Пит мондриан абстракционизм: Пит Мондриан (1872 — 1944)

Содержание

Пит Мондриан (1872 - 1944)

Пит Мондриан (абстракционизм)

Пит (Питер Корнелис) Мондриан - голландский художник, которого считают одним из основателей абстракционизма.
Его картины являются примером наиболее строгой, бескомпромиссной геометрической абстракции в современной живописи. Первые работы художника были написаны в реалистическом стиле.
В 1911 году Мондриан познакомился с кубистами, и их творчество оказало влияние на формирование молодого художника. Вскоре художник отказался от малейших намеков на сюжет и сознательно ограничил выразительные средства. Принципы кубизма он довел до простого черчения на плоскости.
Мондриан переехал в Париж, где в 1917 году вместе с другими последователями своего творчества сгруппировались вокруг журнала "Де Стиль" и образовали кружок под одноименным названием.
Программа журнала провозглашала создание универсального образа мира посредством прямоугольников разного цвета, отделенных друг от друга жирной черной чертой. Так появились бесчисленные композиции без названия, под номерами или буквами.

В 1940 году Мондриан перехал в Нью-Йорк, где и умер.
Его произведения оказали влияние на творчество многих современных художников. Целый ряд направлений в современном искусстве, например, минимализм и поп-арт, восходят к творчеству Мондриана и кружку "Де Стиль", так же, как и формы современной архитектуры, рекламы и печати.

Ферма в Дювендрехте

Пейзаж

Цветущая яблоня (1912 г.)

Триптих 1911

Абстракция с арбузом

Серое дерево (1911)

Композиция с синим и желтым

Акварель. Пейзаж.

Цветы

Дерево

Дерево

Пейзаж

Лес близ Оеле

Решетка

Маяк в весткапелле

Яблоня

Абстракция

Вечер на берегу Рейна.

Вид на Винтерсвик

Пионер абстракционизма Пит Мондриан: его черные линии с цветными квадратами стоят миллионы долларов | Грубое искусство

Пит Мондриан (1872 - 1944) - голландский художник, наиболее известный своими абстрактными картинами.

Считается отцом-основателем абстрактного искусства. В своих поздних работах использовал цвета, линии и текстуры для достижения необходимого эффекта.

Cамая дорогая и известная картина Мондриана

Cамая дорогая и известная картина Мондриана

На сегодняшний день картины Мондриана считаются не только эталоном абстрактной живописи, но также востребованы в индустрии моды и дизайне интерьеров.

Помимо абстрактного искусства, Мондриан также увлекался танцами. Правда, по его точным и минималистичным работам этого не скажешь. Очевидно, художник не любил медленные традиционные танцы, такие как вальсы или танго, но наслаждался энергичными танцами, такими, как твист или буги.

Суровый и прямолинейный Пит

Суровый и прямолинейный Пит

Питер Корнелис (такова его настоящая фамилия) родился в небольшом городке Амерсфорт в Голландии в 1872 году. С раннего детства он проявлял интерес к живописи и уже в 20 лет уехал во Францию, столица которой в то время была меккой нетрадиционного искусства.

Тогда же он сменил фамилию на Мондриан.

Изначально художник создавал полотна в духе импрессионизма и, чтобы вы не сомневались, что он на самом деле был талантливым живописцем и умел рисовать, продемонстрируем одну из его ранних картин.

Неплохо, правда?

Неплохо, правда?

Абстрактные картины Мондриана

Но все же прославился Мондриан другими своими работами, а именно картинами, на которых не было ничего, кроме черных линий и нескольких ярких цветов. К слову, художник никогда не использовал определенные краски из тюбиков, он всегда их смешивал и добивался уникальных оттенков.

Комната-студия Пита Мондриана

Комната-студия Пита Мондриана

Читайте также:

Сколько стоит «Черный квадрат» Малевича и в чем смысл картины?

«Нет ничего конкретнее, чем линия, цвет и плоскость» (Пит Мондриан).

Абстрактные картины Мондриана очень быстро завоевали популярность – влияние его стиля можно увидеть во многих отраслях, от моды до мебели и интерьера.

Вот, например, одна из коллекций платьев 60-х годов от модельера Ив Сен Лоран.

В дизайне интерьеров тоже очень часто используются мондриановские мотивы – художник еще при жизни украсил свою студию таким же образом.

Поэтому, если вы вдруг увидите у кого-нибудь из гостей странные линии и желто-красные квадраты на стенах – можете блеснуть эрудицией и воскликнуть: “Ух ты, да это ж Мондриан!”

На сегодняшний день Пит Мондриан один из самых дорогостоящих художников мира. Одна из самых известных его картин «Композиция с красным, синим, желтым и черным» была приобретена на аукционе Christie за 50 миллионов долларов!

Абстрактная мода и мода на абстракцию. Пит Мондриан

Геометрическая абстракция одного из самых востребованных современным дизайном художников – Пита Мондриана (1872-1944) – знакома почти каждому горожанину. Но знакомство это, зачастую, просто наглядное. Узнавание всех этих «решёток» и «плиток» не вызывает (и никогда не вызывало) у обывателя никакой рефлексии. Насыщенный смыслами живописный образ время превращает в декор.


Высокая абстракция всегда была умна и духовна — да так, что порой становилась мишенью пародий. «Музыку человеческой души» Василия Кандинского или «сейсмографию памяти» Ханса Хартунга народная критика ничтоже сумняшеся превращает в «мазню». Самое влиятельное направление в искусстве XX века, абстракционизм разрешил два краеугольных вопроса эстетики. Во-первых, искусство имеет право, наконец, развязаться с действительностью, которую «обслуживало» ещё с античных времён, и существовать как самодовлеющая форма. Во-вторых, произведение искусства — это не только и не столько материальный объект, это наше представление о нём (другими словами, «Мона Лиза» у каждого — своя, а холстина с красками пусть себе висит в Лувре в усладу японцам). Всё это нужно было осмыслить, заново изобрести художественные техники, проторить себе дорогу в косное музейное сообщество и арт-рынки. Вот почему «да, это искусство» и «нет, вы так не можете».


Пит Мондриан, начав с художественного мейнстрима своего времени — Ван Гога и Сёра («умел рисовать»), — быстро перешёл к невиданной доселе практике: стал дробить реальность и своё восприятие до базовых элементов — прямых линий, прямых углов, чистых цветов. Конечно, в искусстве ничего не происходит «вдруг»: в России тогда чем-то подобным занимался Малевич, до этого был кубизм со своим разложением пространства на плоскости, а искать чистого, несмешанного цвета начали еще в XIX веке. Переосмыслив эти идеи и насытив их религиозным символизмом, Мондриан в своих абстракциях провозгласил ни много ни мало как гармонию мироздания. Каждая форма, линия, цвет в композициях Мондриана уравновешивает остальные, закрой рукой — и рассыплется. Это простейшая, молекулярная решётка божественного замысла, приложимая к пространству, времени и человеческой душе.


Прозвучит странно, но Мондриан поразительно разнообразен. Он артистически показывает, как оперируя двумя фигурами (прямой линией и прямым углом), тремя основными цветами (красный, синий, жёлтый) и тремя не-цветами (чёрный, белый, серый) можно создать собственную вселенную и ни разу не повториться. Ещё страннее прозвучит то, что это искусство самим Мондрианом и последователями продвигалось как «искусство для всех». Мол, фигуративность, сюжетность, образность — это атрибуты искусства элитарного (читай — буржуазного). Ну какое дело пролетарию до помпезных «ню» или протокольных видов водоёма с кувшинками? Искусство должно говорить универсальным языком доступных форм, стать средой обитания. Первым использовать свои идеи для дизайна стал сам Мондриан, оформляя собственные жилища и мастерские. Шутят, что художник потому никогда и не женился, ибо нет на свете женщины, не способной внести беспорядок в эту отточенную гармонию.


Как обычно бывает, в полной мере мондриановская задумка искусства как повседневности воплотилась после смерти художника. Всё началось с классической ныне коллекции платьев Ив Сен-Лорана, потом — интерьеры, мебель… То, что должно было наводить на медитации, стало просто «красивым». Странное дело, утопия Мондриана осуществилась, но как-то наоборот. Как реакция на опостылевший всем высоколобый абстракционизм вспыхнула революция поп-арта (это когда утопию — на кеды). Что Мондриан! Скорее заказывайте на «Ибэй» моднейшую наволочку с «Примаверой» или чехол для айфонапрямо от Караваджо! Все эти атрибуты окультуренных провинциальных яппи… 


Но Мондриану повезло. Пусть и лишённый истинного наполнения, его орнамент не превращается в кич, всё это действительно красиво и органично — хоть на тумбочке, хоть на женской груди. Мондриановские гармонии растворились в обиходе, подспудно подводя нас к ответу на тот самый вопрос: «Может ли искусство изменить мир?».


