острове Свободы в Нью-Йорке, и когда-то она была подарком в знак дружбы между народами Франции и США. Сегодня Статуя Свободы считается международным символом свободы и демократии. Автором композиции был французский скульптор Бартольди, а спроектировал и построил ее архитектор Густав Эйфель. Подарок был вручен 28 октября 1886 года.

6. Гермес с младенцем Дионисом или Гермес Олимпийский, автор Пракситель (Praxiteles)

Фото: tetraktys

«Гермес с младенцем Дионисом» — это древнегреческая скульптура, обнаруженная во время раскопок 1877 года посреди руин храма богини Геры в Греции. Правая рука Гермеса утеряна, но археологи полагают, что по сюжету бог торговли и атлетов держал в ней виноградную лозу, показывая ее младенцу Дионису, богу вина, оргий и религиозного экстаза.

5. Сотворение Адама, автор Микеланджело

Фото: wikimedia commons

«Сотворение Адама» — одна из самых знаменитых фреск Микеланджело. Она была создана в период с 1508 по 1512 год и считается самой популярной композицией потолка Сикстинской капеллы, культового католического центра, расположенного в Ватикане. Роспись иллюстрирует момент библейского сотворения первого человека в истории, описанного в книге Бытие в Ветхом Завете.

4. Венера Милосская или Афродита с острова Милос

Фото: wikimedia commons

«Венера Милосская» появилась на свет приблизительно между 130 и 100 годами до нашей эры и является одной из самых знаменитых древнегреческих скульптур. Мраморная статуя была обнаружена в 1820 году на острове Милос (Milo), входящем в состав архипелага Киклады (Cyclades Archipelago) в Эгейском море. Личность героини до сих пор точно не установлена, но исследователи предполагают, что автор шедевра высек из камня именно Афродиту, греческую богиню любви и красоты, которую часто изображали именно полуобнаженной. Хотя существует версия, что статуя слеплена по образу морской богини Амфитриты (Amphitrite), которую особенно почитали на острове, где был найден артефакт.

3. Рождение Венеры, автор Сандро Боттичелли (Sandro Botticelli)

Фото: wikimedia commons

«Рождение Венеры» — работа итальянского художника Сандро Боттичелли, написанная в промежуток между 1482 и 1485 годами, и она считается одним из самых известных и ценных шедевров искусства в мире. Картина иллюстрирует сцену из знаменитой поэмы Овидия «Метаморфозы», в которой богиня Венера впервые выходит на берег из пены морской. Работа находится на выставке в галерее Уффици (Uffizi) во Флоренции.

2. Давид, автор Микеланджело

Фото: David Gaya

Легендарная скульптура эпохи Возрождения была создана в промежуток между 1501 и 1504 годами гениальным творцом Микеланджело. На сегодняшний день «Давид» считается самой известной в мире статуей. Этот восхитительный шедевр – запечатленный в камне библейский герой Давид. Художники и скульпторы прошлого традиционно изображали Давида во время битвы, победителем над грозным Голиафом, воинственным мужем и героем, но Микеланджело выбрал для своей работы образ очаровательного юноши, еще не познавшего искусства войны и убийства.

1. Мона Лиза, автор Леонардо да Винчи

Фото: wikimedia commons

Возможно, некоторые работы из этого списка вам были неизвестны, но уж «Мона Лизу» Леонардо да Винчи знают точно все. Это самая известная, самая обсуждаемая, самая воспеваемая и самая посещаемая картина в мире. Гениальный мастер написал ее в 1503-1506 годах, а позировала для холста Лиза Герардини, жена торговца шелком Франческо дель Джокондо (Lisa Gherardini, Francesco del Giocondo). Знаменитая своим загадочным выражением лица Мона Лиза – гордость Лувра, старейшего и богатейшего музея Франции и мира.

6 необычных произведений искусства, которые стоят дороже, чем вы думаете

Люди находят более привлекательными те произведения искусства, для создания которых, по их мнению, понадобилось больше сил и профессиональных навыков. Таким выводом поделился канадский профессор психологии Йельского университета Пол Блум в своей книге «Наука удовольствия: почему мы любим то, что мы любим». И этим можно частично объяснить скепсис в адрес современного искусства. 

Вы, вероятно, слышали про «Фонтан» Марселя Дюшана (его Блум также приводит в пример) – писсуар с надписью R. Mutt («Р. Дурак»). Можно долго спорить, искусство ли это, но арт-объект был продан за $1,7 миллиона на аукционе. Кроме того, техника реди-мейд стала значимым и известным явлением в искусстве XX века. 

Собрали для вас еще несколько необычных (будем честны, порой даже странных) картин, скульптур и инсталляций, которые ушли с молотка за внушительную сумму.

1. «Свалка» Гэвина Терка

Стартовая цена на аукционе – $65,5 тысячи 

И желающие приобрести ее уже есть. Да, большой черный мусорный мешок. Конечно, отлитый из бронзы – а вы что подумали? Британский художник Гэвин Терк не в первый раз воспользовался техникой trompe-l’œil (в переводе с французского – «обманка»). Это арт-объекты, которые крайне правдоподобно имитируют привычные, порой даже бытовые предметы. Но Терк не просто так решил выставить на аукцион металлический мешок с отходами. Это призыв к людям переосмыслить свое отношение к труду, который автор затрачивает на создание произведения искусства. А вместе с тем и ценность этого самого искусства. Так что же такое, на самом деле, настоящее искусство? 

2. «Без названия» Сай Твомбли 

$70 миллионов

Нет, никакие это не каракули на школьной доске. И вряд ли чей-то пятилетний ребенок сможет так же. Это полотно американского художника-абстракциониста Сая Твомбли. Большую часть жизнь он провел в Риме и вдохновлялся мифологией и мистикой. Часть своих работ Твомбли посвятил этим темам. Талант живописца не остался незамеченным – в 2010 году он был удостоен чести расписать потолок в одном из залов Лувра. Для современных художников это редкая награда. Кроме того, в 2001 году Сай Твомбли получил «Золотого льва» Венецианской биеннале – одного из известнейших форумов мирового искусства.

3. L.H.O.O.Q., или «Усатая Джоконда» Марселя Дюшана

$750 тысяч

В 2017 году репродукция полотна Леонардо да Винчи «Мона Лиза», которой Марсель Дюшан в 1964 году дорисовал усы и бороду, была продана на аукционе Sotheby’s. И это при том, что такая работа существует не в единственном экземпляре. Всего Дюшан создал 39 полотен (один оригинал, остальные – авторские копии), где Джоконда обзавелась волосами на лице. Теперь те, кто портит портреты в школьных учебниках, могут говорить, что просто подражают великому художнику (хотя в действительности им весьма далеко до уровня Дюшана). 

4. «Свежий ветер» Джеймса Франко 

$10 тысяч

Сумма кажется не столь внушительной по сравнению с остальными, если не уточнять, что это стоимость «невидимой» картины. MONA – The Museum on Non-Visible Art, или Музей невидимого искусства – находится в Нью-Йорке. Тут на стенах нет картин – только таблички с названиями и описаниями. Можно подумать, что все полотна просто украли. Но нет, их тут и не было. Оказывается, такую «живопись» можно не только экспонировать, но и продавать. Так, в 2011 году некто приобрел «Свежий ветер» Джеймса Франко. Любопытно, что он получил? Раму, сертификат подлинности и табличку с описанием работы. В последнем заключается вся суть «невидимого искусства» – в распоряжении зрителя только рассказ о том, какой могла бы быть картина. Остальная часть работы лежит в воображении смотрящего. 

5. «Пространственная концепция. Ожидание» (1964) Лучо Фонтаны

$1,5 миллиона

Лучо Фонтана – итальянский живописец, который прославился тем, что резал холсты – пускай и свои собственные. Красное полотно с семью прорезями было продано за полтора миллиона долларов США. Сам автор объяснял свое творчество стремлением вырваться за рамки плоскости: «В отверстия, которые я проделываю, просачивается бесконечность, и живопись более не нужна». «Пространственная концепция» – это целая серия работ. Многие из них были также проданы на аукционах за большие деньги. Для Лучо Фонтаны эти отверстия – словно портал в космос, к чему-то большему, к той самой бесконечности, о которой говорит сам художник. 

6. «Моя кровать» Трейси Эмин 

$4,3 миллиона

Кажется, мы совершенно неправильно распоряжаемся своей постелью, если она до сих пор не принесла нам такую прибыль. Инсталляция британской художницы Трейси Эмин – незаправленная кровать и разбросанный вокруг нее хлам – принесла автору большой успех. Тут и пустые бутылки, и окурки, и салфетки, и клочки бумаги. Дело в том, что девушка провела несколько дней, не вылезая из постели. У нее была депрессия из-за расставания с возлюбленным. Очнувшись от печали, Трейси обратила внимание на то, во что превратилась ее комната. Это вдохновило художницу на создание арт-объекта.

Кроме высокой денежной оценки, инсталляция принесла Эмин популярность и признание – девушка была номинирована на премию Тернера.

Вероятно, вам также будет интересно:

11 выставок, на которые мы пойдем в сентябре

Каким российские художники увидели настоящее и будущее после пандемии?

6 художников, которые начинали со стрит-арта

Сочинение Примеры настоящего искусства из жизни

Искусство – очень важная часть человеческой деятельности. Оно оказывает сильное влияние на людей, их мышление, моральные ценности, образование, поведение. Но искусство искусству рознь. Его можно разделить на низкопробное, среднее, и высокое. К высокому искусству относят всемирно известные его произведения, для создания которого потребовалось первоклассное мастерство, значительное количество ресурсов, и которое снискало большое уважение и интерес в широких массах. Высокое искусство часто именуют «настоящим», то есть ни у кого нет сомнений в том, что это именно искусство, а не какая-то низкопробная поделка. 

Как пример настоящего искусства можно привести картину Леонардо Да Винчи «Мона Лиза», она же «Джоконда». Это всемирно известное произведение. «Джоконда» представляет собой портрет супруги флорентийского торговца шёлком Франческо дель Джокондо. Полотно было написано в XVI веке и вызвало множество дискуссий, о нём написано сотни страниц научных исследований, комментариев, высказываний критиков.

Другой хороший пример – «Сикстинская Мадонна», вышедшая из-под кисти Рафаэля в том же XVI веке. На ней изображены дева Мария с младенцем Иисусом на руках, а также же ангелы, папа римский Сикст II и святая Варвара. Благодаря замечательно продуманной композиции полотна у зрителя создаётся «эффект присутствия». Данное полотно имеет большой размер. Оно также снискало множество восторженных зрительских отзывов.

В литературе тоже можно встретить примеры влияния на людей настоящего искусства. Например, герой пьесы Островского «Лес» имеет твёрдые убеждения о чести. Он их усвоил благодаря произведениям Шиллера. Эти убеждения заставляют его безвозмездно передать все свои сбережения девушке Аксюше в качестве приданого. В произведении Достоевского «Бедные люди» произведения Пушкина и Гоголя помогают девушке Варе переживать жизненные трудности, не теряя при этом доброты. Их книги помогают Варе обрести внутреннюю красоту. 

Настоящее, качественное искусство играет важную роль в процессе воспитания и образования. Знакомство с ним положительно повлияет на становление и развитие личности школьника, его художественного вкуса, внутреннего мира и моральных убеждений, может побудить к занятию творчеством. В свою очередь необходимо ограждать его от искусства низкокачественного и низкого, прививать вкус и разборчивость в искусстве. Настоящее искусство не ограничивается картинами и литературными произведениями, оно включает в себя также и музыку, и кино, и скульптуру.

Вариант 2

Искусство является достаточно важной частью повседневной жизни любого человека. Искусство окружает нас везде, и можно сказать воспитывает нас. Оно оказывает влияние на наше мышление и ценности.

Как правило настоящим искусством принято считать то что известно всему миру, для чего потребовалось много знаний и первоклассное мастерство, большое количество ресурсов. Произведение искусства должно принять общество и только тогда оно становиться «настоящим».

Настоящее искусство способно затрагивать и оживлять душу. Оно способствует объединению людей и позволяет им общаться без слов. Через картины, скульптуры, музыку и т.п., люди способны чувствовать душевную боль друг друга и сочувствовать ей.

Например, известная картина «Звездная ночь» Ван Гога. Он написал свою картину смотря на ночное небо из своей комнаты в лечебнице. В лечебнице он искал спасение от своих эмоциональных страданий, которые преследовали его до конца дней.

Картина «Крик» Эдварда Мунка заставляет погрузиться в непростые мысли о себе и современном обществе. Картина очень эмоционально насыщена и вызывает сильные эмоции.

Известная скульптура «Мыслитель» Огюста Родена заставляет задуматься о том, что думает сам «Мыслитель» и объединяет людей которые, пытаются догадаться о его мыслях.

Настоящим искусством можно назвать известные произведения таких композиторов как Иоганн Себастьян Бах, Вольфганг Амадей Моцарт, Людвиг ван Бетховен, Фредерик Шопен и другие. Все их произведения позволяют расслабиться, забыть о трудностях, помечтать и поднять себе настроение.

Также очень много настоящих литературных произведений. Например, такие известные авторы как Пушкин, Толстой, Набоков, Чехов, Достоевский и другие, давно засели в наших сердцах. Их произведения однозначно можно ставить в пример настоящего искусства из жизни.

Но я считаю, что и природа создает настоящее искусство. Например, остров в виде сердца недалеко от Хорватии. Очень красивое явление, созданное природой, можно увидеть на достаточно большой высоте. Он известен как остров влюбленных. Пока что он пустынный и еще не тронут руками человека.

Или же «Кристальна река в Колумбии», которая меняет свой цвет благодаря разных видов водорослей, которые там обитают. Тоже между прочем очень превосходно. Природа прекрасна в любое время года. Она не нуждается в участии человека и критике.

Подводя итоги, могу сказать, что все искусство можно назвать настоящим, ведь каждый человек вкладывает душу и усилия в свое творчество. И не обязательно что бы это произведения искусства были приняты обществом.

Другие сочинения:

Примеры настоящего искусства из жизни

Несколько интересных сочинений

• Сочинение Война Мужество Доблесть Честь 8 класс

  Война – как много в этом слове. Такое, казалось бы, короткое и простое слово, но, сколько горести, печали и боли в нем. Когда я слышу это слово, на глаза невольно наворачиваются слезы, а в горле сжимается удушающий ком

• Характеристика и образ Чичикова в поэме Мертвые души Гоголя сочинение

  Чичикова считают главным образом, вокруг которого ставится сюжет поэмы. Это можно понять с первых страниц, когда автор начинает описывать характер героя и его окружение. Сам Гоголь не был уверен, что Чичиков понравится читателям

• Сочинение Судьбинский в романе Обломов Гончарова (Образ и характеристика)

  Ярким второстепенным персонажем произведения является один из гостей главного героя романа в образе господина Судьбинского, представленного писателем в качестве бывшего канцелярского сослуживца Обломова Ильи Ильича.

• Сочинение Школьные годы чудесные

  Самое лучшее время – детство. И практически все приятные воспоминания связаны со школой. Это самая беззаботная пора. Ты уже вырос и начинаешь соображать, а жизненных проблем еще нет.

• Критика о творчестве Горького и отзывы современников

  По размеру тиража экземпляров книг Горького удалось опередить лишь произведениям мэтров русской литературы Пушкина и Толстого. Пять раз Максим Горький был выдвинут на Нобелевскую премию. Был основателем трех издательств.

Классификация произведений изобразительного искусства в зависимости от носителя. | by Дмитрий Некрасов

Аннотация: Статья посвящена структурированию и систематизации современных художественных произведений искусства в зависимости от среды их создания, технологий и материалов. Приводится сравнение возможностей и особенностей традиционного и цифрового искусства, а также их различных гибридных сочетаний.

Ключевые слова: Цифровое, традиционное, гибридное, пространственное, интерактивное, плоскостное, графика, живопись, скульптура.

Сегодня в результате стремительного развития компьютерных технологий в профессиональной художественной среде возникают проблемы в определении технологии создания художественного произведения и его эстетической оценки. Часто оцениваются технологические аспекты создания работы, а не созданный художником образ, а также идея, положенная в основу произведения.

Появляются похожие друг на друга термины: «цифровое», «компьютерное», «нематериальное», «классическое» «традиционное», происходит путаница в классификации комплексных художественных работ, совмещающих в себе как традиционные, так и цифровые техники.

Я предлагаю классифицировать виды современного искусства по принципу использования или совмещения материалов и техник при их создании.

Изобразительные виды искусства — это исторически сложившиеся формы творческой деятельности, реализующие визуально–концептуальные образы и различающиеся способами их материального воплощения.

Сложившаяся сегодня система классификации изобразительного искусства, построенная на принципах традиционных, академических художественных техник, с трудом включает в себя новые виды творчества, созданные при помощи современных технологических средств.

Прежде чем перейти к описанию каждого раздела классификации, хочу подчеркнуть, что вне зависимости от технологии создания в любом случае задача для художника остается неизменной — донести до зрителя идею произведения с помощью создания художественного образа. Использованный в процессе работы материал может диктовать определенную стилистику и нести дополнительную информацию, но не влияет на финальный смысл произведения.

​

Общее деление современного изобразительного искусства на три основные группы.

1.1 Традиционное — это произведение искусства, подлинник которого был изначально создан как материальный физический объект, не изменяющийся во времени и пространстве, и не являющийся интерактивным. Традиционное искусство всецело основывается на художественных академических традициях классической школы живописи, скульптуры, графики, наследует их инструментарий, методики, технические приемы.

Сегодня по отношению к цифровым искусствам традиционное также называют «аналоговым».

1.2 Цифровое — это произведение искусства, подлинник которого изначально был создан полностью в цифровой среде.

Цифровое искусство использует новые, нематериальные, гибкие инструменты, но все так же базируется на принципах традиционного искусства, используя все те же художественные законы. Цифровая живопись остаётся сложной системой цвето–тональных отношений; к эскизу, созданному цифровым способом, применяются все те же требования композиции и перспективы.

Кроме того, что оно нематериально, цифровое искусство обладает главными и уникальными отличиями от традиционного искусства — возможностью меняться во времени и быть интерактивным — изменяться при участии зрителя.

Цифровое искусство это наиболее открытая система, развивающаяся в контексте всего искусства и активно взаимодействующая с аналоговым искусством, оказывая на него большое влияние. Открываются и становятся доступными почти любые материалы и достижения техники и науки, художники могут экспериментировать и не ограничиваться временными и пространственными рамками, есть возможность поместить свои работы в новую виртуальную среду, где нет ограничений. В первую очередь подверглись влиянию цифровых искусств наиболее традиционные виды изобразительного искусства — живопись, графика, скульптура. В цифровом искусстве появляется проблема определения подлинника произведения и авторства, учитывая легкую возможность копирования произведения в виртуальной среде.

1.3 Гибридное — это произведение искусства, созданное с помощью совмещения цифровых и материальных технологий, современных и традиционных техник. На разных этапах создания, произведение может быть нематериальным, находясь в цифровой среде, потом может быть переведено в физический объект (быть напечатано) и доработано материальными художественными инструментами, аналогично смешанным техникам в традиционной живописи или графике, как, например, доработка пастелью и карадашами акварельной подложки или сочетание фотографии и масляной живописи.

Фотография помогала художникам с начала XX века в сборе материала к живописным работам, а цифровые технологии сегодня позволяют с легкостью экспериментировать и искать новые способы выражения своих замыслов.

Гибридное искусство, аналогично традиционному, имеет предметную плоскостную форму, не изменяющуюся во времени и пространстве.

Три основных современных способа воплощения произведений искусства я предлагаю разделить на второстепенные и третьестепенные группы, основываясь на принципах их создания.

​

Традиционное искусство я обобщаю и разделяю на плоскостные и пространственные произведения.

2.1 Плоскостное традиционное искусство

— группа видов художественного творчества, воспроизводящих изображение и художественный образ на плоскости (на бумаге, холсте, стене и т.д.). К категории плоскостного искусства относятся живопись, графика, фотография .

Графика — (в переводе с греческого «графо» — «пишу, рисую») это, прежде всего изображение с помощью линий, штрихов, тональных пятен и цвета на плоскости. В понятие «графика» включаются также художественные печатные произведения — гравюра, литография, книжная иллюстрация, оригинал которых специально был создан для последующего копирования. В графике тон и цвет бумаги может играть важную роль при создании произведения. Графическое решение произведения может быть цветным или монохромным.

Существует широкий ассортимент художественных инструментов для создания графических работ. Пастель и уголь, графитные карандаши, перья и кисти, акварель, фломастеры позволяют добиться различных визуальных результатов.

Живопись — изображение образа на плоскости при помощи масляных, акриловых, темперных, гуашевых красок. В живописи делается упор на использования цвета, как драматического инструмента. Технология масляной живописи дает возможность точного подбора цвета,

Существуют два основных вида живописи: монументально–декоративная (фреска, мозаика, витраж) и станковая.

К станковой живописи относят произведения, существующие независимо от места создания. Картины пишутся на специально подготовленном холсте, натянутом на раму или наклеенном на картон; на прогрунтованном картоне; в прошлом широко применялись деревянные доски.

Есть также прикладные техники, когда живопись взаимодействует с другими искусствами — театрально–декорационное искусство. Особыми видами живописи являются: иконопись, миниатюра.

В конце XIX века академические тенденции живописи подверглись переосмыслению, появились новые направления, такие как импрессионизм, использующий декоративные приемы.

В XX веке характер живописи меняется под влиянием средств технического прогресса (появление фотографии и кино аппаратуры), что впоследствии приводит к появлению новых форм искусства — например, мультимедийному искусству.

Фотография — Слово образовано от греческих слов Phos (photos) — свет+ grafo — пишу. Это искусство основывается на техническом прогрессе, посредством фотоаппарата воспроизводит на плоскости контур и форму предмета, используя свет и тени.

Творческий процесс создания художественной фотографии заключается в поиске и выборе темы, композиции, освещения и момента (или моментов) фотоснимка, и последующей обработки готового кадра.

Специфика фотоискусства — в изобразительном образе документального значения. Фотография запечатлевает динамический момент времени в качестве статичного, плоскостного изображения.

2.2 Пространственное традиционное искусство

— существуют две основные его разновидности: объемная трехмерная (круговая) скульптура и рельеф (а также барельеф).

Круглая скульптура — изобразительное искусство, оперирующее пластическими образами, которые существуют в пространстве, не меняясь и не развиваясь во времени, имеют предметный характер, выполняется путём обработки вещественного материала, имеют осязательную силу и воспринимается зрителем непосредственно и визуально.

Специфика скульптуры отражается в ее содержании и выразительных средствах — в выборе материала для ее исполнения. Основными материалами, применяемыми в скульптуре, являются камень, бронза, мрамор, дерево, гипс. Новые технологии позволяют позволяют использовать сталь, пластик, бетон и другие материалы.

Наряду с термином “скульптура” (от латинского sculpere — вырезать, высекать), употребляется, как равнозначное, слово “пластика”, происходящее от греческого pladzein, что значит «лепить». Первоначально, в узком смысле слова, под скульптурой понимали ваяние, высекание, рубку — потому что процесс создания скульптуры фактически заключается в отсечении всей лишней массы от выбранного материала; остается только необходимая форма.

Под пластикой понимают противоположный ваянию путь создания скульптурного произведения — лепку из глины или воска, при которойавтор не убавляет, а, наоборот, наращивает объем и форму.

У скульптуры своя особая специфическая задача, чем-то схожая с архитектурой — организация пространства вокруг себя. Скульптура должна «смотреться» с любой точки: форма заворачивается при смене ракурса и взгляд следует дальше и дальше по поверхности работы. Скевоморфизм тоже имеет место: в скульптуре возможны подражания текстурам и другим материалам за счет воспроизведения их фактуры и даже тактильных ощущений.

Рельеф (а также горельеф и барельеф) включает в себя все свойства трехмерной скульптуры, компонуя их на плоскости с различными степенями объемности. Рельеф подразумевает определенную точку обзора.

​

Цифровая среда предоставляет произведениям искусства гибкие возможности для копирования, изменения во времени, сочетания пространственных и плоскостных техник, интерактивности. Именно поэтому цифровое искусство имеет так много третьестепенных и даже четверостепенных групп.

Произведения цифрового искусства представлены в материальном мире как плоскостные, так как отображаются на плоскости мониторов, но статичное и пространственное цифровое искусство может быть впоследствии воспроизведено как материальный объект, в качестве копии, отпечатанной на бумаге, или трехмерной модели, отпечатанной на 3D принтере. (Ерохин С.В. Цифровое компьютерное искусство. / С.В. Ерохин — Алетейя, 2011. — С. 19–25, Erohin S.V. Cifrovoe komp’juternoe iskusstvo. [Computer digital art] Aletejja, 2011. pp. 19–25)

3.1 Статичное цифровое

произведение искусства классифицируется по методу создания:

Craig Mullins, Портрет женщины. Photoshop.

3.1.1 Растровая графика — является цифровым аналогом традиционной живописи и имеет технологические возможности для работы с цветом, тоном, композицией. Инструментарий растровых цифровых редакторов имеет много аналогий с реальными традиционными инструментами художника. Цифровая растровая живопись работает по всем тем же законам композиции, цвета и тона, что и традиционный аналог.

Растровая графика состоит из сетки пикселей, количество которых влияет на четкость и качество изображения. (David Hockney’s iPad Paintings Take Over Major Museum Exhibition / Huffington post, интернет газета, 2013. URL: (дата обращения 12.10.2014)

​

Портрет жены. Работа автора, Illustrator

3.1.2 Векторная графика является цифровым аналогом традиционной графики и состоит из точек и соединяющих их линий, залитых областей. Четкость рисунка, геометричность, плавность линий позволяют создавать цифровые чертежи, офорты, зарисовки.

Векторная графика не теряет четкости и качества при масштабировании, может быть без потерь материализована на бумаге.

Фрактальный узор, сгенирированный на компьютере

3.1.3 Фрактальная графика не основывается на классических художественных традициях. Управление созданием фрактальной графики происходит за счет построению формулы с помощью привычного графического интерфейса. Графику, полученную таким образом, можно сравнить с традиционными беспредметными орнаментами. Также фрактальную графику можно назвать аналогом беспредметной, абстрактной живописи.

Фрактальную графику, в отличие от растровой и векторной, можно назвать менее вещественной, более самобытной и существующей изначально как вид искусства исключительно в цифровой среде, обладая особым и важным свойством — он непредсказуем для создателя.

Пример обработки фотографии в цифровом редакторе

3.1.4 Фотография с постобработкой в цифровой среде. Подлинник такой работы изначально может быть создан в цифровой среде, с помощью цифрового фотоаппарата или быть отсканированным с бумаги или пленки аналоговым снимком, созданным механическим фотоаппаратом.

С помощью цифрового редактирования снимка, можно усилить нужные драматические черты, скорректировать тон, цвет и композицию снимка, добиться нужного образного решения.

3.2 Динамическое цифровое искусство

— включает в себя все элементы статичного цифрового искусства, оперирует ими во времени и предлагает зрителю возможность изменять произведение.

3.2.1 Интерактивное динамическое

Интерактивный цифровой натюрморт

Интерактивная живопись/графика берет за основу статичное цифровое искусство, и реагирует на зрителя, изменяясь в зависимости от его действий (изменение точки перспективы в зависимости от положения зрителя, использование дополнительных звуковых эффектов, возможности масштабирования, редактирования произведения зрителем.) При этом произведение отображается на плоском жидкокристаллическом мониторе или проецируется посредством проектора, используя камеры, микрофоны, датчики движения для отслеживания зрителя.