Уже изменило. 

Неопластицизм. Пит Мондриан | Введенская сторона

Чтобы выразить духовное в искусстве, нужно как можно меньше обращаться к реальности, поскольку она – противоположность духовному. Поэтому использование элементарных форм логично и единственно верно

Пит Мондриан

Пит Мондриан (нидерл. Pieter Cornelis (Piet) Mondriaan, 1872–1944) – выдающийся нидерландский художник XX века, один из основоположников и теоретиков абстрактного искусства, автор неопластицизма.

«Мы можем избавиться от гнёта трагических обстоятельств нашей жизни посредством ясного видения истинной реальности, которая существует, но завуалирована и скрыта», – писал Пит Мондриан в 1914 году, создавая свои первые, полностью беспредметные холсты. Мысль о присутствии в реальном мире незримых, но невероятно сильных духовных энергий, передать которые возможно только с помощью простейших геометрических фигур, сопровождала его на протяжении всей творческой жизни. Высокое искусство, считал художник, должно быть голосом чистой духовности, предельно чисто и ясно отражающим объективные законы мироздания.

Творческий поиск собственного художественного почерка занял у Мондриана более двадцати лет. Историки искусства отмечают, что из трёх основателей абстракционизма (В. Кандинский, П. Мондриан, К. Малевич) именно Мондриан оказался самым последовательным и целеустремлённым. Первые уроки живописи и рисования Мондриан получил от отца и дяди. Домашнее и школьное художественное образование позволило ему поступить в Амстердамскую академию изобразительных искусств. Во время учёбы (1892–1897) и после её окончания Мондриан создает ряд картин в реалистическом стиле. Это были пейзажи и натюрморты, основными мотивами которых стали дома, маяки, ветряные мельницы, дюны и деревья, равнины и облака. Мондриан снова и снова возвращается к ним, подобно Клоду Моне, многократно писавшему свой «Стог сена» и «Руанский собор» при различном освещении. Однако Мондриан в одном и том же мотиве пытается отыскать нечто неизменное, а именно – структуру линии, истинную первичную форму.

«Интуитивно, – напишет позже Мондриан, – я понимал, что живопись должна найти новый подход в отображении совершенства природы, я чувствовал, что подлинная реальность может быть выражена только посредством чистой пластики». От традиций реалистического пейзажа («Сельский дом с бельевой верёвкой», ок. 1897; «Остзейская мельница вечером», 1907; «Мельница», 1911), пройдя через кратковременное увлечение импрессионизмом («Пейзаж с розовым облаком», ок. 1908; «Лес», ок. 1910; «Ферма в Дювендрехте», 1916), Мондриан обратился к выразительным средствам модерна и символизма («Набожность», 1908). Знакомство с полотнами Жоржа Брака, Поля Сезана и Пабло Пикассо определили опыты художника в кубизме («Пейзаж с деревьями», 1912; «Композиция с деревьями II», 1912-1913).

Вскоре в своих картинах Мондриан отказывается от малейших намёков на сюжет, узнаваемость, психологию, аллегорию, атмосферу, моделировку и пространственную глубину. Художник сознательно сокращает художественные средства выражения и строит композиции своих картин на основе свободно сконструированной пространственной сетки («Композиция с большой красной плоскостью, жёлтым, чёрным, серым и синим», 1921). Итогом художественных опытов этого времени стало формирование идеи и законов эстетической системы и живописной теории, названной Мондрианом «неопластицизмом».

В основе нового художественного течения лежит теория «искусства чистой пластики», разработанная и опубликованная Мондрианом в трактате «Неопластицизм». Изобразительными средствами были объявлены плоскости основных цветов (красный, синий, жёлтый) в их взаимодействии с плоскостями «нецветов» (белый, чёрный, серый). Главными элементами любой композиции картины стали пересекающиеся под прямым углом линии и плоскости цвета. Посредством таких простых геометрических форм художник стремился воспроизвести истинный образ окружающего мира, независимый от случайностей и субъективного восприятия, определить границы и форму художественного образа, отобразить фундаментальные законы, управляющие Вселенной, выразить идею универсальной гармонии. «Неопластицизм, – писал Мондриан, – утверждает справедливость, потому что равенство пластических средств в композиции показывает, что каждый может быт равным среди равных». («Композиция с синим и жёлтым», 1929; «Композиция в сером и розовом», 1930; «Композиция с серым и светло-коричневым», 1936; «Композиция в голубом, сером и розовом», 1938).

Творческое (живописное и теоретическое) наследие Пита Мондриана во многом определило художественные и эстетические принципы XX века, повлияло на развитие современной архитектуры, дизайна, моды. Но главное, на его основе сложилось новое, всеобъемлющее понимание смысла творческой деятельности: «Чисто пластическое видение реального мира должно сформировать общество нового типа – точно так же, как сейчас оно формирует новое искусство. Это будет общество, основанное на равновесии материального и духовного, и в нём будут господствовать умиротворённые гармоничные отношения».

Елена Жирова.

Детская художественная школа №1 имени П. П. Чистякова г. Екатеринбург

Родился 7 марта 1872 года в Амерсфорте. Умер 1 февраля 1944 года в Нью-Йорке. В 2012 году отмечают 140 - летие со дня рождения художника.

 Мондриан Пит. Автопортрет. 1918

Голландский художник – абстракционист, теоретик неопластицизма, проповедовал чистку мира от материальной чувствительности.

Мондриан происходил из семьи со строгими кальвинистскими убеждениями, учился в амстердамской Академии художеств. Первыми его работами были пейзажи, написанные в традиции гаагской и амстердамской школ, но простым воспроизведением реальности он довольствовался недолго. В 1905 – 1906 годах в многочисленных рисунках Мондриана, в пейзажах, можно обнаружить ритмы и цветовые аккорды, преследующие чисто пластические цели. Начиная с 1908 года под влиянием Яна Торопа и Слейтерса, голландского художника, близкого Матиссу, Мондриан испробовал метод дивизионизма, однако эти работы несли на себе также отпечаток фовизма и символизма. Мондриан писал о том времени: «Первое, что мне следовало изменить в своей живописи – это цвет. Чувствуя, что натурные цвета не могут быть воссозданы на холсте я заменил их чистыми цветами… Во время этого периода экспериментов я впервые поехал в Париж. Это было около 1910 года, в самом начале кубизма. Несмотря на восхищение Матиссом, ван Донгеном и другими фовистами, меня сразу же привлекли кубисты, особенно Пикассо и Леже, художники, близкие к абстракции…  У меня было ощущение, что только кубисты нашли верную дорогу. В течении некоторого времени они сильно на меня влияли». В 1912 году Мондриан обосновался в Париже и выставил работы в Салоне Независимых. Во время Первой мировой войны он вернулся в Голландию, где вместе с другими художниками основал журнал «Де Стейл» («Стиль»), первый номер которого появился в 1917 году. С точки зрения идей группа была под воздействием теософии и неоплатонизма Схунмакера. В сфере искусства она отстаивала идеи неопластицизма, теории, согласно которой творческая активность художника независима от натуры.

Вновь приведем слова Мондриана: «Новое творчество осваивает и раскрывает истины, обнаруженные наукой, а именно понимание того, что время и субъективное восприятие прячут настоящую реальность…» Первейшей задачей художник считал денатурализацию существующих форм. По его мнению, природу, окружающую человека следует освободить от иллюзорного, кажущегося многообразия, что позволит в конечном результате максимально обнажить ее изначальную схему. После возвращение в Париж в 1919 году, несмотря на многочисленные выставки, работы его не имели успеха. Чтобы заработать на жизнь он писал цветочные натюрморты.

Пит Мондриана. Серое дерево. 1912. Пит Мондриана. Бродвей буги-вуги. 1942

С середины 20-х годов ХХ столетия Пит Мондриан выходит из созданной им группы «Де Стайл». Длительное время художник пребывал в одиночестве. Однако в 1930-х годах он вновь приобрел большой авторитет в кругах художников и интеллектуалов, был ведущей фигурой в объединении «Круг и квадрат» и «Абстракция – Творчество». Только с образованием группы «Круг и квадрат» аудитория его искусства расширилась. После начала Второй мировой войны Мондриан искал убежища сперва в Лондоне, а потом в Нью-Йорке, где его композиции стали более красочными, подвижными и музыкальными. Творчество Мондриана, всегда носившее на себе отпечаток теософского влияния, оказало огромное воздействие на современную европейскую и американскую живопись, особенно на такие направления, как геометрический абстракционизм и конкретная живопись. Свой творческий путь художник завершил в Соединенных Штатах Америки (в Нью-Йорке), где прожил четыре года (1940-1944). К этому времени его живописная манера претерпела значительные изменения. Теперь в своих полотнах он стремился передать беспокойство и суетность большого города («Буги-вуги на Бродвее»). Техника используемых в этих работах приемов отличается дробностью цветовых фигур, прерывистыми и ритмичными штрихами. В течении нью-йоркского периода Мондриан словно вдохнул в свою живопись ритмы музыки Нового Света. Искусство Мондриана, как писал Георг Шмидт, есть «самое совершенное воплощение одного из основных состояний духа…стремящееся достичь некого высокого равновесия между первичными силами, физическими и психическими».