Интерактивное кино/видео произведение

— это искусство воспроизведения на экране движущихся изображений, создающих впечатление живой действительности но при этом меняющих последовательность сюжета в зависимости от действий зрителя. К классическому кино — синтетическому произведению искусства, включающему в себя литературу (сценарий), живопись и графику (декорации, цветовое решение, композицию), театральному искусству (игра актеров), музыке, добавляется вариативность сюжетной линии, где выборы в развилках сюжета осуществляет зритель.

При этом произведение отображается на плоском жидкокристаллическом мониторе или проецируется на стену, реагируя на команды зрителя.

Интерактивная 3D скульптура с элементами анимации — Трехмерная цифровая модель демонстрируется на плоском мониторе или проецируется, реагируя на зрителя, перемещением в трехмерном цифровом пространстве, таким образом делая зрителя участником экспозиции. Это может быть скульптурный трехмерный цифровой портрет, который зритель может поворачивать, изменять, запускать циклы анимации.

3.2.2 Динамическое временное искусство

— существует в определенных временных рамках и может быть зациклено. В эту категорию входит цифровая покадровая, перекладочная или трехмерная анимация. Включает в себя и синтезирует все принципы традиционного искусства.

Цифровая живопись/графика с элементами анимации

— берет за основу статичное цифровое художественное, и добавляет к нему короткие зацикленные элементы анимации. Таким образом можно добится нового художественного эффекта, «оживить” элементы статичного изображения, развивать его во временном отрезке.

Цифровая перекладочная / покадровая / 3D анимация

— основывается на художественном и стилистическом видении художника, добавляя драматическую составляющую и развиваясь, изменяясь во времени. Фактически, стилизованная иллюстрация оживает, обретает свой собственный мир и историю. Учитывая современные технологии, анимация может быть воплощена в цифровом виде в покадровой, перекладочной технике, используя растровую или векторную графику, а также полностью или частично в трехмерной графике.

Цифровой анимационный фильм может иметь интерактивные элементы, изменяясь во времени при участии зрителя.

3.2.3 Пространственное временное.

Трехмерные цифровые архитектурные макеты и модели

Цифровые трехмерные модели архитектурных объектов являются аналогами традиционных объемных макетов, использующихся в творческом процессе архитекторов, дизайнеров интерьеров. Цифровая модель позволяет искать нужный объем и форму, а также высчитывать точные размеры и отношения. Трехмерная модель находится в пространстве, и является динамически интерактивной, не имея четко уставленных ракурсов. Трехмерный макет, созданный в цифровой среде, может быть отпечатан на 3Д принтере и тем самым быть переведенным в физический формат.

Трехмерная цифровая круглая скульптура

Процесс создания трехмерной цифровой скульптуры по методике приближен к традиционному — из общей, грубой формы моделируется объект, убирается все лишнее.

Инструментарий для создания цифровой скульптуры позволяет имитировать различные фактуры материалов, выставлять освещение объекта для лучшего понимания рельефности, имеет различные инструменты для воздействия на форму — сжатие, разрезание, вдавливание, сглаживание. Учитывается сила нажатия пера на графический планшет для определения силы увеличения или уменьшения объема. Фактически художник рисует объем на плоскости экрана.

Трехмерная скульптура находится в пространстве, и является динамически интерактивной, не имея четко уставленных ракурсов, она может быть отпечатана на 3Д принтере и тем самым быть переведена в физический формат.

Трехмерный цифровой рельеф

— включает в себя все свойства трехмерной цифровой круглой скульптуры, компонуя их на плоскости с различными степенями объемности. Рельеф подразумевает определенную точку обзора. Цифровой рельеф может быть отпечатан на 3Д принтере и тем самым быть переведен в физический формат.

​

Для произведений искусства, совмещающих традиционные и цифровые способы создания в начале 90-х годов художником Юдифом Монкрифом был предложен термин «tradigital», совмещающий в себе термины «traditional» и «digital». Эта категория — связующее звено между традиционным, академическим и цифровым техническим искусством.

Совмещение цифрового и материального искусства стоит рассматривать как смешанные техники в традиционном искусстве, которые предполагают использование разных материалов (акварельные работы с доработкой пастелью или карандашами, совмещение туши и гуаши и т.д.) для достижения определенного эстетического эффекта. Категория «гибридное» так же имеет предметную форму, не изменяющуюся во времени и пространстве.

Появление масляной живописи дало широкие технические возможности и способствовало развитию искусства; как фотография помогала художникам с начала XX века в сборе материала к картинам, так и цифровые технологии помогают современным художникам в выполнении работ и в поиске новых материалов и способов выражения своих замыслов.

Гибридное искусство подразделяется на плоскостное и пространственное.

4.1 Плоскостное

— группа видов художественного творчества, воспроизводящих изображение и художественный образ на плоскости (на бумаге, холсте, стене, мониторе, экране и т.д.).

​

Cочетание 3D модели и акварели в создании иллюстрации

4.1.1 Традиционная, классическая живопись или графика, в процессе создания которой частично используются цифровые средства

— Художник может создать подмалевок для живописного произведения на компьютере, обозначив композицию, тональные пятна, и отпечатав подмалевок на холсте, продолжить работу поверх него масляными красками.

Существует возможность проецирования цифрового наброска на физический холст с помощью проектора, перенося и дорабатывая изображение на холсте красками. Такая техника является аналогом камеры Обскура, использованной Вермеером при создании своих полотен. Также художник может использовать цифровые фотографии как тематический материал при создании традиционного произведения искусства.

4.1.2 Цифровая живопись или графика, в процессе создания которой частично используются традиционные художественные техники

— Произведение может быть начато на бумаге или холсте с помощью традиционных инструментов, потом сфотографировано или отсканировано, перенесено в цифровую среду и доделано цифровыми средствами. В дальнейшем произведение может существовать как полностью в цифровой среде, так и быть отпечатанным на бумаге или холсте.

Цифровое произведение искусства, при создании которого были использованы фотографии реальных физических объектов, материальные фактуры или текстуры также считается гибридным.

4.1.3 «Жикле» — цифровая репродукция традиционного произведения, напечатанная на принтере, и обработанная традиционными художественными методиками, для имитации «материальности». На цифровом отпечатке создается имитация красочного слоя, кракелюров, мазков. «Жикле» изначально позиционируется как высококачественная репродукция, выпущенная ограниченном тиражом, для печати подбирается материал, максимально приближенный к оригиналу (плоттерные холсты разной зернистости, фактурная бумага).

4.1.4 «Псевдоцифровое»

— С появлением медийного и веб пространства появилась возможность экспонировать работы в цифровой среде. Так появилась категория «псевдоцифровое искусство». Как правило это традиционная графика или живопись изначально созданная на материальном носителе для последующей публикации в цифровой сети.

4.2 Пространственное гибридное

— в итоге может существовать как материальное или как цифровое произведение искусства.

4.2.1 Трехмерная модель, созданная в цифровой среде и переведенная в материальный объект с помощью печати на 3Д принтере — такое произведение становится материальным, пространственным, но созданным изначально с помощью цифровых технологий.

4.2.2 Материальный пространственный объект, оцифрованный с помощью 3D сканера и переведенный в цифровой формат, является цифровым пространственным произведением, созданным изначально как материальный объект.

4.2.3 Интерактивная скульптура или инсталляция — Материальный скульптурный объект реагирует и изменяется, отслеживая информацию о действиях зрителя с помощью электронных датчиков движения, камер.

Вывод:

Многообразие техник и возможностей их сочетания предоставляет множество способов для реализации творческих идей. Современный художник должен владеть как цифровыми, так и традиционными инструментами, технологически упрощая процесс создания произведения, и обогащая его информационно. Нужно понимать особенности и преимущества каждого творческого метода, для поиска эффективных сочетаний.

Компьютер не способен создать художественный образ, а традиционные техники не обладают многими возможностями и точностью цифровой среды, но именно их сочетание может дать неожиданный и богатый эстетический результат.

Я надеюсь, что классификация, приведенная мной, поможет более адекватно определять место произведения искусства в современной медиа среде, оценивая эстетические качества вне зависимости от художественных техник.

аргументы из литературы для итогового сочинения 2018/2019

]]>

04.09.2018

Сборник аргументов из литературы для итогового сочинения 2018-2019 учебного года по направлению (проблеме) «Искусство и ремесло».

Другие полезные ссылки:

Тезисы по направлению «Искусство и ремесло»

• Искусство, деятели искусства. Их роль в жизни общества. Влияние искусства на жизнь человека, предназначение художника.
• Талант/бесталанность. Истинный/мнимый талант.
• Ремесло/искусство. Общее и различия в целях и т.д. Граница между ремеслом и искусством. Ремесленники/художники.
• Феномен творчества, роль труда, созидания в жизни человека.
• Энтузиаст/филистер как мировоззренческая категория.

Аргументы

Л. Н. Толстой. «Война и мир»

Влияние искусства на восприятие мира человеком показано в романе Л. Н. Толстого «Война и мир». Крупно проигравшись в карты, Николай Ростов не знает, как сообщить об этом семье, переживающей финансовые трудности. Но его переживания развеивает пение сестры Наташи. Услышав великолепное исполнение композиции, он успокаивается и понимает несущественность своих душевных терзаний в сравнении с величием искусства.

]]>

Наташа Ростова не только обладала великолепным голосом, но и тонко чувствовала музыку. Восторг у девушки вызывали не только композиции, звучащие на приемах и балах, ей не чуждо было пуститься в пляс под гитару, зазывающую задорными мотивами. Этим автор показывает, что подлинное искусство не подчиняется временам и нравам.

А. Твардовский. «Василий Теркин»

Простой парень Василий Теркин предстает перед читателем мужественным солдатом и одновременно большим оптимистом. Его задор не раз поднимает боевой дух у сослуживцев. Однажды среди зимы его подбирает проезжающий грузовик с солдатами. Веселый по нраву парень играет им на гармони, от чего бойцам становится теплее, и они пускаются в пляс. Таким образом, музыка помогла людям отвлечься от тяжелых мыслей о происходящем и на время забыть на войне.

Н. В. Гоголь. «Портрет»

В повести «Портрет» Н. В. Гоголь рассказывает о двух художниках, один из которых трудился над картинами вдохновленно, бескорыстно, оттачивая и совершенствуя свой талант, второй же растратил данный ему дар, превратив в источник дохода. Такая проблема выбора встает перед каждой творческой личностью на пути ее становления. Но, как известно, истинные шедевры искусства живут и прославляют их авторов в веках, а созданные ради обогащения приносят лишь материальные блага.

М. А. Булгаков. «Мастер и Маргарита»

Ремесленничество в сфере искусства ярко показано в романе М. А. Булгакова «Мастер и Маргарита». Столичные литераторы давно поставили на поток свои произведения, их больше волнует отпуск на даче, путевки в Ялту и пресловутый «квартирный вопрос».

Отношение Мастера к творчеству совсем иное: роман о Понтии Пилате поглощает его полностью. Чтобы свободно творить, писатель снимает небольшой подвальчик на Арбате, на все выигранные в лотерее деньги скупает литературу с нужными для книги сведениями. Когда на роман обрушивается критика и его не пускают в печать, Мастер чувствует себя опустошенным, сжигает рукописи, а после попадает в психиатрическую лечебницу. Таким образом, видим, как истинное творчество подменяется шаблонными произведениями, выполняемыми в угоду власти.

А. С. Пушкин. «Разговор книгопродавца с поэтом»

Отношение к творчеству как к товару вызывало отвращение у А. С. Пушкина, и свои размышления по этому поводу он отображает в стихотворении «Разговор книгопродавца с поэтом». Проблема рассматривается с двух противоположных сторон. Книгопродавец, ловкий предприниматель, считает, что художественные произведения – это такой же товар, как и изделия ремесленников, главное – знать вкусы и предпочтения потребителя. Поэт же пытается спорить с торгашом, рассказывая тому о вдохновении и душевных порывах. Книгопродавец отвечает, что в мире правят деньги, и только тот, у кого они есть, может чувствовать свободу. В конечном счете поэт соглашается продать свое произведение, а стихотворение Пушкина заканчивается нерифмующейся фразой, словно намек на умирающее творчество.

А. С. Пушкин. «Моцарт и Сальери»

Пьеса А. С. Пушкина «Моцарт и Сальери» повествует о двух композиторах, взгляды которых на создание музыки кардинально расходились. Молодой Моцарт талантлив, и у него получается творить где угодно и когда угодно, главное – вдохновение. Старый Сальери уверен, что искусство подобно ремеслу, и только упорным трудом можно добиться хорошего результата. Он завидует гениальному Моцарту и отравляет его, но тайну великого таланта все равно не узнает, ведь дар дается человеку свыше.

И. А. Куприн. «Тапер»

Юный пианист Юрий Азагаров волею случая попадает в богатую семью на рождественский прием и с первых аккордов собирает толпу слушателей, среди которых оказывается и знаменитый композитор Рубинштейн. Он забирает талантливого мальчика к себе в ученики, обеспечив ему блестящее будущее. И. А. Куприн своим произведением «Тапер» доказывает, что истинный дар музыканта нельзя спутать с механической игрой по нотам. Юрий Азагаров не был бесчувственным тапером, а исполнял мелодии вдохновленно, за что и получил достойное вознаграждение.

А. П. Чехов. «Скрипка Ротшильда»

Гробовщик Яков Иванов подрабатывает скрипачом вместе с евреем Ротшильдом. Второй часто фальшивит, чем сильно раздражает Яков. Но сам Яков не относится к музыке серьезно, лишь только после смерти жены, узнав, что и ему осталось жить недолго, играет на скрипке проникновенно, вызывая у окружающих слезы. Гробовщик завещает инструмент еврею и умирает. Ротшильд, проникшийся до глубины души услышанной мелодией, воспроизводит ее на подаренной скрипке. Композиция приносит ему славу и признание, становится бессмертной.