Словарь терминов:

Неопластицизм – течение в голландском искусстве, связанное с архитектурно-художественным журналом «Стиль» (1917-1928). Выдвигало идею «универсальной гармонии», воплощенной в «чистой», геометризованно обобщенной форме.

Дивизионизм – от латинского слова «разделение, дробление». Оригинальный живописный способ изображения и возникшее на его основе течение в искусстве французского постимпрессионизма конца Х1Х века. Изобретателем нового способа письма отдельными мазками-точками чистых спектральных цветов является живописец Жорж Сёра (1859-1891). Он же придумал термин.

Фовизм – от французского слова «дикий». Направление во французской живописи конца Х1Х – начала ХХ века. Название закрепилось за группой, чьи полотна были представлены на осеннем салоне 1905 года в Париже.

Символизм – от французского слова «символ» – литературно – художественное мировоззренческое направление в культуре последней четверти Х1Х – первой трети ХХ века. Возник как реакция на господство материализма, позитивизма и натурализма в европейской культуре Х1Х века.

Кубизм – авангардистское направление в изобразительном искусстве первой четверти ХХ века, представители которого изображают предметный мир в виде композиции правильных геометрических объемов: куба, шара, цилиндра, конуса.

Материалы взяты из книг:
«Энциклопедия живописи», Москва, Изд-во «АСТ», 1997 г.
«Энциклопедия модернизма», Москва, Изд-во «Эксмо-пресс», 2002г.
Иллюстрации:
«Буги-вуги на Бродвее»
«Серое дерево»
«Красное облако»
 

Просмотров: 528

⟰ наверх страницы

Абстракционизм. Изображение неизобразимого | Публикации

«Прежде, чем быть изображением нагой женщины или лошади в бою, картина должна стать определенным образом окрашенной поверхностью». Морис Дени, французский символист

Шел далекий 1910 год. Смеркалось. В этот час грусти и отчаяния великий русский художник устало вошел в свою неуютную мюнхенскую мастерскую. Глазами, полными тоски и ностальгии, он бесцельно окинул знакомые до боли предметы. Но что это?! Возле стены, на полу, стоит неизвестная ему картина, на которой изображены какие-то бесформенные пятна, но она, тем не менее, невероятно прекрасна! Художник судорожно зажег свет, подошел к поразившему его полотну и понял, что это его собственный пейзаж. Просто тот стоял на боку и в зыбком сумраке вечерней зари художник не признал его. Но явившийся ему прекрасный беспредметный образ не уходил, продолжал его манить, запал ему глубоко в душу. Ему стало ясно в этот день, бесспорно ясно, что предметность вредна его картинам.

Этого художника звали Василий Кандинский. Через несколько дней он написал «Первую абстрактную акварель». Так на Земле начался абстракционизм.


Василий Кандинский. Первая абстрактная акварель

Ну, что-то типа того. Вообще, строго говоря, начался не абстракционизм, а один из его видов. Абстракционизма как целостного направления не существует, это совокупность различных практик. Объединяет их одно – совершенно непонятно, что там нарисовано или сваяно. Никак не отражают все эти практики знакомый мир, ежедневно данный нам в ощущениях. Все норовят отразить какой-то незнакомый мир, в ощущениях вообще никогда не данный. Так что разница между абстракционизмами – это разница между теми мирами, которые они изображают. А это, в свою очередь, зависит от того, из какого изма какой абстракционизм вышел.

Он, абстракционизм этот, был чем-то вроде сертификата качества. Чем серьезней был абстракционизм, тем солиднее оказывалось направление, которое его из себя выпускало. Мощные, уверенные в себе абстракционизмы родили кубизм, экспрессионизм и дадаизм-сюрреализм. Итальянский футуризм, не получивший широкого развития, и абстракционизм создал такой же – локальный и немногочисленный. А недолговечный, скончавшийся в детстве политически пассивный фовизм в этом смысле вообще остался бесплодным.

Вернемся, однако, к Василию нашему Кандинскому. Есть еще среди нас недобросовестные и неглубокие люди, которые отрицают его приоритет в изобретении абстракционизма и со всей силой отдают его французскому человеку Альфонсу Алле, в 1883 году выставившему чистый лист белой бумаги.


Альфонс Алле. Первое причастие страдающих хлорозом девушек в снежную пору

У Альфонса Алле были еще подобные работы – черный лист под названием «Битва негров в пещере глубокой ночью» и красный – «Уборка урожая помидоров на берегу Красного моря апоплексическими кардиналами».

Что же ответить этим личностям, посмевшим замахнуться на святое? А вот что: «Вы не правы!». Все, их можно уносить, я их убил аргументом. Но мысль все-таки разовью. Альфонс Алле был журналистом, писателем и приколистом, и никогда не позиционировал себя в качестве художника, что очень важно в авангардизме. Важно это потому, что в его рамках создаются вещи, которым, в силу своей непривычности и новизны, часто бывает сложно получить какую-либо санкцию, чтобы назваться произведением искусства и успокоиться. Ну, например, сделал дадаист Швиттерс конструкцию из мусора и говорит: «Я сделал искусство». А публика-то в сомнении бродит - произведение это или просто мусор. Она ж тоже такое сделать может, да и выглядит это несолидно. А вот «Царя Петра, допрашивающего царевича Алексея» она сделать не может. И выглядят они оба солидно. Ну, тут опять Швиттерс вступает: «Все, что я нахаркаю, будет искусством». А почему, опять сомневается публика, то, что мы, ну это… наплюем, оно не искусство. А только вот из вас исходящее? «Потому, что я – художник», - бьет наотмашь Швиттерс и куда-то уходит. Должно быть, к девкам. А мусор, меж тем, получил санкцию и стал произведением искусства.

Одним словом, искусство в авангардизме – это то, что этим словом назвал художник, а художник в авангардизме – это тот, кого так назвало экспертное сообщество, т.е. мужчины и женщины, уже названные художниками, а также галеристы, критики, теоретики, кураторы и прочая публика, которая имеет склонность бесплатно выпивать на вернисажах. Так вот, Альфонс Алле свои приколы искусством не считал и никто его в художники не рукополагал. И даже если бы случились эти две вещи, то его листы – это все-таки не абстракционизм, а что-то, близкое к концептуализму. А шутки, безусловно, веселые.

Но вернемся все-таки к Кандинскому. Надо сказать, что искусство конца ХIХ века, весь этот конгломерат направлений, известный как Ар нуво, было просто беременно абстракционизмом. И шутки Алле тут показательны – хоть и в такой форме, но он обозначил некую новую возможность для искусства. А была ведь и масса художников, которые вплотную подошли к абстракционизму, но не вступили в него.


Ван де Вельде. Абстрактная композиция с растительным мотивом. 1893 год

Историческая беда этих художников в том, что они изображали не другой мир, а все этот же, просто шифровали его так, что он становился в этих виньетках и арабесках плохо узнаваемым. Этот путь – не путь настоящего, матерого абстракциониста. Такой абстракционист упорно продолжает идти по пути освобождения живописи от всех ее привычных черт – сюжета, перспективы, светотеневой моделировки и, в конце концов, функции изображения реальности.

И тут – режьте меня, но я опять вернусь к Кандинскому. Вполне закономерно, что первым абстракционистом стал именно Кандинский – художник довольно традиционных взглядов, воспитанный на Ар нуво и вышедший из немецкого экспрессионизма, а это наиболее близкое к Ар нуво течение авангардизма. Интересно, что Кандинский к моменту всемирной абстракционистской революции был уже взрослым дяденькой 44 годков, а в этом возрасте, согласитесь, резкие повороты совершаются редко. То есть он пришел к абстракции довольно традиционным и медленным путем, но революцию совершить умудрился.