В. Короленко. «Слепой музыкант»

Петр родился слепым, но обладал хорошим слухом и осязанием. С детства мальчик интересовался игрой конюха Иохима на свирели, сам начал осваивать дудочку, а после и фортепиано. Музыка помогала ему воспринимать и «видеть» мир. Петру пришлось преодолеть много испытаний, чтобы принять себя таким, каким он есть. Но талантливому музыканту удалось добиться признания окружающих и обрести личное счастье.

А. П. Чехов. «Чайка»

Нина Заречная мечтает стать знаменитой актрисой. Ее родители не разделяют взглядов девушки и выступают против. Но Нина все равно сбегает из дома в город, чтобы играть в театре. Карьера, как и личная жизнь девушки, не складывается. До уровня талантливой актрисы она недотягивает: играет плохо, «с завываниями». Ее ребенок почти сразу после рождения умирает, а любимый человек теряет к ней интерес. Нина решает кардинально изменить свою жизнь: уехать в провинцию и начать там строить карьеру с нуля. Девушку не покидает мысль, что ей суждено быть великой актрисой.

А. Михайлов. «Маяковский»

В произведении «Маяковский» А. Михайлов описывает жизнь поэта и драматурга Маяковского, которого всегда сопровождали критика и эпатаж. Свою первую книгу скандальный футурист выпускает на желтой оберточной бумаге с обложкой из мешковины, а выступления проводит в нелепом желтом пальто, выделяющем его из серой массы. Многие не видели глубины и не понимали смысла произведений Маяковского, поднимающих важные проблемы на поверхность.

А. Ахматова. «Реквием»

В своем произведении «Реквием» А. Ахматова описывает времена жестких репрессий, когда людей без суда и следствия отправляли в ссылку, не сообщая ничего родным. Матерям и женам месяцами приходилось выстаивает бесконечные очереди, дожидаясь хоть какой-нибудь весточки от сыновей и мужей. Этой поэмой поэтесса бросила вызов сталинскому режиму, за что ее остальные произведения стали запрещенными для печати. Ахматовой пришлось терпеть унижения и страдания за неугодную властям позицию в искусстве.

Сохранить ссылку:
Добавить комментарий

Комментарии без регистрации. Несодержательные сообщения удаляются.

Первые произведения искусства появились раньше, чем Homo sapiens

Алексей Алексеев

Когда, где и зачем первобытный человек начал рисовать, высекать на камне петроглифы, создавать скульптуры, творить? На все эти вопросы специалисты по палеоарту (древнейшему изобразительному творчеству) дают различные — порой неоднозначные, порой сильно отличающиеся друг от друга — ответы.

Рожденное высокоразвитым

Рассказывают, что в 1940 году после посещения пещеры Ласко, «Сикстинской капеллы наскальной живописи», Пабло Пикассо с горечью признал: «За семнадцать тысяч лет мы ничего нового не изобрели». Художники древности нагревали охру до различных температур, отчего она меняла оттенок от ярко-желтого до бордового, добавляли в нее различные наполнители, улучшавшие свойства краски. Они взбирались на подмостки, использовали для рисования кисти, пальцы, рты, шкуры животных и кости птиц. В пещере Марсула сотни точек составляют изображение бизона (за тысячелетия до появления термина «пуантилизм»), на знаменитом изображении коровы в Ласко пропорции искажены ради правильного восприятия зрителем. Использовался рельеф поверхности, чтобы добавить работам объем (выступ — грудь, углубление — глаз). Благодаря размещенному в правильном месте источнику света картины на стенах пещер казались трехмерными.

«Древнейшие достоверно датированные изображения сложные, а вовсе не примитивно-схематичные, как предполагала бы идея эволюционности, развития от простого к сложному. Утро искусства уже демонстрирует его расцвет», — отмечает ученый секретарь Института археологии РАН Екатерина Дэвлет.

Самое древнее выполненное краской изображение, чья датировка не оспаривается, — это открытое в 1994 году изображение носорога во французской пещере Шове. Его возраст (по данным радиоуглеродного анализа с применением масс-спектрометрии) может составлять от 30 до 33 тысяч лет.

Что раньше — творец или творчество?

Получается, что время возникновения искусства — начало позднего палеолита, что хронологически примерно совпадает с окончанием эволюции ископаемых гоминид и появлением Homo Sapiens. Так и хочется перефразировать известную марксистскую цитату о труде, обезьяне и человеке.

Отдельные ученые, однако, полагают, что первобытное искусство появилось раньше, а возможно, намного раньше.

В прошлом году австралийский археолог Бен Ганн обнаружил на плато Арнем Лэнд в Австралии два выполненных охрой изображения ископаемой птицы гениорниса. Прорисовка деталей показывает, что картина сделана с натуры. Палеонтологи полагают, что гениорнисы вымерли 40 тысяч лет назад. Или их оценка ошибочна, или рисункам как минимум 40 тысяч лет.

Сью О’Коннор из Австралийского национального университета обнаружила в пещере Карпентерз Гэп фрагмент упавшей с потолка росписи — в слое, который по радиоуглероду получил датировку в 39700 лет (погрешность — 1000 лет в обе стороны).

Австралийский же ученый Рис Джоунс находил охру и гематит в слоях с датировкой 60 тысяч лет до нашего времени. Проблема в том, что нет доказательств, что эти пигменты использовались в живописи, а не для украшения тела, например.

В пещере Бломбос (ЮАР) в 1991 году проводились раскопки, в ходе которых были обнаружены инструменты, украшенные абстрактным узором (возраст — как минимум 75 тысяч лет, датировка методами оптически стимулированной люминесценции и термолюминесценции).

«В мире сохранилось намного больше образцов наскального искусства периода среднего палеолита, чем позднего, только немногим научным работникам известен этот факт», — говорит Роберт Беднарик, глава IFRAO (Международной федерации организаций по изучению первобытного искусства). Среди приводимых им примеров — чашечные углубления в пещере Ла Феррасси, Франция (возраст — примерно 60 тысяч лет), пещере Рино (Ботсвана) и «тысячи объектов среднего палеолита в Австралии».

Самые древние чашечные углубления обнаружены в пещере Дараки-Чаттан в Индии. Следует говорить о датах в 350-250 тысяч лет (в соответствии со стратиграфическим датированием культурных слоев), утверждает один из российских представителей в IFRAO Арсен Фараджев. Не все исследователи солидарны с такой датировкой, преобладающее мнение — между 40 и 150 тысячами лет.

«Так называемые «чашечные углубления» — это даже не изобразительный вид деятельности, а ритуальный, просуществовавший очень долгое время. Их наносили на отдельные валуны в местах, где совершали ритуалы, могли использовать для «кормления» божеств и духов», — считает Екатерина Дэвлет.

К палеоарту (первобытному искусству) кроме чашечных углублений иногда относят также петроглифы в виде прямых, пересекающихся, концентрических линий, других геометрических форм, декоративные насечки на каменных орудиях, — самые ранние из которых также относятся к среднему палеолиту.

Эйприл Ноуэлл из канадского Университета Виктория в работе «От искусства палеолита до визуальных культур плейстоцена» приводит следующую хронологию: «Признано, что артефакты, представляющие образ или символ, не превышают возрастом 100 тысяч лет. Хотя существуют примеры использования символов, датирующиеся периодом от 100 тысяч до 40 тысяч лет, более 99% известного нам «искусства» имеет возраст примерно от 35 до 10 тысяч лет».

Три Венеры

Один из главных претендентов на звание древнейшей скульптуры (из известных в настоящее время) — найденная в 1981 году на Голанских высотах профессором Наамой Горен-Инбар из Института археологии Еврейского университета в Иерусалиме антропоморфная фигурка из ярко-красного туфа.

Фигурку удалось довольно точно датировать методами тефрохронологии (по возрасту прилегающих слоев вулканического пепла). Ей не менее 230 тысяч лет (плюс-минус 3 тысячи), что соответствует ашельской культуре (средний палеолит).

Фигурка получила название «Венеры» по аналогии с многочисленными «Венерами» эпохи позднего палеолита.

В отношении Венеры из Берехат-Рама высказывалось предположение, что она является геофактом, то есть создана силами природы. То, что три прореза на фигурке («шея» и «руки») сделаны человеком, в 1997 году доказал с помощью микроскопического анализа Александр Маршак из Музея археологии и этнологии Пибоди при Гарвардском университете. В 2000 году Франческо Д’Эррико из университета Бордо и Эйприл Ноуэлл из Университета Виктория подтвердили его выводы.

У скептиков есть еще один аргумент: если фигурку создал человек, неизвестно, ставил ли он перед собой заранее какие-либо художественные задачи. Опровержением этого тезиса в некоторой степени может служить факт существования похожей фигурки, найденной в 1999 году неподалеку от города Тан-Тана в Марокко. Так называемая «Венера из Тан-Тана» — из кварцита, высотой примерно 6 см, похожа на человека без лица и без явно выраженной половой принадлежности. По оценке Роберта Беднарика, этой «Венере» — между 200 и 500 тысячами лет. Нашедший фигурку германский археолог Лутц Фидлер полагал, что «Венера» создана человеком, возможно, доработавшим материал, обработанный природой. Другие представители научного сообщества полагают, что фигурка может иметь исключительно природное происхождение. Доказывая свою правоту, Беднарик изготовил каменный топор и обработал им похожий кусок кварцита — для сравнительного анализа.

Если признать природное происхождение двух старейших «Венер», звание древнейшей скульптуры достанется третьей — найденной в пещере Холе Фельс на юго-западе Германии в 2008 году группой археологов из университета Тюбингена под руководством Николаса Конарда.

Найденная разбитой на пять кусков, Венера из Холе Фельса была вырезана из бивня мамонта примерно 35-40 тысяч лет назад. Ни датировка, ни факт создания скульптурки человеком не оспариваются научным сообществом.

В той же пещере был найден артефакт, считающийся древнейшим музыкальный инструментом, — флейта из кости стервятника (возраст 35 тысяч лет). То есть и музыка — совсем не молодое искусство.

Что покупают в виде NFT-токенов? Шесть неожиданных (и дорогих) примеров

В последнее время в СМИ появляется много новостей про то, что какую-то арт-работу продали как NFT-токен (non-fungible token). Некоторые эксперты говорят, что этот тренд поменяет индустрию искусства и коллекционирования. Что уже сейчас выпускают в виде NFT и за сколько продают — в нашей подборке.

По сути, NFT — это цифровой сертификат на некий объект (реальный или виртуальный), например, произведение искусства. В отличие от биткоина, NFT — уникальный актив, невзаимозаменяемый (от англ. non-fungible). Когда происходит сделка с NFT, пользователь покупает только сертификат на произведение, тогда как оно само никуда не перемещается — все хранится на вечном хранилище (так называемом IPFS). Этот сертификат (по структуре своей всего лишь строчки кода, записанные на блокчейне) подтверждает, что именно вы владеете оригинальной копией этого объекта, несмотря на то, что его может посмотреть или скачать каждый: точно так же, как картина может принадлежать музею или частному лицу, но вы можете увидеть ее на выставке или в каталоге. «NFT дает возможность даже в цифровом мире, где нет границ и физических копий, все равно заявить о том, что вы так или иначе «владеете» конкретной работой или предметом коллекционирования. Поэтому NFT и получил широкое применение в арт-индустрии, особенно сейчас, во время глобальной пандемии, когда практически все выставки и художественные ярмарки либо были закрыты, либо перешли в онлайн», — объясняет сооснователь нью-йоркской платформы для продажи и покупки цифрового искусства Snark.art Андрей Алехин. 

Чтобы перевести объект в NFT, его нужно загрузить в блокчейн и создать таким образом NFT (то есть «заминтить»). При покупке NFT, например, картины от художника вы получаете запись, подтвержденную его цифровой подписью о том, что вы новый владелец этого объекта. По словам Александра Сальникова, сооснователя Rarible (один из крупнейших в мире NFT-маркетплейсов, основан выходцами из России), до NFT просто не существовало эффективной технической возможности владения цифровыми объектами, что «значительно ограничивало возможности монетизации работы digital-художников». 

Продолжение

Картина Beeple «Everydays: The First 5000 Days»

На эту тему

Ранее цифровой художник из США Майк Уинкельман, известный под псевдонимом Beeple, продавал свои картины в среднем за $100. В октябре прошлого года ему удалось продать свои работы в виде NFT за $66,6 тыс., в феврале — уже за $6,6 млн, а марте — за рекордные $69 млн. Речь идет о картине Everydays: The First 5000 Days («Каждый день: первые 5000 дней»), которая стала первой цифровой работой, выпущенной в виде NFT-токена и выставленной на крупном аукционном доме Christie’s. Таким образом, он вошел в число трех самых дорогих художников мира из ныне живущих. 

Картина, как и следует из названия, содержит в себе 5 тыс. картинок, над которыми художник работал каждый день, начиная с мая 2007 года. В итоге, по заявлению Cristie’s, получились «абстрактные, фантастические, гротескные и абсурдные» картины, которые отражают «одержимость общества и страх перед технологиями, желание и отторжение богатства и недавние политические потрясения в Америке».

Christie’s is proud to offer «Everydays — The First 5000 Days» by @beeple as the first purely digital work of art ever offered by a major auction house. Bidding will be open from Feb 25-Mar 11.

Learn more here https://t.co/srx95HCE0o | NFT issued in partnership w/ @makersplaceco pic.twitter.com/zymq2DSjy7

— Christie’s (@ChristiesInc) February 16, 2021

«Я правда считаю, что это новая глава в истории искусства, — прокомментировал сделку художник. — Теперь у нас появился способ коллекционировать цифровое искусство».

Первый твит Джека Дорси

Глава, один из основателей Twitter и криптоэнтузиаст Джек Дорси также не смог обойти нашумевшую тему NFT. В виде невзаимозаменяемого токена он решил продать свой первый твит, с которого и началась история соцсети. Простое сообщение «Просто настраиваю свой Twitter», опубликованное 21 марта 2006 года и до сих пор доступное на его странице, ушло с молотка за более чем $2,9 млн. Известно, что покупателем стал гендиректор малазийского стартапа Bridge Oracle Сина Эстави. Глава Twitter пообещал, что вырученные деньги пойдут благотворительной организации для борьбы с пандемией коронавируса в странах Африки.

just setting up my twttr

— jack (@jack) March 21, 2006

Непроданная песня Илона Маска

Примеру Дорси хотел последовать глава Tesla и SpaceX Илон Маск. Предприниматель опубликовал твит с песней про NFT и подписал, что продает ее в качестве NFT-токена. Твит был выставлен на аукцион Valuables, и предложенные суммы уже доходили до $1 млн, но через день Маск передумал.

Мем Nyan Cat 

Продажа, которая может войти в историю как пример мем-экономики. Гифку Nyan Cat, на которой кот с туловищем печеньки несется по космосу и оставляет за собой шлейф из радуги, продали на аукционе за $590 тыс. Таким образом, создатель гифки Крис Торрес отпраздновал юбилей мема, появившегося 10 лет назад. 

Проданная гифка стала уникальной в своем роде: для торгов Торрес подретушировал оригинал, убрал некоторые декоративные элементы и улучшил разрешение изображения.

‘ ‘ ‘YouTube/Nyan Cat»

Картина Бэнкси Morons 

Негласно Бэнкси тоже стал участником NFT-лихорадки. Блокчейн-компания Injective Protocol провела публичную акцию сожжения картины под названием Morons (White) известного уличного художника и «конвертировала» ее в невзаимозаменяемый токен. Организаторы называют это «неким визуальным выражением артистического действа в реальном времени» и первым примером, когда подлинное произведение искусства было переведено в NFT-токен.

Виртуальный дом Mars House

Пожалуй, самый дорогой дом, в котором никто не сможет жить, — Mars House за $500 тыс. Попасть в «марсианский дом» художницы Кристы Ким можно благодаря шлему виртуальной или дополненной реальности (когда объекты из виртуального мира совмещаются с реальным), загрузив файл в виртуальные 3D-модели. По словам Ким, ее произведение представляет собой следующее поколение NFT-искусства, и в ближайшем будущем мы будем жить в мире, когда дополненная реальность станет повсеместной. Mars House стал первым виртуальным домом, выпущенным в виде NFT-токена.

Карточки NBA Top Shots

Раньше дети коллекционировали карточки покемонов, теперь — NBA Top Shots. По своей сути это мини-видеоклипы, на которых запечатлены ключевые моменты из истории Национальной баскетбольной ассоциации. Например, NFT-токен с видео, на котором легендарный Леброн Джеймс эффектно забрасывает мяч в матче против «Сакраменто Кингз», был продан за $208 тыс. 

Для того чтобы «заминтить» такие видео (то есть превратить их в невзаимозаменяемые токены), NBA сотрудничает с канадской компанией Dapper Labs, которая уже известна созданием игры «Криптокотята» (где аналогично можно было торговать или обмениваться виртуальными котятами). 

ALL HAIL THE KING@YoDough scooped up this Legendary LeBron James Moment from our Cosmic Series 1 set for $208,000‼️ This Moment is from our first Legendary set ever minted

The top acquisition for any NBA Top Shot Moment … so far.

Congrats on the nice pickup! pic.twitter.com/rFLMzbwXN7

— NBA Top Shot (@nbatopshot) February 22, 2021

Всего платформа NBA Top Shots на данный момент продала токенов на сумму свыше $500 тыс. Ее успех объясняют тем, что ключевые моменты в баскетболе в виде токенов легко покупать даже далекому от криптоиндустрии пользователю, а обмен цифровыми карточками взамен обычных оказался как нельзя кстати в ковидном мире. 

Ирина Ли

10 самых известных картин | Биография Интернет

Это десять самых известных картин, когда-либо созданных. Это личный подбор картин, которые имеют универсальный и непреходящий характер.

1. Мона Лиза — Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи работал над своим шедевром в течение 20 лет. Он везде носил его с собой. Загадочная улыбка захватила воображение мира. Его дважды крали, и теперь он находится в Лувре в Париже.Когда Мона Лиза посетила Америку в 1960-х годах, она приобрела известность, близкую к известности тогдашнего президента США Джона Ф. Кеннеди. Почему люди стоят в очереди столько часов, чтобы мельком увидеть? Возможно, потому, что это очень человечно, но в то же время дает ощущение, что есть что-то запредельное. В мире, но заглядывая за его пределы. Разве это не улыбка высшего удовлетворения? У всех будет свое мнение, и это часть привлекательности картины.

2. Крик — Эдвард Мунк

Картина, символизирующая страдания и боль современной жизни.Он стал одной из самых известных картин современности. Почему-то это заставляет меня думать о Фрейде и о нашем подсознании. Это хорошо, но хорошо? Зачем смотреть на грязь в пруду с лилиями, когда можно любоваться лилиями на вершине?

3. Создание Адама — Сикстинская капелла Микеланджело

Микеланджело расписал Сикстинскую капеллу за четыре года. Он выбрал сцены из Ветхого Завета. Это момент, когда Бог создал Адама. Это панно — лишь часть Сикстинской капеллы.Чтобы в полной мере оценить масштаб, великолепие и красоту творения Микеланджело, вам необходимо посетить Ватикан.

4. Подсолнухи — Винсент Ван Гог

Гений Винсента Ван Гога запечатлен на этой картине с 12 подсолнухами. Это стало одним из самых узнаваемых его произведений.

5. Ceci N’est pas une Pipe — Rene Magritte

Классический образец современного сюрреалистического искусства. Это не труба, а на картинке труба. Почему это знаменито? Мы действительно не знаем.Каким-то образом это стало символом сюрреализма и парадокса современной жизни.

6. Маки в поле — Клод Моне

Клод Моне — один из великих художников-импрессионистов. Эта красивая пасторальная сцена передает суть того, как импрессионисты запечатлели красоту и простоту природы. В нем также запечатлен тот доиндустриальный период, который быстро уходил в прошлое при жизни Моне. Это воспоминание о прошедшей эпохе. Трудно не испытывать ностальгии по этой сцене.Обратите также внимание на то, что люди являются лишь второстепенной стороной к общей картине.

7. Тайная вечеря — Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи пишет одну из самых известных сцен в Библии — Тайную вечерю. Это после того, как Христос сказал, что один из учеников предаст его. Это лучшая мыльная опера — окончательное испытание человека — кому мы будем служить, Богу или Маммоне? Вот почему мы очарованы этой сценой, как бы мы вели себя за столом Иисуса Христа?

8.Девушка с жемчужной сережкой — Ян Вермеер

Ян Вермеер написал эти культовые портреты (чем-то напоминающие Мону Лизу), и они являются прекрасным примером стиля барокко и использования света. Возраст девушки трудно определить. С одной стороны, красивые блестящие глаза говорят о невинности детства. С другой стороны, есть штрихи девушки на пороге женственности. Он создает динамику чистоты, невинности и неизбежного превращения в женщину.

9. Ле Мулен де ла Галетт — Жан Ренуар

Ведущий импрессионист Огюст Ренуар запечатлел шум и волнение этой сцены на открытом воздухе в Париже. Это Париж на рубеже веков — время, когда Париж был ведущим культурным центром мира, но, по сути, местом, где люди хорошо проводили время, наслаждались жизнью.

10. Мир — Пикассо

Простота этого символа мира Пабло Пикассо остается одним из самых сильных произведений искусства.Искусство не только ради красоты, но искусство ради мира во всем мире.

Продолжить просмотр: более известные картины

Другие претенденты на самую известную картину включают:

• Crocefissione (Raffaello Sanzio)
• Поп-арт — Энди Уорхол
• Постоянство памяти — Сальвадор Дали
• Золотой Христос — Пол Гоген

50 Художники

Связанные

Известные художники — от высокого Возрождения до импрессионистов и современных художников.Включает да Винчи, Ван Гога, Рембрандта, Денег и Караваджо.

10 величайших произведений искусства всех времен. Включая Пьету и статую Давида Микеланджело; Экстаз Святой Терезы Бернини, Подсолнухи Винсента Ван Гога.

Известные поэты — Великие поэты. Включая; Уильям Блейк, Эмили Дикинсон, Джон Китс, Гомер, Милтон, Верджил, Руми, Рабиндранат Тагор.

Каковы отличные примеры заявлений художников? — ARTDEX

Как визуальный художник, вы можете не чувствовать необходимости писать заявления художника.Тем не менее, написание заявления художника является важным аспектом работы художника, который расширяет профессиональные возможности для построения успешной карьеры в искусстве. Заявления художников — это больше, чем просто художники, говорящие о себе; они предоставляют ценную информацию и существенный контекст для конкретных произведений искусства и, возможно, всего корпуса работ. От художественных организаций, которые предоставляют гранты и стипендии или рассматривают жюри представленных портфолио коллекционерам и дилерам, покупающим произведения искусства, требуются заявления художников, чтобы узнать больше о художнике и его искусстве.

При написании своего выступления артиста начните с карты разума, чтобы визуализировать цель, подумайте о своей аудитории, используйте активный голос и избегайте академических формулировок, которые могут быть пугающими для некоторых аудиторий. Возьмите интервью у себя. Какие вопросы задает мир искусства, чтобы лучше понять ваши творческие методы и творческую миссию? Изучите примеры заявлений и используйте шаблоны заявлений художников, которые помогут вам начать работу.

Будь то работы старых мастеров, влиятельных женщин-художников или политических деятелей-художников и их движений, опишите те вдохновения и их работы, которые повлияли на вас.Каковы ваши культурные корни, личные качества и / или влияние истории искусства? Есть ли какой-нибудь культовый художник, которым вы восхищаетесь больше всего, или другие художники, создающие искусство, используя те же средства, методы и техники, что и вы?

Вот несколько коротких заявлений художников, которые кратки, но убедительны и отлично помогают понять их искусство.

Слева: Эдвард Мунк — Крик, 1893. Картон, масло, темпера, пастель. Image Creative Commons / Справа: Эдвард Мунк — Крик, 1895 г.Пастель на борту. Образ творческого сообщества | Источник изображения: widewalls.ch

Эдвард Мунк,

Крик (1893)

«Я шел по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — внезапно небо стало кроваво-красным — я остановился, чувствуя себя измученным, и прислонился к забору — кровь и языки огня были над сине-черным фьордом и город — мои друзья шли, а я стоял там, дрожа от беспокойства, — и я почувствовал бесконечный крик, проходящий через природу ».

Пабло Пикассо

«Я никогда не проводил проб и экспериментов.Всякий раз, когда мне было что сказать, я говорил это в той манере, в которой это нужно было сказать… Я с трудом могу понять важность, придаваемую слову «исследование» в связи с современной живописью. На мой взгляд, в живописи искать ничего не значит. Найти — вот что.

Джексон Поллок,

Конвергенция (1952)

«Я хочу выразить свои чувства, а не иллюстрировать их. Неважно, как наносится краска, главное, чтобы что-то было сказано. На полу мне легче.Я чувствую себя ближе, большей частью картины, поскольку так я могу ходить вокруг нее, работать с четырех сторон и буквально быть в картине. Когда я рисую, я не осознаю, что делаю. Только после периода знакомства я понимаю, чем занимался. Я не боюсь вносить изменения, потому что картина живет своей собственной жизнью ».

Тициан,

Урбинская Венера (1538)

«Женщина, богиня, субъект, объект и означающее: Венера активизирует как утопические, так и антиутопические пространства венецианского палаццо.Вызывая утвердительный валентность женской / объективной ясности, Венера задает вопрос: подтвердила ли наша склонность к приватизации желания ее архетипическое значение или лишила ее прав? »

Жан-Оноре Фрагонар,

Купальщицы (1765)

«Разрушая подразумеваемый гетеронормативный дискурс допотопной мифологии, мои картины подразумевают личное мифопоэтическое повествование, которое как превосходит, так и воплощает мужской взгляд. Исследуя каллипиганские формы сложной гомосоциальной связи в антилакановском контексте, я изображаю множество повторяющихся, перекрывающихся и закодированных задач и ролей.”

Микеланджело Буонарроти,

Мятежный раб (1513)

«Прегомоэротизированное тело формирует как поле моей деятельности, так и основу моей концептуальной таксономии. Мои скульптуры исследуют как поток захватывающих означающих, так и их дополняющие анекдотические образования. Мой выбор каррарского мрамора в качестве материала создает диалектику между протоклассическими концепциями идеализированной формы и более поздним гуманистическим натурализмом. Физическая борьба каждой фигуры одновременно бездействует и имеет прилагательное.”

Дуэйн Кейзер

«Моим предметом обсуждения обычно становятся фрагментарные отрывки, которые находятся в обыденном — промежуточные пространства нашей жизни, которые мы видим, но часто не замечаем. Для меня эти картины — о удовольствии видеть; осознания мира вокруг меня и стремления найти алхимию между краской, моим предметом и моментом. Я рассматриваю каждое произведение как часть единой непрерывной работы ».

Когда он дебютировал, «Ужин» Джуди Чикаго получил резкую критику в Times.|
Изображение предоставлено: Сара Крулвич / The New York Times / Источник изображения: nytimes.com

Джуди Чикаго

«Из-за того, что нам отказано в знании своей истории, мы лишены возможности стоять друг у друга на плечах и опираться на с трудом заработанные достижения друг друга. Вместо этого мы обречены повторять то, что другие делали до нас, и поэтому мы постоянно изобретаем велосипед. Цель «The Dinner Party» — разорвать этот круг ».