Василий Кандинский. Доминирующая кривая

Кандинский был мистиком, теософом и символистом. Его картины – это свидетельства о существовании неких миров, в пространствах которых живут какие-то образования, то ли первоэлементы, то ли первоидеи, то ли сгустки тонких энергий, не к ночи будет сказано. Отношения между ними исключительно гармоничны, нигде нет и намека на конфликт. Можно сказать, что это - изображенная музыка. Кандинский употреблял слово «звук» как обозначение духовного содержания любой формы. В общем, это идеальный мир, лишенный признаков вредной материальности с ее несовершенством, изменчивостью, конфликтностью и обязательной смертью в конце. Короче - нечто, и туманна даль. Конечной целью своего искусства Кандинский ставил превращение человека в свободную, духовно окрашенную и эзотерически ориентированную личность. Все, больше я о Кандинском не скажу ни слова, сколько можно.

Теперь Пит Мондриан пойдет.


Пит Мондриан. Композиция с красным, желтым и синим

Пит Мондриан был голландцем и вышел из кубизма. Его система, названная им «неопластицизм», тоже изображала идеальный мир. Но другой. Этот мир был суровым, рационально организованным и жестоким. Прямо скажу, тоталитарным был этот мир. Неопластицизм был очень жесткой системой. Можно было использовать только прямой угол*, цвета должны были быть только основными (красный, желтый, синий) и плоскими, как чертежная заливка. Использовались еще «нецвета» - белый, серый, черный. В композиции нужно было стремиться к предельному равновесию.

Такая живопись должна была создать нового человека, типа того, который описан в «Мы» Замятина или в «О дивный новый мир» Хаксли. Вообще, удивительно, но художники тогда искренне верили, что они в состоянии своим искусством так сильно повлиять на человечество. Это у них от романтизма такая вера осталась. Поэтому они и отдавали искусству здоровье, рассудок или даже жизнь – Ван Гог, хотя бы, поэтому и воевали друг с другом иногда до мордобоя – речь-то шла об Истине. Сейчас, конечно, уже не то. Хотя морду набить все еще могут.

Я вот давно заметил – ни в одном разговоре об абстракционизме невозможно обойтись без Малевича. Мы с ребятами много раз пробовали – однобокий разговор получается, неполноценный. Короче – Малевич. Казимир. Северинович, что характерно.


Казимир Малевич. Супрематизм

О «Черном квадрате» я уже полностью высказался, поэтому сразу о том, что было дальше.

Убив «Квадратом» живопись, а в пределе – и весь старый мир (художник – он же демиург, творит миры, ну и уничтожает тоже), Малевич начал создавать новый, назвав его «супрематизм». В этом мире, тоже не отягощенном всякой ерундой вроде реальности и материальности, на основе высшей гармонии сосуществовали геометрические первоэлементы. В отличие от Мондриана, первоэлементы эти не были жестко закреплены, а располагались на основе свободного развновесия. Всякая эмоция, «возбуждение» в терминологии Малевича, из этого мира была изгнана, командовал там разум. Надо сказать, что Малевич был сильно и как-то по-буддистски религиозен, что очень чувствуется при взгляде на его работы. В общем, вселенная Малевича отчасти похожа и на мондриановскую, и на вселенную Кандинского. Естественно, Малевич хотел переделать реальность в соответствии со своими живописными рекомендациями. Да, его система была создана на основе русского кубо-футуризма.

Ну, и несколько слов об абстракционизме сюрреалистического разлива. Там не было столь крупных фигур, как те, о которых мы говорили. Этот абстракционизм вполне укладывался в сюрреалистическую практику «случайного действия», то есть когда изображение рождается на кончике пишущего или мажущего приспособления и зависит только от психического состояния художника.


Ганс Арп. Конфигурация

Все остальные разновидности абстракционизма так или иначе сводимы к этим четырем. Ну, как очень известный можно еще упомянуть американский абстрактный экспрессионизм 40-50 годов, и самого знаменитого его представителя – Джексона Поллока.


Джексон Поллок. Алхимия

Поллок изобрел свой способ нанесения краски на холст – он наливал ее в банку с дырками и ходил с ней по расстеленному на полу холсту. Краска, естественно, вытекала. Называлось это «дриппинг». Они, эти абстрактные экспрессионисты, вообще были крутыми ребятами – голых, измазанных в краске натурщиц по холстам таскали, из ружья краской в холст шмаляли. Все эти практики, несмотря на присутствующий в названии экспрессионизм, относятся, конечно, к сюрреализму. Ну, собственно, и все.

*Когда соратник Мондриана Тео ван Дусбург предложил к употреблению угол в 45 градусов, суровый Мондриан немедленно прервал с ним все отношения и объявил еретиком. Так и не простил его, даже перед смертью.
Автор: Вадим Кругликов

Пит Мондриан - ВТБ-России

Новый мир

13 сентября 2013

37 работ голландского абстракциониста Пита Мондриана в Третьяковской галерее

Источник современного дизайна: композиция с большой красной плоскостью, желтым, черным, серым и синим. 1921. © Пресс-служба ГТГ

В Третьяковской галерее на Крымском Валу в рамках года Нидерландов в России при поддержке банка ВТБ открывается выставка «Пит Мондриан. Путь к абстракции». Пит Мондриан – не самое известное имя в России. Мало кто знает художника Мондриана, но все пользуются кофемолками и смотрят на автомобильные приборные щитки, к которым Пит Мондриан имеет самое прямое отношение… На выставке в Третьяковке, впрочем, не показывают ни утюгов, ни кофемолок, там 37 картин из собрания гаагского музея. Но они стоят и Ferrari, и Patek Philippe, и небоскребов сэра Нормана Форстера.

Не только ваше

Пит Мондриан для Запада – «наше всё», как Малевич для России, с одним только исключением: Мондриан почти полностью растворился в визуальной культуре, архитектуре, промышленном и графическом дизайне, типографике, моде. Трудно найти область зрительного, где Мондриан не оказал влияния, в то время как Малевич по большей части остался в проектах.

Мало кто, открывая газету, включая кофемолку или компьютер, знает, что и форма этих устройств, и газетная верстка берут начало в решетках полотен зрелого Мондриана.

Нидерланды – страна великой художественной традиции, давшей миру таких художников, как Хальс, Рембрандт, Ван Гог. Все они выросли из родной почвы, чтобы потом обогатить мир. Мондриан один из них.

«Пит Мондриан для Запада – «наше всё», как Малевич для России»

Если сравнивать с гениями прошлого, например, теми, кого называют Титанами Возрождения, то Мондриан – Сверхтитан Модернизма. Вместе с другими художниками-модернистами, титанами модернизма Паулем Клее, Иоханнесом Иттеном, Василием Кандинским, Вальтером Гроппиусом, Мисом ван дер Роэ, Казимиром Малевичем, Александром Родченко, Ле Корбюзье, Владимиром Татлиным он стал автором нового, модернистского ордера, то есть порядка в архитектуре и дизайне. Такие порядки, буквы «алфавита искусства», на самом деле по пальцам руки можно пересчитать. Открытия модернистов по масштабу и значимости сопоставимы с достижениями древнегреческой архитектуры – дорическим, ионическим, коринфским ордерами, на века определившими культурную среду обитания человека.

Новая грамота

Первые примеры модернистского ордера появились еще в 20-х годах прошлого века в Европе и России. Но в 30-х годах архитектура, дизайн и мода нового порядка были потеснены утопиями национал-социалистического и сталинского проектов. На смену легким лаконичным конструкциям, вроде московского ДК им. Зуева или дома Мельникова на Арбате пришли массивные истуканы Третьего рейха и высотки сталинского ампира. Но модернизм отступил ненадолго. После Второй мировой войны новый художественный ордер окончательно восторжествовал, в том числе и в СССР. По модернистскому канону строили целые города: столицу Бразилии город Бразилиа, столицу индийского штата Пенджаб город Чандигарх.

Сегодняшнее состояние модернистского ордера можно назвать зрелостью. Пусть даже наиболее выразительные примеры зрелого модернистского ордера находятся вне Европы, в КНР и Сингапуре.

Точка отрыва

Мондриан разрабатывал свой универсальный язык форм в живописи. И мало кому, глядя на ранние работы художника, могло прийти в голову, что этот романтический живописец станет большую часть своей художнической жизни создавать красочные линейные гармонии. Чего стоит восхитительный пейзаж с розовым облаком! В России художник такого рода считался бы гением. Но именно его гармонии стали прототипами типографики европейских газет и журналов, приборных досок и орнаментов окон самых модных высотных зданий на периферии западного мира, там, куда «цивилизованный мир» перенес свои производства или где его граждане отдыхают.