Густав Климт

«Я никогда не писал автопортреты.Я меньше интересуюсь собой как героем картины, чем другими людьми, прежде всего женщинами … Во мне нет ничего особенного. Я художник, который рисует день за днем ​​с утра до ночи … Кто хочет что-то узнать обо мне … должен внимательно посмотреть на мои картины ».

Василий Кандинский

«Я позволил себе уйти. Я мало думал о домах и деревьях, но нанес на холст цветные полосы и пятна … Во мне звучали воспоминания о раннем московском вечере — перед моими глазами была яркая, насыщенная цветами гамма мюнхенского света и атмосферы, которая гремела. глубоко в тени.”

Луиза Буржуа,

Паук (1996)

«Рисовал всю жизнь. Мои родители занимались реставрацией гобеленов, и в детстве я рисовала недостающие части гобелена, которые нужно было переплести. Мои способности рисовать сделали меня незаменимым для родителей. Я происходил из семьи ремонтников. Паук ремонтник. Если вы натолкнетесь на паутину, она не рассердится. Она плетет и ремонтирует. «Паук» — ода моей матери.Она была моим лучшим другом. Моя мать была ткачихой, как паук. . . Как пауки, моя мама была очень умной. Пауки — дружелюбные существа, поедающие комаров. Так что пауки помогают и защищают, как и моя мама ».

Элис Эйкок,

Cyclone Twist (2014)

«Я пытался визуализировать движение энергии ветра, когда она текла вверх и вниз по проспекту, создавая случайные водовороты, соприкасаясь здесь и там и иногда формируя динамическое трехмерное скопление форм.Одна из работ, в частности, ссылается на выразительность ветра через драпировку и хаотическую красоту динамики жидкости / потока. Поскольку скульптуры явно размещены в торговом центре, я хотел, чтобы работа была случайной, случайной — в некоторых случаях накапливалась сама по себе, в других уносилась в воздух ».

Бабушка Моисей,

Утренний день на ферме (1951)

«Я рисую сверху вниз. С неба, потом горы, потом холмы, потом дома, потом скот, а потом люди.Иногда я смотрю в окно, чтобы найти цвет теней и разную зелень на деревьях, но когда я собираюсь рисовать, я просто закрываю глаза и представляю сцену. Получу вдохновение и начну рисовать; тогда я забуду все, все, кроме того, как все было раньше и как это рисовать, чтобы люди знали, как мы жили ».

Фото Аллефа Винисиуса на Unsplash

Заключение

Помните, что заявление художника — это не биография художника.Если вам неудобно быть одновременно художником и писателем в своем искусстве, обратитесь за помощью к искусствоведам, наставникам и талантливым писателям, которые могут дать советы по написанию заявлений художников и шаблонов заявлений.

Найдите образцы высказываний артистов, которые помогут вам начать работу. Найдите пример высказывания художника, который находит отклик у вас, и используйте его как вдохновение при структурировании своего высказывания. Когда вы пишете свое заявление художника, подумайте о том, что вы можете сказать о своем произведении искусства, что побудит критика, дилера, художественную организацию или коллекционера искусства узнать о вас больше и заставит нанести визит в студию, чтобы увидеть вашу работу.

Полное руководство по различным художественным средам — ​​ARTDEX

«Тот, кто работает руками, головой и сердцем, есть художник» — Святой Франциск Ассизский

На протяжении всей истории искусства люди использовали различные материалы для самовыражения. Художники всегда выбирали концепции и техники, соответствующие их навыкам и художественному выражению. Этот квест начался с пигментированного порошка, который использовался для рисования на стенах пещеры Альтамира, и прошел долгий путь к внедрению современных технологий в создание искусства.

Наш полный справочник по художественным средствам проинформирует вас о различных художественных материалах, которые люди использовали в течение долгого времени. Это также укажет на то, на чем вы должны сосредоточиться при выборе идеального носителя для вашего изобразительного искусства. Следующая статья поможет вам выбрать наиболее подходящую вам художественную среду, независимо от того, начинаете ли вы художественную карьеру, выбираете художественную школу или хотите заново изобрести свой художественный стиль.

Фрагмент из «Идеализированного портрета дамы» (1480 г.), яичная темпера на панно из тополя, работы САНДРО БОТИЧЕЛЛИ (1445-1510) | Источник: artyfactory.ком

Различные типы традиционной живописи и стилей рисования

Из-за большого разнообразия техник рисования и стилей рисования, средства рисования и инструменты рисования требуют отдельного раздела в любом исчерпывающем руководстве по различным средствам искусства. Есть множество поверхностей, на которых можно рисовать и рисовать.

Темпера

Темпера — это термин, обозначающий краску, смешанную со связующими материалами, такими как яичный желток, и описывающий стиль рисования и художественную среду.Этот материал делает темперу быстросохнущей и долговечной художественной средой, о чем свидетельствуют работы темперы, относящиеся к I веку нашей эры

.

Масло

Это традиционная художественная техника, которая начала признаваться в качестве художественной среды в Европе 15 века. Масляные краски, как следует из названия, обычно содержат льняное масло, благодаря которому они сохнут медленнее, чем другие. Продолжительное время высыхания является преимуществом использования масляной живописи в качестве художественной среды. Он предлагает художникам возможность изменить некоторые сегменты своей работы или нарисовать другую сцену, добавив еще один слой краски на холст.

Акриловая краска

Что касается времени высыхания, то акриловые краски сохнут быстрее, чем масляные краски, и после высыхания они становятся водостойкими. Однако вы можете растворить акриловую краску водой перед тем, как нанести ее на холст, чтобы добиться эффекта гуаши или акварели. Рисование акрилом позволяет художникам добавлять слои или текстуры к своим произведениям, усиливая глянцевитость и придавая им глубину. Или они могут добавить воду, чтобы добиться матового эффекта на своих картинах.

Акварель

Использование акварельной краски в качестве художественного средства может быть сложной задачей для начинающих в мире искусства. Многие художники любят акварель из-за кажущейся бесконечной цветовой палитры. После того, как вы нанесете их на бумагу, вы мало что сможете сделать, чтобы изменить результат. Однако акварель придает картинам полупрозрачность и идеально подходит для фиксации смены света.

Древесный уголь

Это один из старейших художественных средств рисования.Угольные палочки сделаны из порошкообразного органического материала, связанного воском или жевательной резинкой. Углем можно делать бледные или сильные выразительные линии. Этот художественный материал легко стирается, поэтому рекомендуется наносить фиксирующие средства на рисунки углем, чтобы обеспечить долговечность произведениям искусства.

Пастель

Эти художественные среды состоят из красочного пигмента, аналогичного пигментам масляных красок, и связующего материала. Использование пастели в рисовании и живописи стало популярным в 18 веке.Художники могут использовать комбинацию разных пастелей в зависимости от желаемого эффекта. Например, мягкая пастель отлично подходит для смешивания, в то время как вы используете твердую пастель для создания резких контуров или наброска более крупной композиции. Существуют также панастели, современная версия этой художественной среды, наносимая мягкой губкой. Вы можете работать с масляной пастелью, которая обеспечивает интенсивность цветов, или с водорастворимой пастелью, если вам нужны более тонкие слои полупрозрачных цветов, которые легко смешиваются.

Мел

Вот еще один органический материал, который художники использовали для рисования с эпохи палеолита. Художественный мел обычно бывает трех вариантов: черный, белый и сангина, в зависимости от материала. Черные мелки содержат мягкий черный камень, белые — из известняка, а сангина — красную охру. Мел изначально использовался для создания эскизов, но в эпоху Возрождения стал независимым художественным средством.

Карандаши графитовые

Они использовались в качестве художественного средства с XVII века во Франции.Вы можете использовать графит для рисования, обводки или штриховки. Существуют графитовые карандаши различной твердости, которые можно использовать для создания изобразительного искусства. Это удобный художественный носитель, потому что он позволяет переделывать вашу работу, стирая части рисунка или всю работу.

Карандаши цветные

В детстве все использовали цветные карандаши для рисования и раскрашивания, делая первые попытки проявить себя творчески. Цветные карандаши прошли долгий путь от детской игрушки до профессионального художественного средства.Они завоевали значительное внимание и уважение в мире современного искусства благодаря многочисленным преимуществам, которые они предлагают. Рисунки цветных карандашей выразительны, глубоки и люминесцентны. В то же время эта художественная среда дает художникам возможность создавать фотографически реалистичные произведения искусства.

Перо и чернила

Это также знакомая художественная среда, где вы используете перо для обводки и добавления цвета в художественные формы, такие как перьевой рисунок или рукописный текст и каллиграфия.Вы можете выбирать между различными типами ручек, такими как графические ручки, перьевые ручки или ручки для рисования, в зависимости от того, что вы хотите с ними делать. Чернила — мощное, но неумолимое средство для рисования, поэтому вам действительно нужно овладеть навыками рисования чернилами, прежде чем вы начнете с ними творить. Что делает рисунки, выполненные пером и тушью, такими выразительными, так это соотношение пустых и заполненных чернилами пространств на бумаге.

Сейчас мы собираемся двигаться дальше и исследовать, какие другие виды художественной среды использовали художники на протяжении всей истории для выражения своих идей и эмоций.

Уникальные формы непрерывности в космосе Умберто Боччони (1912-1913 гг.) Под разными углами, через zbrushcentral.com | Источник: antheamissy.com

Эволюция трехмерного искусства

Наиболее распространенное определение трехмерного произведения искусства — это произведение искусства, которое можно наблюдать в измерениях высоты, ширины и глубины. С незапамятных времен люди создавали скульптуры с использованием различных концепций, техник и художественных материалов. Инсталляции, перформанс и декоративное искусство также попадают в эту категорию вместе со скульптурой, которая является воплощением трехмерного искусства.

Самым старым произведением трехмерного искусства является скульптура Венеры Берехат Рам. Эта вырезанная из камня фигура датируется 230000 лет до нашей эры. Он представляет собой символ женского плодородия и является одним из множества подобных фигурок, разбросанных по Европе. Считается, что эти первые образцы доисторических скульптур играли важную роль в ритуалах и церемониях.

Три стандартных типа скульптур, которые признает мир искусства:

• Отдельно стоящая скульптура, на которую можно смотреть с любой стороны и под любым углом, обойдя ее.
• Барельеф — это когда форма вырезана так, что она немного выделяется на фоне исходного материала.
• Горельефные формы вырезаны, чтобы выделяться на фоне.

Самыми традиционными художественными средами, используемыми для создания трехмерных произведений искусства, были дерево и камень. В настоящее время вы можете использовать современные материалы, такие как стекло, пенопласт и пластик, чтобы превратить их в настоящее произведение искусства. Художники используют множество техник для создания трехмерной интерпретации своего художественного видения.

Резьба — вырезание кусков материала, обычно дерева или камня, до получения желаемой формы.

Отливка — заливка жидкой художественной среды, такой как железо, в специально разработанные формы для создания частей большой скульптуры.

Моделирование — манипулирование и преобразование мягких художественных материалов, таких как глина или гипс, и их затвердевание до нужной формы. Современные художники также используют различные методы моделирования для создания фантастических произведений искусства из стекла.

Строительство — это творческий процесс, в котором художники собирают скульптуру, комбинируя различные материалы и используя клей, проволоку или сварку, чтобы удерживать элементы вместе.

Новое время принесло современные вариации трехмерного искусства. Например, стекло стало важным художественным средством, используемым в скульптуре, инсталляции и декоративном искусстве. Концепции и приемы, используемые при создании художественных изделий из стекла, определяют их тип. Многие художественные формы из стекла включают использование методов горячего стекла, таких как выдувное стекло, скульптурное стекло и литое стекло.Как видно из названия, художники работают с горячим стеклом, придавая ему форму, выдувая или отливая в формы.

Творческий процесс теплого стекла включает нагревание стекла в духовке или печи. Два доминирующих метода изменения формы теплого стекла — это опадание и сплавление.

Вы также можете работать с холодным стеклом для создания произведений искусства. Стекло можно шлифовать, полировать или гравировать, чтобы добиться желаемого эффекта. Существует также техника травления, которую вы можете применить в искусстве стекла, чтобы изменить текстуру стекла.Вы можете добиться этого с помощью пескоструйной обработки или кислотного травления.

Еще одна из этих современных версий — искусство инсталляции, где художники комбинируют аудиовизуальные эффекты и различные материалы для решения важных проблем, которые их волнуют. Художественные инсталляции могут быть сосредоточены, например, на политике, правах человека или окружающей среде. Самым распространенным является искусство световых инсталляций, где свет и скульптура смешиваются для создания великолепного художественного эффекта.

Артисты, занимающиеся исполнительским искусством, используют свое тело или тела других участников как идеальное средство выражения своих основных ценностей и передачи своего уникального послания аудитории.

Слева: Пабло Пикассо — Макет для гитары, 1912 г. / Справа: Макет для гитары на выставке скульптур Пикассо в МоМА | Источник: widewalls.ch

Техники смешанной техники и нетрадиционное художественное выражение

Искусство продолжает развиваться, принося на сцену многочисленные авангардные художественные движения. Художники, которые хотят выделиться, ищут нетрадиционные художественные среды, которые выражают их эстетические принципы и бросают вызов глубоко укоренившимся определениям изобразительного искусства.

Искусство смешанной техники основано на идее, что вы можете использовать все и вся для создания удивительного произведения искусства. Пикассо и Брак первыми использовали различные материалы и предметы повседневного обихода для создания инстинктивных коллажей как удивительных примеров искусства смешанной техники.

• Коллажи — это произведения искусства, которые вы создаете, комбинируя различные материалы, такие как бумага, ткань, вырезки из газет и предметы повседневного обихода, для создания уникальных произведений искусства. Вы даже можете создать цифровой коллаж из произведений искусства в Интернете.
• Assemblage — это трехмерная версия искусства смешанной техники, созданная путем размещения различных объектов и материалов на определенной поверхности. Художники, такие как Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, восприняли это как антиэстетический подход к созданию искусства сборки, которое стало широко использоваться в 1950-х и 1960-х годах.
• Найденные предметы — это смешанная медиа-форма, в которой художники используют повседневные предметы и превращают их в произведения искусства, помещая их в определенную художественную концепцию.
• Измененные книги Техника предполагает физическое изменение книги и использование ее в качестве средства художественного творчества. Вы можете вырезать страницы из книги, чтобы изменить ее, или можете использовать вырезанные страницы как материал для отдельных иллюстраций.
• Художественный дневник представляет собой способ обогатить ваши записи о различных событиях, воспоминаниях и мыслях, добавив к ним художественного акцента. Вы можете использовать широкий спектр художественных концепций и техник в журнале смешанного искусства или вы можете активизировать свою игру и начать со смешанного ведения журнала, также называемого нежелательным журналом.Эта версия художественного журнала включает в себя различные предметы, такие как открытки, билеты на концерты, ленту васи, декоративную бумагу или изображения из журналов. Вы можете использовать различные переработанные предметы в качестве подсказок художественного журнала. Вы можете начать с ведения журнала о цифровом искусстве, если вы страстный поклонник цифровых технологий и изучаете широкие возможности применения технологий в создании искусства.

Фотография как художественная среда

С момента своего изобретения фотография оказала значительное влияние на то, как люди воспринимают историю и повседневную жизнь.Эта мощная среда сохранила некоторые захватывающие моменты времени, чтобы отметить периоды революционных социальных изменений.

Развитие технологий предоставило людям множество возможностей для выражения своих художественных принципов с помощью фотографии. Художники имеют возможность повлиять на окончательную презентацию, выбирая различные камеры, объективы или пленки и задавая параметры кадрирования и времени, прежде чем они сделают снимок. Фотографическое оборудование и методы, используемые в творческом процессе, во многом зависят от предмета, тона и оригинального впечатления, которое художник хочет достичь своей работой.Например, художники-портретисты, которые сосредотачиваются на съемке отдельных объектов, выберут большие камеры с малой глубиной резкости, чтобы сохранить фокус на объекте. Пейзажные фотографы выберут совершенно противоположную камеру и технику.

То же самое касается работы с черным и белым, а не с цветами. Черно-белая фотография оставляет неизгладимое впечатление, выделяя линии, текстуру и тон.

• Документальная фотография направлена ​​на то, чтобы запечатлеть важные моменты истории или повседневной жизни, которые будут точно изображать эпоху.Этот вид фотографии тесно связан с фотожурналистикой и играет важную роль в освещении острых социальных проблем.
• Пейзажная фотография возникла из пейзажной живописи. Здесь фотографы сосредотачиваются на окружающей среде, фотографируют природные и городские окрестности и используют методы кадрирования и кадрирования для создания необычных композиций.
• Портретная фотография существует с момента изобретения дагерротипа. Этот художественный стиль фотографии заменил портретную живопись как гораздо более быстрый и доступный способ запечатлеть чье-то изображение.Технический прогресс позволил художественным фотографам выйти на улицу и использовать естественное окружение и свет для создания завораживающих портретов.
• Обнаженная фотография восходит к изобретению этой художественной среды, и изначально обнаженные фотографы хотели вызвать классический идеал красоты, изображая своих героев как нимф или древних героев. В отличие от этого, обнаженные авангардисты представляли человеческое тело как независимую сущность, свободную от всех условностей искусства.
• Цифровая фотография появилась с развитием цифровых технологий, предлагая множество новых возможностей для создания фантастических произведений искусства.Теперь фотографы могут создавать, редактировать и ретушировать свои работы с помощью передовых программ и приложений.

Художник Рефик Анадол использует большие коллекции данных и алгоритмы машинного обучения для создания завораживающих и динамичных инсталляций. | Автор Wired на YouTube

Передовые технологии позволяют создавать необычные художественные материалы

Это время беспрецедентного прогресса в цифровых технологиях. Идея использования новых компьютерных технологий в создании искусства появилась в шестидесятых годах, когда появились первые образцы цифрового искусства.Позже некоторые энтузиасты техники и искусства начали использовать цифровые технологии в своих художественных инсталляциях. Но революционным событием, открывшим новые миры для цифровых художников, стало появление и расцвет Интернета в девяностые годы. Это позволило художникам создать свое искусство и представить его мировой аудитории с помощью различных платформ социальных сетей.

В настоящее время на сцене современного искусства наблюдается бум художников, которые включают инновации цифровых технологий в свои художественные инсталляции, чтобы выразить свою озабоченность по поводу значительных проблем.Некоторые художники используют лазеры для создания фантастических мультимедийных проектов, представляющих идеальное сочетание света и звука. Другие используют 3D-принтеры для воплощения своих художественных идей и создания незабываемых художественных представлений. Таким образом, передовые технологии заново изобретают художественную сцену, вводя необычные художественные среды в качестве средств художественного выражения.

Заключительные слова

Мы составили это полное руководство по различным средствам, которые вы можете использовать при создании своего искусства, чтобы представить краткий обзор различных средств искусства на протяжении всей истории искусства.Мы также сосредоточились на важных вопросах, на которые вам нужно ответить, прежде чем вы начнете искать идеальную среду для своих работ. Делаете ли вы свои первые шаги в мире искусства или являетесь опытным художником, ищущим новое художественное выражение, вам нужно мудро выбрать среду.

Материалы, которые вы будете использовать для создания произведений искусства, должны отражать вашу уникальную идею и оригинальное послание, которое вы хотите передать миру. Кроме того, убедитесь, что вы используете материалы, с которыми вам нравится работать, потому что создание искусства должно приносить радость и удовлетворение художнику, а не заставлять его постоянно бороться.Имея это в виду, вы можете выбрать художественную среду, которая будет соответствовать вашей художественной идентичности.

25 произведений искусства, определяющих современную эпоху

Гордон Матта-Кларк (р. Нью-Йорк, 1943; ум. 1978) получил образование архитектора в Корнельском университете. К 1970-м годам он работал художником, вырезая куски из пустующих участков, документируя пустоты и демонстрируя ампутированные фрагменты архитектуры. В то время было легко найти заброшенные здания — Нью-Йорк был экономически депрессивным и охваченным преступностью.Мэтта-Кларк искал новое место, когда арт-дилер Холли Соломон предложила ему принадлежащий ей дом в пригороде Нью-Джерси, который планировалось снести. «Раскол» (1974) — одна из первых монументальных работ Матта-Кларка. С помощью мастера Манфреда Хехта, среди других помощников, Матта-Кларк разрезал все это пополам бензопилой, затем приподнял одну сторону конструкции, в то время как они сняли фаску с шлакоблоков под ней, прежде чем медленно опустить ее обратно. Дом идеально раскололся, оставив узкую центральную щель, через которую солнечный свет мог проникать в комнаты.Через три месяца здание снесли, чтобы освободить место для новых квартир. «Мне всегда было интересно работать с Гордоном», — сказал однажды Хехт. «Всегда был хороший шанс быть убитым».

TLF: Почему нет ленд-арта?

RT: У меня есть Гордон Матта-Кларк.

MR: Это ленд-арт? «Спиральная пристань» [гигантский клубок из грязи, соли и базальта, построенный в 1970 году в Розел-Пойнт, штат Юта, американским скульптором Робертом Смитсоном] — это ленд-арт.

TT: Это безумие! Пристань на 100 процентов должна быть в моем списке.

KT: «Поле молний» [работа американского скульптора Уолтера Де Марии 1977 года, состоящая из 400 столбов из нержавеющей стали, установленных в пустыне Нью-Мексико], «Кратер Родена» [все еще живое изображение американского художника по свету Джеймса Террелла. Обсерватория прогресса невооруженным глазом в Северной Аризоне].

TT: Я подумал: «Кто это может увидеть? Что означает «влияние», что значит быть под влиянием, увидев что-то на экране? » Я подумал: «Составляю ли я список того, что я видел, по сравнению с тем, чем я был одержим?» На тот момент это все репродукция или своего рода театральное представление.

MR: Полностью.

Коллажированная фотография «Расщепление» Гордона Матта-Кларка (1974). Кредит … Предоставлено имением Гордона Матта-Кларка и Дэвида Цвирнера

TT: Я разместил выставку Майкла Ашера в музее Санта-Моники [No. 19, см. Ниже], но с чем-то вроде этого — когда его нет, это репродукция только . Вы не можете его посетить, он не переезжает в другое место.

TLF: Это вопросы, которые задавали художники по лэнд-арту, — разве это уже не вопросы, которые мы задаем сегодня?

TT: Земли больше нет.

MR: Это действительно интересный вопрос. В основном это связано с тем, что из-за переезда в города мы стали одержимы городами. Пасторальный вопрос, который также относится к городам, хотя мы этого и не осознаем, отступил. Но я ошибаюсь, что ленд-арт тоже был в Европе? Были голландские художники и английские художники.

RT: Да, были. Все еще есть.

MR: Лэнд-арт был интернациональным в интересном смысле, что совпало с Голубым мрамором [снимок Земли, сделанный в 1972 году экипажем Аполлона-17].

TLF: Каталог всей Земли.

MR: Конечно. Представление о всей Земле как о единстве, состоящем из реальных вещей, а не социального пространства.

RT: Может быть, это тоже имеет отношение к идее собственности и богатства. Изменилась стоимость земли и то, для чего она используется. Раньше можно было просто поехать в Монтану и, вероятно, —

MR: Захоронить несколько Кадиллаков.

RT: — выкопать большую яму.Я имею в виду, что Майкл Хайзер все еще занимается чем-то, но теперь это только интерьер. Он просто делает большие камни в пространстве. Опять же, вот почему Смитсон интересен, потому что сейчас он почти как не-сайт [Смитсон использовал термин «не-сайт» для описания работ, которые были представлены вне их первоначального контекста, например, камни из карьера Нью-Джерси, выставленные в галерея рядом с фотографиями или картами сайта, откуда они пришли].

TLF: Тогда почему вы включили Гордона Матта-Кларка?

RT: Есть много ссылок на меня, но я чувствую, что «Разделение» затрагивает все остальные вещи, о которых я думаю.С «Разделением» это похоже на комический финал. Кроме того, идея разделенного дома и того, что происходит с домашним хозяйством — люди больше не могут сидеть вместе на День Благодарения.

8. Дженни Хольцер, «Трюизмы», 1977–79.

19 примеров художественного портфолио для вдохновения — БООООООМ! — СОЗДАВАЙТЕ * ВДОХНОВЛЯЙТЕ * СООБЩЕСТВО * ИСКУССТВО * ДИЗАЙН * МУЗЫКА * ФИЛЬМ * ФОТО * ПРОЕКТЫ

По сценарию Джилл Блэкмор Эванс

Когда художникам нужен веб-сайт, они используют Format.Это самый простой способ создать онлайн-портфолио, которое будет выглядеть профессионально, и вы можете поговорить с реальным человеком, если вам понадобится помощь. Ваша работа заслуживает онлайн-портфолио, которое выведет вашу карьеру на новый уровень. Не позволяйте великому искусству страдать от плохого веб-дизайна.

Сотни тысяч художников используют Format, в том числе многие уже представлены на Booooooom. Вот подборка из 19 веб-сайтов художников, которые вы можете посетить. Их портфолио — постоянный источник вдохновения — от макетов до логотипов.

Требуется онлайн-портфолио? Исключительно для читателей Booooooom вы можете попробовать Format в течение трех месяцев абсолютно бесплатно. Кредитная карта не требуется.

Щелкните здесь, чтобы начать создавать свое портфолио, и просмотрите вдохновляющие сайты ниже.

1. Александр Гронский

Московский фотограф Александр Гронский запечатлел меняющийся ландшафт России на фотографиях, которые четко сфокусированы и имеют классическую композицию. Хорошо расположенные галереи в его портфолио позволяют зрителю действительно делать паузу и рассматривать каждую фотографию.Работы Гронского были представлены в таких публикациях, как The New Yorker и The Guardian, и являются частью коллекции Амстердамского музея пены, а также других галерей Европы и России.

alexandergronsky.com

2. Пол Фунг

Базирующийся в Лондоне фотограф Пол Фанг снимал для таких клиентов, как Universal Records и Sony. Его фотография обычно минимальна, в ней широко используются свет и тень.Его портфолио без текста так же скупо и совершенно современно, как и его работы.

paulphung.com

3. Дженни Хьюстон

Дженни Хьюстон считает в своем списке клиентов такие публикации, как Vogue, Nylon, The New Yorker, и ELLE . Помимо своих творческих модных съемок, фотограф из Нью-Йорка запечатлела американскую культуру в серии изобретательных сериалов о фанатах футбола и родео в Техасе. Образы Американы, созданные Хьюстоном, одновременно и резко аутентичны, и сюрреалистичны.

jennyhueston.com

4. Карсон Гиллиланд

Фотограф Карсон Гиллиланд из Сарасоты, штат Флорида, является экспертом в области документирования необычных деталей американской архитектуры. Снимая неоновую вывеску в ночное время или хромированные колпаки автомобилей, Гиллиланд умеет выделять яркие цвета и необычные текстуры, которые выделяют его фотографии.

carson-gilliland.com

5. Саманта Френд

Отношения между людьми и природой — постоянное увлечение нью-йоркского фотографа Саманты Френд.Она часто фокусирует свое внимание на искусственной среде, напоминающей мир природы, например на парках, зоопарках и Диснейленде. Френд демонстрирует свои фотографии по одной, без каких-либо подписей, позволяя зрителю сделать собственные выводы о том, что происходит в ее сюрреалистических изображениях.