Родом Мондриан из художнической семьи и первые уроки рисования и живописания получил от отца и дяди, позже учился в Королевской Академии в Амстердаме. Время, в которое начинал свою карьеру художника Мондриан, было эпохой перемен. Несмотря на то, что тогдашние Нидерланды были периферией художественного мира, художник чувствовал эту энергию изменений внутри себя самого. Впрочем, путь к себе, эволюция живописца от натуралиста до авангардиста, заняла у Пита Мондриана целых семнадцать лет. Хотя, казалось бы, нидерландскому художнику того времени должно было быть легче, чем русскому: по соседству Франция, страна передового искусства, куда стекались амбициозные претенденты на гениальность со всего мира. Во Франции же процветали разнообразнейшие «измы»: классический импрессионизм, пуантилизм и обрамляющий их всех, всеохватывающий стиль эпохи – ар-нуво, по-русски – стиль модерн.

Правда, можно предположить, что такая длинная и долгая дорога к себе Мондриана объясняется природной вдумчивостью и добросовестностью мастера, доверявшего только собственной интуиции и следовавшего лишь ее указаниям.

Не маслом единым

Сейчас, вполне представляя себе масштаб личности, нетрудно заметить: традиционные, предметные картины Мондриана выглядят довольно спонтанными, в то время как его нефигуративные, абстрактыне вещи кажутся плодом точного расчета, сделанного до того, как приступить к непосредственному производству. На самом же деле художник не делал особых предварительных расчетов и, полностью полагаясь на интуицию, воплощал свою живописную фантазию, результатом чего являются его совершенные красочные и линейные гармонии.

Уже ранние работы Мондриана отличались большим мастерством, оригинальностью видения и манеры. Прежде всего, оригинальность проявилась в том, что художник быстро порвал со столь милой сердцу массового зрителя гладкой манерой письма. Это такая манера, когда следы работы художника, его средства – кисть, краски, сама поверхность холста, следы инструментов на скульптуре – тщательно скрываются от зрителя. Да и о краске уже невозможно сказать ничего определенного, красная она или желтая, киноварь это или кадмий, вместо них на картине господствуют смеси из множества пигментов, которые должны передать предметный цвет вещей.

«Художник был убежден в том, что в его картинах Мир предстает в более точном виде, чем в картинах реалистов» 

Когда-то этот порок советской реалистической живописи дал повод другому великому новатору ХХ века Пабло Пикассо поиздеваться над послевоенными советскими официальными художниками, предположив, что в СССР краски выпускают уже сразу цвета мундиров и орденов, эти мундиры украшающих. Яркие, контрастные цвета Мондриана так озадачили его дядю-художника, что вынудили племянника сократить свою фамилию на одну букву, чтобы не компрометировать родственника-традиционалиста. Первый шаг был сделан – в художнической династии прорезалась индивидуальность, которая с семьей порвала.

Показать язык

Подхватив начатое импрессионистами движение за освобождение формы: один ярко выраженный мазок рядом с другим, столь же самостоятельным, одна определенная красочная плоскость рядом с другой, – художник формирует абстрактный, отвлеченный от непосредственного изображения видимого мира язык. Мондриан сблизил свой живописный язык с языком восточных ковров или народных вышивок. В коврах и вышивках для нас, людей, не знакомых со значением узоров, скрыт свой собственный язык. На коврах изображают райский сад, на вышивках – весь мир Божий, каким он представлялся архаическому мышлению.

Все эти усилия привели Мондриана к тому, что во многих странах Запада принято называть абстрактным искусством, во Франции – нонфигуративизмом, а в России – беспредметничеством. Тем не менее, художник всегда был убежден в том, что в его картинах реальность, точнее, Мир предстает в более убедительном, а главное, точном виде, чем в картинах художников-фигуративистов, тем более реалистов. Реальность являлась в них целиком, как на рисунке на шаманском бубне или архаичном орнаменте на древних кувшинах, вышивках, а не фрагментарно и абсурдно жизнеподобно, как на картинах реалистов.

М, великий и прекрасный

Мир Мондриана, его реальность сведена до простейших схем, состоит из решеток, из вертикальных и горизонтальных линий и закрашенных красками спектральных цветов. Похожим образом шел к универсальному беспредметному языку Малевич, еще один великий М. нашей эпохи, однако по сравнению с живописью Мондриана в его картинах слишком много рудиментов материальности: геометрические фигуры телесны, а белое пространство, в котором они витают, тоже достаточно физично – это воздух.

Значительную роль в распространении влияния Мондриана сыграла эмиграция в США, где художник оказался вместе с другими европейскими гениями, благодаря влиянию которых Америка из глухой провинции художественной культуры – над ее убогостью издевались Маяковский, Ильф и Петров – за несколько лет превратилась в лидера модернизма в зрительной культуре, в изобразительном искусстве, архитектуре и дизайне и в начале 50-х даже смогла предложить свой вариант модернизма в живописи и скульптуре.

Но Мондриан не дожил до этой эпохи. Он умер в Нью-Йорке в 1944 году в преклонном возрасте, полный творческих сил и жажды свершений, в расцвете нового периода творчества, нью-йоркского, оставив незаконченной картину «Буги-вуги». Интересно что, вдохновение в этом случае художник черпал не в досужих фантазиях мистиков Старого Света, но в американской поп-музыке, сыгравшей столь значительную роль в становлении культуры послевоенного мира. Впрочем, и Мондриан был одним из главных творцов нового мира.

Благодарим вас за участие в улучшении нашего контента!

Кто такой Пит Мондриан? - Кто они?

Пит Мондриан - голландский художник, наиболее известный своими абстрактными картинами. Абстрактное искусство не показывает узнаваемых вещей, таких как люди, предметы или пейзажи. Вместо этого художники используют цвета, формы и текстуры для достижения своего эффекта

Пит Мондриан
Композиция с желтым, синим и красным 1937–42
Тейт

Помимо абстрактного искусства, Мондриан был увлечен танцами! Очевидно, он не любил медленные традиционные танцы, такие как вальс или танго, но любил энергичные и быстрые танцевальные стили! Он даже назвал одну из своих абстрактных картин Broadway Boogie Woogie в честь популярного танца того времени.

Когда Мондриан писал свои картины, он всегда смешивал свои собственные цвета, никогда не использовал краску прямо из тюбика. Он часто использовал основные цвета - красный, желтый и синий - как на этой картине.

Пит Мондриан Композиция C (№ III) с красным, желтым и синим © 2007 Mondrian / Holtzman Trust c / o HCR International, Warrenton, VA

Мондриан не использовал линейку для измерения своих линий! Он тщательно продумал, где разместить линии, подобные тем, что вы видите на этой картине.Обратите внимание, как красный, желтый и синий расположены по бокам, а в центре рисунка нет цвета. Таким образом Мондриан часто использовал цвет и композицию. (Композиция - это расположение фигур и изображений на картинке).

Хотя Пит Мондриан больше всего известен своими абстрактными картинами из квадратов и прямоугольников, Пит Мондриан начал рисовать реалистичные сцены. Особенно ему нравилось рисовать деревья.

Пит Мондриан
Дерево A c.1913 г.
Тейт

Вы видите на этой картине форму дерева? Это показывает, как он начал развивать свой абстрактный стиль. Ствол и ветви дерева превратились в сеть горизонтальных и вертикальных линий.

В начале 19 века Париж был местом, где происходило все захватывающее новое искусство, и Мондриан чувствовал, что должен туда отправиться. Он очень рисковал ради своего искусства. Он оставил свой дом в Нидерландах в 1911 году и женщину, на которой собирался жениться, чтобы продолжить свою карьеру художника в Париже.

Это Пит Мондриан в своей парижской студии.

Мондриан в своей парижской студии в 1933 году с ромбовидной композицией с четырьмя желтыми линиями , 1933 и Композиция с двойными линиями и желтым , 1933 © 2014 Mondrian / Holtzman Trust c / o HCR International USA

Риск окупился.Мондриан стал важным художником, идеи и работы которого повлияли на многих более поздних художников. На самом деле Мондриан вдохновлял не только на искусство. Влияние его картин проявляется во многих других вещах - от мебели до моды!

платья Mondrian от Yves St Laurent (1966)
Eric Koch / Anefo - Национальный архив, CC BY-SA 3.0

Художников по направлению: Де Стиджл (Неопластицизм)

Художественное движение

Де Стиджл (/ də ˈstaɪl /; голландское произношение: [də ˈstɛil]), голландское название «Стиль», также известный как неопластицизм, был голландским художественным движением, основанным в 1917 году в Лейдене.Де Стиль состоял из художников и архитекторов. В более узком смысле термин De Stijl используется для обозначения коллектива работ с 1917 по 1931 год, основанного в Нидерландах. Сторонники Де Стиджла отстаивали чистую абстракцию и универсальность за счет сведения к основам формы и цвета; они упростили визуальные композиции до вертикальных и горизонтальных, используя только черный, белый и основные цвета.

De Stijl - это также название журнала, который издавал голландский художник, дизайнер, писатель и критик Тео ван Дусбург (1883–1931), который служил для распространения теорий группы.Рядом с ван Дусбургом основными членами группы были художники Пит Мондриан (1872–1944), Вильмос Хусар (1884–1960) и Барт ван дер Лек (1876–1958), а также архитекторы Геррит Ритвельд (1888–1964). Роберт ван 'т Хофф (1887–1979) и Дж. Дж. П. Уд (1890–1963). Художественная философия, которая легла в основу работы группы, известна как неопластицизм - новое пластическое искусство (или Nieuwe Beelding на голландском языке).

Мондриан излагает границы неопластицизма в своем эссе «Неопластицизм в изобразительном искусстве».Он пишет: «Эта новая пластическая идея будет игнорировать особенности внешнего вида, то есть естественную форму и цвет. Напротив, она должна найти свое выражение в абстракции формы и цвета, то есть в прямой форме. линия и четко определенный основной цвет ». С этими ограничениями его искусство допускает только основные цвета и не цвета, только квадраты и прямоугольники, только прямые и горизонтальные или вертикальные линии. Движение De Stijl положило фундаментальный принцип геометрии прямой линии, квадрата и прямоугольника в сочетании с сильной асимметричностью; преобладающее использование чистых основных цветов с черным и белым; и отношения между положительными и отрицательными элементами в расположении беспредметных форм и линий ".

Имя Де Стидж предположительно происходит от книги Готфрида Семпера «Der Stil in den technischen und tektonischen Künsten oder Praktische Ästhetik» (1861–183), которая, как предполагает Керл, ошибочно считалась защитницей материализма и функционализма. «Пластическое видение» художников Де Стиджа, также называемое неопластизмом, рассматривало себя как выходящее за рамки изменяющегося внешнего вида естественных вещей, чтобы привести аудиторию в тесный контакт с неизменным ядром реальности, реальностью, которая была не столько видимой факт как лежащее в основе духовное видение.В целом Де Стейл предложил предельную простоту и абстракцию как в архитектуре, так и в живописи, используя только прямые горизонтальные и вертикальные линии и прямоугольные формы. Кроме того, их формальный словарь был ограничен основными цветами: красным, желтым и синим, и тремя основными значениями: черным, белым и серым. Работы избегают симметрии и достигают эстетического баланса за счет использования оппозиции. Этот элемент движения воплощает второе значение слова stijl: «столб, косяк или опора»; Лучше всего это иллюстрируется конструкцией перекрещивающихся швов, которые чаще всего встречаются в плотницких работах.

Во многих трехмерных работах группы вертикальные и горизонтальные линии расположены в слоях или плоскостях, которые не пересекаются, тем самым позволяя каждому элементу существовать независимо и беспрепятственно для других элементов. Эту особенность можно найти в Доме Ритвельда Шредера и в Красно-синем кресле.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 Непортированная лицензия (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/De_Stijl

Художники по направлению: Неоимпрессионизм

Художественное движение

Неоимпрессионизм - это первоначально французское движение конца 19 века, которое позже распространилось по всей Европе.Он выступил против эмпирического реализма импрессионизма, полагаясь на систематические вычисления и научную теорию для достижения заранее определенных визуальных эффектов. К середине 1880-х годов, чувствуя, что акцент импрессионизма на игре света был слишком узким, появилось новое поколение художников, включая Жоржа Сёра, Поля Гогена, Анри Тулуз-Лотрека и Винсента Ван Гога, которых позже будут называть более общими. как постимпрессионисты начали разрабатывать новые подходы к линии, цвету и форме. В 1879 году после ухода из Школы изящных искусств, где он проучился год, Сёра сказал, что хочет найти свой собственный новый способ рисования.Он особенно ценил интенсивность цвета и делал подробные заметки об использовании цвета художником Эженом Делакруа. Он начал изучать теорию цвета и науку об оптике и встал на путь, который привел его к разработке нового стиля, который он назвал Хромолюминаризм .

Открытия «оптического смешения» и «одновременного контраста», о которых читал Сёра, стали теоретической основой хромолюминаризма, который стал известен как неоимпрессионизм. Французский химик Мишель-Эжен Шеврёль, работая на фабрике красителей Gobelins в Париже, отвечал на жалобы клиентов на качество цвета пряжи.Пытаясь решить эту проблему, он обнаружил принцип «одновременного контраста» или влияние цвета соседней пряжи на восприятие цвета другой пряжи. Впоследствии Шеврёль написал Принципы гармонии и контраста цветов (1839). Позже американский физик Огден Руд в своей книге Modern Chromatics (1879) обсуждал, как глаз зрителя «смешивает» или «смешивает» смежные цвета, а швейцарский эстетик Дэвид Саттер установил правила взаимоотношений между живописью и наукой в ​​своей книге «Феномены зрения». (1880 г.).Чтобы добиться наиболее ярких цветов и мерцающего эффекта, неоимпрессионизм полагался на нанесение на холст точек или мазков дополнительных цветов. Вместо того, чтобы смешивать пигменты на палитре, художники-неоимпрессионисты полагались на глаз зрителя, чтобы «смешать» цвета, появляющиеся на холсте.

Хотя некоторые из этих теорий сейчас считаются лишь квазинаучными, в то время они казались передовыми. Сёра чувствовал, что он открыл науку рисования, которая требует дисциплины и точного применения и может достичь интенсивности цвета.Он применил свою теорию цвета и новую технику, которую он назвал balayé , пересекающиеся мазки для нанесения матовых цветов, в своей монументальной работе Bathers at Asnières (1884 г.), изображающей нескольких рабочих, купающихся в реке на берегу реки. жаркий летний день. Впоследствии Сёра начал работу над «Воскресный полдень» на острове Ла Гранд-Жат (1884–1886), проводя обширные предварительные исследования и наброски. Изображая буржуазию в парке у реки, работа использовала стиль пуантилизма, разработанный Сёра - крошечные точки дополнительных цветов, размещенных рядом друг с другом.В 1890 году Сёра опубликовал Esthetique , свой фундаментальный труд по научной теории цвета неоимпрессионизма. Другие неоимпрессионисты должны были продолжить изучение этой научной основы; например, около 1887 года Альбер Дюбуа-Пилле разработал идею перехода, где отдельный пигмент каждого из основных цветов света создавал переход между разными оттенками.

В 1884 году художник Поль Синьяк познакомился с Сёра и стал ярым сторонником его теории цвета и систематического метода работы.Хотя Сёра был строгим и сдержанным теоретиком движения, Синьяк был его экстравертированным лидером и защитником. Эти двое мужчин тесно сотрудничали, и именно Синьяк придумал название «пуантилизм». В 1885 году Сёра представил купальщиц в Аньер в Салон, официальную выставку Академии изящных искусств, но комитет отклонил его. Они были озадачены не только формальной композицией картины, монументальным масштабом и экспериментальной техникой, но и изображение Сёра рабочего из низшего сословия во время отдыха раздражало уравновешенную буржуазию и академиков.Впоследствии Сёра и Синьяк вместе с Альбертом Дюбуа-Пилле и Одилоном Редоном в ответ на отказ стали соучредителями Salon des Indépendants. В результате Камиль Писсарро познакомился с Сёра и Синьяком в 1885 году, и он, и его сын, художник Люсьен Писсарро, вместе с Анри-Эдмоном Кроссом и Шарлем Анграндом, стали первой группой неоимпрессионистов.

1886 год стал поворотным в мире искусства, поскольку восьмая и последняя выставка импрессионистов также ознаменовала приход неоимпрессионизма с показом недавно завершенной картины Сера «« Воскресный полдень на La Grande Jatte ».Единственный художник, который участвовал во всех восьми выставках импрессионистов, Писсарро пригласил Сёра показать себя на выставке. «Воскресный полдень на La Grande Jatte». также был показан в Салоне Общества независимых артистов, где он привлек еще больше внимания, в том числе искусствоведа Феликса Фенеона, который ввел термин «неоимпрессионизм» и стал яростный защитник движения в последующие годы. Другие французские художники, такие как Максимилиан Люс, Лео Гауссон и Луи Хайе, также присоединились к движению.