6. Дэвид Кортес

В своем портфолио фотограф Дэвид Кортес совмещает фотографии разного размера, создавая ощущение журнального стиля. Работая между Нью-Йорком и Калифорнией, Кортес создает портреты, которые всегда индивидуальны и непритязательны.Независимо от того, снимает ли он для таких брендов, как Nike, Teva и Citizens of Humanity, или для таких изданий, как Complex, Nylon, Refinery29, Wired, и Cosmopolitan , повседневный аутентичный стиль Кортеса всегда проявляется в его фотографиях.

davidmcortes.com

7. Себастьяно Арпая

Фотографии Себастьяно Арпая загадочны и тщательно скомпонованы, создавая настоящее настроение даже в самых простых изображениях.Фотограф из Нью-Йорка выстраивает свою работу таким образом, чтобы создать тонкий рассказ, в котором таинственные пейзажи соседствуют с крупными планами с естественными текстурами и неожиданными портретами. Арпайя сохраняет свое портфолио таким же чистым, как и его работы, всего несколько галерей изображений предлагают взглянуть на его стиль.

8. Чарли Хоукс

Бруклинский фотограф Чарли Хоукс создает журналы и курирует шоу, а также снимает загадочный ряд портретов и творческих фотопроектов.Портреты Ястребов отличаются незабываемым чувством полной непосредственности. Его объекты часто отводят взгляд от объектива или изображают странные лица, и все же ощущение их личности всегда проявляется на финальной фотографии.

charliehawks.com

9. Дахэ Сонг

Дахэ Сонг — междисциплинарный художник, работающий с цифровыми медиа и красками для создания абстрактных геометрических форм, часто в оттенках черного и серого. Вертикально прокручивающаяся галерея в ее портфолио — это легкий опыт просмотра, который действительно позволяет зрителю осознавать текстуру каждой работы, поскольку каждая картина заполняет экран.

songdahae.com

10. Ян Клайн

Фотограф Ян Клайн живет в Балтиморе, штат Мэриленд, где он работает над BFA и создает потрясающе личные фотоработы. В двух заниженных сериях из своего портфолио, Blue Fifth и Mary Anne, Drive , Клайн строит тонкий рассказ, который кажется реальным, интимным и никогда не решенным. Его использование белого пространства между изображениями в его портфолио добавляет ощущение того, что история развивается с течением времени.

iankline.com

11. Эрик Ли Снайдер

Нью-йоркский фотограф Эрик Ли Снайдер, работающий в черно-белом цвете, создает портреты, которые создают вневременную атмосферу. В его портфолио также есть дневник музыкального турне, наполненный индивидуальностью, в котором рассказывается о таких артистах, как Мэтью Хитт из Drowner, о более спокойной жизни в дороге. Снайдер демонстрирует свои изображения по одному и делает текст очень маленьким для максимального визуального воздействия.

erikleesnyder.com

12. Шарон Паннен

Фотограф Шэрон Паннен снимает в основном на аналоговую пленку, часто сканируя свои изображения с отверстиями для звездочек, чтобы сохранить это старомодное ощущение. Базируясь в Нидерландах, Pannen занимается документированием голландской молодежной культуры. В ее портфолио явно чувствуется ностальгический коллаж, гармонирующий с эстетикой ее беззаботных фотографий.

sharonpannen.com

13. Брэндон Сели

Иллюстратор Брэндон Сели разработал уникальный, искусно наивный стиль, который хорошо подходит для его редакционной работы для таких изданий, как Vice, Lucky Peach, и Bloomberg Businessweek. Реклама, еда и технологии — все это заметно (и весело) в иллюстрациях художника из Торонто, которые он отображает в красочной сетке, которая дает быстрый обзор его работ.

brandonceli.com

14. Венди Хьюн

Венди Хюин — французский фотограф, работающий в Париже и Лондоне. Помимо фоторабот, она также является автором журнала Arcades Magazine , печатного издания, документирующего жизнь в пригородах посредством творческих фотосессий пригородной архитектуры и жителей.Изображенный здесь портретный проект, который она сделала для Nylon Korea.

wendyhuynh.com

15. Тася Кудрик

Фотограф Тася Кудрик снимает модные, редакционные и портретные работы, а совсем недавно создала памятную серию об украинской идентичности для Vogue. Работая между Варшавой, Берлином и Киевом, украинский фотограф всегда привносит артистичность в свою творческую модную фотографию. Ее сеточное портфолио создает ощущение единства во всех ее различных проектах.

tasyakudryk.com

16. Хейли Коэн

В настоящее время арт-директор рекламного агентства Sid Lee, дизайнер из Торонто Хейли Коэн привносит изысканный и современный стиль в свои дизайнерские проекты. В ее онлайн-портфолио бледно-розовый фон, фиолетовый шрифт и превью ее работ в формате GIF добавляют мгновенной индивидуальности.

haleykoehn.com

17. Кертис Талвст Сантьяго

Художник Кертис Талвст Сантьяго делает свое портфолио предельно простым, уделяя особое внимание скульптурам и картинам.Выбор художника из Торонто показать свои работы в максимальном полноэкранном режиме гарантирует, что все сверхсложные детали его крошечных скульптур будут видны — рука художника также часто появляется на изображениях, напоминая зрителю об их масштабе.

curtissantiago.art

18. Олеся Асанова

Домашняя страница портфолио российского фотографа Олеси Асановой — это взгляд на ее работы в стиле коллажей, в том числе снимки для Unif, I-D, и Nasty .Ее редакционная фотография явно мечтательна, в ней часто используются необычные декорации и неожиданные ракурсы.

19. Рики Люнг

Логотип

Illustrator Рики Люн в формате GIF помогает сделать даже меню боковой панели его сайта-портфолио отражением его личного стиля. Работа иллюстратора из Торонто игрива и увлекательна, напоминает детскую книгу, и он использует сетку, чтобы отображать сразу много рисунков для максимального визуального воздействия.

rickyleungart.com

Чтобы начать создавать свое портфолио и получить три бесплатных месяца, зарегистрируйтесь здесь!

Спонсором этого поста является Format

8 примеров известного искусства в рекламе

От Тайной вечери к мыслителю мир рекламы любит заимствовать у мира искусства. Итак, войдите в удивительно свободный от доктрины мир творческой рекламы, где художники могут поиграть с некоторыми из великих деятелей истории искусства.Вот 8 примеров известного искусства в рекламе.

1. Тайная вечеря да Винчи , переосмысленная как стол игрока

Эта знакомая реклама онлайн-казино столь же кощунственна, как и хорошо оформлена. Единственное, чего не хватает, — это то чутье возвышенности, которое было у Да Винчи. Хотите увидеть настоящие вещи своими глазами? Знаменитая картина да Винчи находится в церкви Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, которую вы можете посетить в рамках тура Best of Milan.

2. Автопортрет Ван Гога привлечь внимание

Если есть что-то, что мы можем узнать из рекламы этого французского оптика, так это то, что из-за небольшого размытия получается отличный портрет. А использование автопортрета Ван Гога для иллюстрации (видите, что мы там сделали?) Делает эту идею хорошей рекламой. Вы можете найти портрет Ван Гога, на котором основана эта реклама, в Музее Орсе в Париже.

3.Двойник Пикассо для продвижения йоги

Эту рекламу фитнес-центра можно было бы рассматривать как подделку, если бы не такой хорошо оформленный комплимент. Он не только имитирует Пикассо, но и сочетается с фразой, которая не выглядела бы неуместной на одной из картин самого Пикассо. Лучший способ насладиться оригинальными работами художника? Конечно же, в Музей места рождения Пикассо.

4. Мондриан в рублях

Эта реклама логистической компании не только узнаваема, но и остроумна.Ибо кто не распознает основные цвета, блоки и линии, которыми славился Пит Мондриан, — даже если они лежат стопкой в ​​углу, а не аккуратно сложены посередине? В конце концов, никто не хотел бы, чтобы их Мондриан, доставленный и доставленный, оказался на пороге их дома в груде обломков. Вы можете увидеть оригинал (в тактике) в Художественном музее в Гааге. А если вы любитель искусства, истории или приключений, вот чем можно заняться в Гааге, пока вы там.

5.Это не Магритт

Нам нравится эта реклама страхования Allianz, потому что она напоминает знаменитую работу Магритта как по форме, так и по значению. Он говорит нам смотреть мимо молотка, который, как нам кажется, мы видим, и понимать, что это действительно что-то другое — обычный пальчиковый молоток. Думаете, вам могут понравиться больше работы Магритта? Тогда пора посетить МоМА.

Эта остроумная немецкая реклама витаминов, питательных для мозга, — прекрасный (и забавный) намек на знаменитую статую Родена.Этот маленький гений уже понял, что нет лучшего места для созерцания, чем ванная. Если вы предпочитаете созерцать настоящий «Мыслитель » или «», а также некоторые другие шедевры Родена, посетите музей Родена и полюбуйтесь своим взором.

7. Дали и странный мир инвестиций

Это исполнение Дали « Искушение святого Антония » изображает деловой мир сегодня. Хотя мы не можем сказать наверняка, мы уверены, что Дали одобрит это сообщение.Если эти длинноногие существа пробудили у вас интерес к творчеству Дали, вы оцените посещение Дали в Париже, единственного места во Франции, полностью посвященного Сальвадору Дали.

8. Другой взгляд на Пикассо

Иногда все, что нужно для создания отличного объявления, — это связать две, казалось бы, не связанные между собой вещи и создать связь с помощью простой фразы. Et voilà, искусство, эээ, мы имеем в виду рекламу. Увидит ли это Пикассо так или нет — это совершенно другая тема. Если вы хотите увидеть больше вещей в стиле Пикассо, пешеходная экскурсия по Пикассо и посещение музея Пикассо в Барселоне будут прямо у вас на улице.

---

Теперь, когда вы видели эти примеры известного искусства в рекламе, вам нужно больше художественного вдохновения? Посмотрите на эти знаменитые кулинарные картины или пейзажи, вдохновившие на создание некоторых из самых известных картин мира.

Каковы принципы искусства? — Определение и примеры — Видео и стенограмма урока

Определение каждого принципа

Весы : Чувство устойчивости, достигаемое за счет предполагаемого веса объекта.Есть три различных типа баланса: симметричный, асимметричный и радиальный.

Симметричный баланс : Когда одно изображение зеркально отражается на другой стороне, чтобы повторяться

Асимметричный баланс : Когда различные типы элементов создают визуальный баланс

Радиальный баланс : Распределение элементов вокруг центральной точки во всех направлениях

Вот пример асимметричного баланса: ярко-красное яблоко в одном углу уравновешивается большой областью нейтрального цвета с другой стороны.Вместе они работают, чтобы создать баланс в общей композиции.

Пропорция : отношение одного художественного элемента к другому. Важно помнить о взаимосвязи между различными элементами композиции, чтобы масштаб вашего произведения всегда имел визуальный смысл. Например, если вы рисовали своего лучшего друга, сидящего на стуле, размер стула должен быть пропорционален размеру вашего друга.На изображении ниже показаны разные пропорции разных фруктов.

Акцент : Когда один элемент художественного произведения выделяется больше, чем другой. Это создает ощущение важности и намеренно используется для передачи сообщения или чувства. Акцент создает разнообразие в ваших произведениях искусства. Это изображение одинокой желтой груши среди миски с красными яблоками демонстрирует принципы выделения.

Разнообразие : Противовес гармонии и создает визуальный интерес, слегка изменяя или используя разные элементы вместе в композиции.Он может быть создан с помощью контрастных, изменяемых, сложных или разнообразных элементов. При разнообразии важно учитывать, как элементы работают вместе, чтобы в композиции сохранялась гармония и единство. Это изображение разных фруктов и овощей — образец разнообразия.

Движение : Визуальный поток вашего произведения искусства. Это путь, по которому вы хотите следовать взгляду вашего зрителя. Вы можете создать это, целенаправленно размещая художественные элементы таким образом, чтобы создать этот путь.На этом изображении яблони ниже показано движение по сильной линии ветви слева направо.

Ритм : Непрерывный поток или ощущение движения, созданное узором или повторением визуальных единиц. Помогает достичь гармонии в композиции. Этот образ повторяющихся яблок демонстрирует простой ритм. Это также показывает, как два принципа могут работать вместе, поскольку яблоко, откусившее от него кусочек, делает акцент.

Harmony : качество взаимодействия визуальных элементов в композиции.Это достигается, когда все элементы имеют единство и сплоченность, что придает произведению искусства ощущение завершенности. Это не означает, что все элементы должны быть одинаковыми, но они должны целенаправленно взаимодействовать друг с другом.

Краткое содержание урока

Итак, принципы искусства таковы:

1. баланс
2. пропорция
3. упор
4. сорт
5. механизм
6. ритм
7. гармония

Их цель — работать вместе, чтобы организовать художественные элементы в связную, единую композицию.

Принцип	Определение
Остаток	Достигается за счет ощущения устойчивости, обусловленного весом объекта
Пропорция	Отношение одного элемента к другому
Выделение	Создается, когда один элемент выделяется больше, чем любой другой
Сорт	Когда для создания визуального интереса используются разные элементы
Механизм	Визуальный поток произведения искусства
Ритм	Ощущение движения, создаваемое повторением визуальных единиц
Гармония	Качество взаимодействия элементов в композиции.

Художественные принципы устанавливают стандарт в создании произведений искусства, и как только вы познакомитесь с созданием композиций, вам будет легче выбрать, какие принципы лучше всего подходят для передачи вашего сообщения.

Словарь принципов искусства

• Принципы искусства: Баланс, пропорции, акцент, разнообразие, движение, ритм и гармония
• Состав: Размещение визуальных элементов в произведении
• Баланс: Подразумевается, что вес объекта балансирует чувство устойчивости
• Пропорция: Отношение одного художественного элемента к другому
• Разнообразие: Изменяя или используя различные элементы в композиции, можно создать визуальный интерес.
• Движение: Путь, по которому художник хочет проследить взгляд зрителя, или визуальный поток, известен как движение
.
• Гармония: Единство визуальных элементов, которые работают вместе в композиции

Результаты обучения

Этот видеоурок научит вас:

• Определить принципы искусства
• Вспомните примеры разных принципов

.