Хотя конкретная политика Сёра не совсем ясна, с самого начала неоимпрессионизм был тесно связан с анархистским движением, которое прочно закрепилось во Франции и в художественном сообществе. Прежде чем стать искусствоведом для La Revue Blanche , Феликс Фенеон уже был известен своими анархистскими симпатиями. Арестованные вместе с двадцатью девятью другими исключительно за их анархические взгляды и обвиненные в заговоре с целью убийства президента Франции Сади Карно, все тридцать были признаны невиновными.В результате судебного разбирательства Фенеон имел грозную репутацию независимого мышления и неповиновения общественным традициям и, как критик, связал неоимпрессионизм с пропагандой анархизма. В 1880-е годы Синьяк стал убежденным анархистом, финансово поддерживал движение и вместе с Анри-Эдмоном Кроссом, Максимилианом Люсом и Камилем Писсарро писал для анархистской газеты Les Temps Nouveaux (The New Times). Реклю и Питер Кропоткин, оба радикальные географы, вместе с Пьером-Жозефом Прудоном, выступали за утопическое общество, основанное на малых группах и свободных ассоциациях.Эти анархисты дали дополнительный импульс мнению Синьяка о том, что работа неоимпрессионистов связана с гармонией, происходящей от свободы человека в естественной среде, которая во многом определяет их предмет. Более того, стремление художников к научным изысканиям дополнило их анархистские взгляды, освободив их от навязываемых буржуазией вкусов.

Сёра умер в молодом возрасте в 1891 году, и Синьяк стал предполагаемым лидером группы. Публикация манифеста Синьяка «От Эжена Делакруа к неоимпрессионизму », в котором он ввел термин «дивизионизм», привела к возрождению этого движения в 1898 году, сделав его международным движением, снова связанным с анархистскими симпатиями.Манифест, наряду с его работами, такими как Saint-Tropez, Storm (1895), привлек новое поколение художников, в том числе Анри Матисса. Синьяк стал президентом Общества независимых художников в 1908 году и занимал эту должность, выступая за неоимпрессионизм, до 1934 года, за год до своей смерти.

Синьяк и Кросс также создали стилистические изменения в неоимпрессионизме, которые оказали большое влияние на других художников. Синьяк начал использовать пышные цвета, что можно увидеть в его Capo di Noli (1898) с розовыми горами, и вместо того, чтобы рисовать точками, использовал небольшие мазки, которые учитывали динамическую гибкость.В своем пейзаже Золотые острова (1891-1892) Кросс использовал круглые мазки разных размеров, чтобы создать ощущение перспективы, когда мельчайшие точки приближаются к горизонту. Эта работа также демонстрирует влияние японской гравюры укиё-э на высоком горизонте и отличается почти абстрактным качеством. Но именно мозаичный эффект его работ, таких как La Plage de Saint-Clair (1896), больше всего повлиял на его современников. Для создания этого эффекта Кросс использовал короткие широкие мазки, похожие на маленькие блоки, и оставлял небольшие участки холста неокрашенными.Акцент был сделан на разделении контрастных цветов, а не на их смешивании. По его словам, Кросс чувствовал, что «гораздо больше заинтересован в создании гармонии чистого цвета, чем в гармонизации цветов определенного пейзажа или естественной сцены».

К 1890-м годам неоимпрессионизм стал международным движением, принятым многими европейскими художниками. Движение оставалось удивительно последовательным, опираясь на теорию цвета и использовав маленькие точки или мелкие мазки. В результате его развитие лучше всего организовано региональными интерпретациями.В France неоимпрессионизм привлекал огромное количество художников из следующих поколений, хотя каждый из них адаптировал стиль к своим индивидуальным занятиям. Несколько импрессионистов, включая Камиля Писсарро и Шарля Анграна, подхватили это движение. Писсарро, используя технику пуантилистов, сохранил акцент в своих работах на сельской жизни и крестьянском труде. Ангранд использовал более приглушенную палитру для изображения тени и тона, как показано в его 1887 году «Пара на улице». Максимилиан Люс изображал более современные сцены, часто страстно изображаемые с интенсивными контрастами света.В 1890-х годах с возрождением этого движения новое поколение художников находилось под влиянием неоимпрессионизма. Мозаичные работы Кросса повлияли на Синьяка, а также на молодых художников, таких как Анри Матисс, Анри Манген, Жан Метцингер, Робер Делоне и Андре Дерен. Эти художники также индивидуально адаптировали стиль, что можно увидеть в использовании Метцингером и Делоне мелких мазков, чтобы они напоминали маленькие кубики цвета, и в эволюции Матисса к все более интенсивной цветовой палитре.

Бельгийский импрессионист Тео Ван Риссельберг был ошеломлен Сёра «Воскресный полдень» на La Grande Jatte , когда он увидел его в Париже в 1886 году.Вместе с группой других художников, включая Жоржа Леммена, Ксавьера Меллери, Вилли Шлобака, Генри Клеменса ван де Вельде, Альфреда Уильяма Финча и Анну Бох, он представил этот стиль бельгийскому миру искусства, где он оказал значительное влияние. Из своих путешествий в Марокко он создал ряд пуантилистских пейзажей, но именно его портрет Алисы Сетх (1888) стал его визитной карточкой. Благодаря его влиянию портретная живопись стала важным аспектом бельгийского неоимпрессионизма.Альфред Уильям Финч, член-основатель Les Vingt (Les XX), брюссельской группы, которая пыталась освободить бельгийское искусство от узких националистических традиций, сосредоточившись на французских современных моделях, увидел работы Сёра и Синьяка на выставке Les Vingt в 1886 и также стал ведущим сторонником. Изображая пустое небо над бурлящим морем, его Breaking Waves at Heyst (1891) делает сильный акцент на узоре и дизайне, который имеет сглаживающий и декоративный эффект. Акцент на цветовой гамме также очевиден в работах Генри Клеменса ван де Вельде.

В 1882–1890 гг. голландский художник Ян Тороп учился в Брюсселе, где познакомился с работами Сёра и Синьяка. Он разработал индивидуальный стиль, который синтезировал дивизионизм с другими художественными влияниями, с которыми он столкнулся, и был признан важным новатором в Голландии. Его картина неоимпрессионизма « Broek in Waterland » (1889), изображающая пару в лодке вдоль канала на закате, имеет сильный элемент дизайна и узора. Он присоединился к Гаагскому художественному кружку и помог организовать выставку, на которой были представлены работы Сёра, Синьяка, Писсарро, Риссельберге, Ван де Вельде и других.Выставка получила большое благосклонное внимание, и ее посетил Ван де Вельде, который установил ряд важных отношений с голландскими художниками. В результате молодые художники Йохан Йозеф Аартс, Петрус Бреммер и Ян Виджибриф стали неоимпрессионистами. Бреммер оказал значительное влияние как учитель и писатель, побуждая использовать яркую ясную палитру.

Однако наиболее важными голландскими художниками-новаторами, которые начали заниматься пуантилизмом и дивизионизмом в начале своей карьеры, были Винсент Ван Гог и Пит Мондриан.Ван Гог познакомился с Синьяком в 1887 году в Париже и перенял элементы этого стиля в своем очень индивидуальном выражении. Из более позднего поколения художников Мондриан перенял этот стиль и написал в 1909 году: «Я считаю, что в наш период определенно необходимо, чтобы краска, насколько это возможно, наносилась чистыми цветами, расположенными рядом друг с другом в пуантилисте. или расплывчатый способ. Это четко сформулировано, но все же относится к идее, которая является основой осмысленного выражения в форме ». Оба художника вышли за рамки неоимпрессионизма, чтобы исследовать и развивать другие художественные средства.

Художник и искусствовед Витторе Грубиси де Драгон познакомил итальянских художников с неоимпрессионизмом в конце 1880-х годов (в основном они называют себя дивизионистами). Он провел 1882–1885 в Нидерландах, где познакомился и испытал влияние художника Антона Мауве, двоюродного брата Винсента Ван Гога и защитника движения. На Первой Триеннале в Милане в 1891 году наибольшее внимание привлекли две работы Дивизиона. Джованни Сегантини, имевший международную репутацию, выставил «Две матери » (1889) с большим успехом, в то время как « Материнство » Гаэтано Превиати (1890–1891) подвергся жестокому нападению.Превиати интенсивно изучал дивизионизм и написал единственную научную работу по этой технике в то время. Обладая передовыми знаниями о восприятии цвета, он также чувствовал, что, используя интенсивный цвет, чтобы ярко привлечь внимание, будет ощущаться эмоциональный и духовный резонанс. Motherhood теперь рассматривается как дебют итальянского неоимпрессионизма и поворотный момент для итальянского современного искусства с его увлечением символизмом и его влиянием на итальянский модерн и экспрессионизм.

Дивизионизм должен был быть сосредоточен в первую очередь в Северной Италии, и хотя работа часто была сосредоточена на пейзаже, она отражала утверждение Сегантини о том, что искусство «не имеет ничего общего с имитацией реального, потому что создание возможно только благодаря движению духа. и человеческая душа ". Картина Джузеппе Пелицца да Вольпедо «Зеркало жизни » (1895-1898), изображающая стадо овец на фоне пейзажа, была описана художником Чезаре Виацци как передающая «живое чувство совершенного покоя, которое должно быть в нежном отказе от предопределенных природой событий. .«Многие из работ были символистскими или, по крайней мере, аллегорическими, и было также намерение часто отвечать социальным условиям. Самой известной работой Пелиццы была работа The Fourth Estate (1901). Первоначально она называлась Путь рабочих и изображала После забастовки произведение стало объединяющим символом итальянского социалистического движения.

1890-е годы в Германия и Австрия ознаменовали эру сецессий, художественных движений, которые отошли от консерватизма официальных академий и сделали упор на современное искусство.Мюнхенский Сецессион 1892 года, Венский Сецессион 1897 года и Берлинский Сецессион 1898 года не имели манифеста и выставляли работы всех современных движений, а неоимпрессионизм занимал видное место. Художники, такие как Берлинер Курт Херманн, приняли этот стиль, хотя и объединили его с натурализмом живописи en пленэра .

Однако наибольшее влияние этот стиль оказал на молодое поколение художников. После перевода произведений Синьяка «От Делакруа к неоимпрессионизму» на немецкий язык в 1903 году и выставки неоимпрессионистов 1904 года экспрессионист Эрнст Людвиг Кирхнер написал работы Дивизиона, такие как Park Lake в Дрездене (1906).Другие молодые художники переняли этот стиль, как это видно на картинах Карла Шмидта-Ротлуфа Gartenstrasse рано утром (1906) и Эрика Хеккеля «Эльба в Дрездене» (1905), и приблизили его к экспрессионизму, как это видно в яростных мазках Геккеля, чтобы изобразить взбивание воды. Для этих художников неоимпрессионизм был международным стилем, который сломал доминирование импрессионистского искусства, позволив художникам сосредоточиться только на свойствах и потенциальных эффектах цвета.

Даже после смерти Сера в 1891 году неоимпрессионизм оказал широкое влияние как на отдельных художников, так и на развитие художественных течений, включая ар-нуво, фовизм, кубизм, Die Brücke, орфизм, итальянский футуризм и движение к абстракции.Как писала историк искусства Клэр Меньон, «неоимпрессионизм продемонстрировал способность к абстракции - в смысле« вычитать из »- что было составным элементом его современности. Из мира он извлекал формальные качества, универсальные архетипы, цветовые ощущения. и линии, которые станут отправной точкой для многих модернистских экспериментов ». В то время как многие художники переняли эту технику, а затем перешли к другим стилям, Синьяк, один из первых неоимпрессионистов, продолжал рисовать в этом стиле до своей смерти в 1935 году.

Техники и теории неоимпрессионизма оказывают постоянное влияние на все большее количество современных художников. Американский поп-художник Рой Лихтенштейн создал такие работы, как Drowning Girl (1963), используя точечные трафареты, которые напоминают не только процесс печати газет и журналов, но и цветные точки на картинах неоимпрессионистов. Чак Клоуз и Джон Рой объединили пуантилизм с фотореализмом. Используя сетку, Клоуз использовал множество «точек», от пикселей до ячеек, при создании своей работы.Голландский художник Гер ван Элк создал несколько движущихся изображений, которые он называет плоскими экранами, на основе картин работ Сёра, Синьяка и Креста, Снега над Сёра и Ла Грев де Бас-Бутин в Онфлере Сёра. одновременно в 2004 году в Амстердаме.

И, наконец, «Воскресный полдень » Сера на La Grande Jatte часто можно встретить в массовой культуре. Бродвейский мюзикл Стивена Сондхейма 1984 года «Воскресный полдень в парке с Джорджем », получивший Пулитцеровскую премию и две премии «Тони», основан на картине.Работа появлялась в фильмах, таких как Barbarella (1968) и, что очень важно, в Ferris Bueller's Day Off (1986). Мультфильмы, такие как Looney Tunes , Sponge Bob и The Simpsons , пародировали его, как и детские книги и шоу, такие как Babar the Elephant и Sesame Street . Бесчисленные обложки журналов воссоздали этот образ.

См. Также Неоимпрессионизм (стиль), Пуантилизм (стиль), Дивизионизм (стиль)

Источники:
www.theartstory.org
www.britannica.com

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Neo-Impressionism

Домов на Гейне, 1900 Пита Мондриана

Houses on the Gein , 1900 - хороший пример манеры и идей Мондриана около 1900 года, когда ему было двадцать восемь лет, и он только начал рисовать пейзажи в окрестностях Амстердама.Его дружба с Саймоном Марис, который тогда работал на реке Гейн и в окрестностях города Весп, возможно, был причиной выбора именно этого места.

Типичным для раннего Мондриана является свободный мазок кисти, создающий впечатление прямого масляного наброска предмета на открытом воздухе. Этот живописный штрих характерен для большинства работ Мондриана в эти годы. не только этюды, но и готовые картины; это, вероятно, одно из самых ранних его достижений как художника.Свободный гибкий мазок должен был оставаться отличительной чертой его творчества вплоть до последних картин; его манера письма, характерная для опытного художника, всегда придавала полотнам Мондриана особую яркость.

Примечательным и личным, особенно на рубеже веков, является использование отражения. В те годы Клод Моне занимался использованием отражений. в воде растворить формы вещей в лабиринте красок и мазков кисти; Мондриан, однако, использует отражение, чтобы усилить и закрепить форму, придать ей структурную поддержку.

В этом подходе, в этой концепции природы молодой Мондриан показывает свою индивидуальность и независимость. Безусловно, тему размышлений можно найти повсюду в Нидерландах. Но в те годы не было Голландский художник, который использовал это, по крайней мере, точно не таким образом. Из-за предпочтения Мондриана структуры картины, очевидного на столь раннем этапе его карьеры, прежде чем он столкнулся с аналогичными тенденциями за рубежом, мы можем увидеть предзнаменование его конечной цели, гармонии, которая, помимо предмета, должна составлять содержание произведения.

Piet Mondrian Paintings, Bio, Ideas

Краткое изложение Пита Мондриана

Пит Мондриан, один из основателей голландского современного движения De Stijl, известен чистотой своих абстракций и методической практикой, с помощью которой он пришел к ним. Он радикально упростил элементы своих картин, чтобы отразить то, что он видел как духовный порядок, лежащий в основе видимого мира, создав четкий универсальный эстетический язык в своих полотнах.В своих самых известных картинах 1920-х годов Мондриан свел формы к линиям и прямоугольникам, а палитру - к фундаментальным основам, оттеснив отсылки на внешний мир к чистой абстракции. Его использование асимметричного баланса и упрощенная изобразительная лексика сыграли решающую роль в развитии современного искусства, а его культовые абстрактные работы остаются влиятельными в дизайне и знакомы в популярной культуре по сей день.

Достижения

  • Теоретик и писатель Мондриан считал, что искусство отражает основную духовность природы.Он упростил сюжеты своих картин до самых основных элементов, чтобы раскрыть сущность мистической энергии в балансе сил, управляющих природой и вселенной.
  • Мондриан решил очистить свои представления о мире до их основных вертикальных и горизонтальных элементов, которые представляли две существенные противоположные силы: положительное и отрицательное, динамическое и статическое, мужское и женское. Динамический баланс его композиций отражает то, что он видел как универсальный баланс этих сил.
  • Своеобразное видение Мондриана современного искусства ясно демонстрируется в методическом прогрессе его художественного стиля от традиционного представления до полной абстракции. Его картины развиваются логически и ясно передают влияние различных течений современного искусства, таких как люминизм, импрессионизм и, самое главное, кубизм.
  • Мондриан и художники Де Стейла выступали за чистую абстракцию и урезанную палитру, чтобы выразить утопический идеал универсальной гармонии во всех искусствах.Используя базовые формы и цвета, Мондриан считал, что его видение современного искусства преодолеет различия в культуре и станет новым общим языком, основанным на чистых основных цветах, плоскостности форм и динамическом напряжении в его полотнах.
  • Развитие Мондрианом неопластизма стало одним из ключевых документов абстрактного искусства. В этом движении он подробно описал свое видение художественного выражения, в котором «пластика» относилась к действию форм и цветов на поверхности холста как к новому методу представления современной действительности.

Биография Пита Мондриана

Мондриан сказал: «Положение художника скромное. По сути, он является каналом». и, таким образом, он вел жизнь модернистских экспериментов, дополняя существующие тенденции, а затем определяя свой собственный язык.

Пит Мондриан | Биография, картины, стиль и факты

Пит Мондриан , оригинальное имя Питер Корнелис Мондриан , (родился 7 марта 1872 года, Амерсфорт, Нидерланды - умер 1 февраля 1944 года, Нью-Йорк, Нью-Йорк, U.С.), живописца, который был важным лидером в развитии современного абстрактного искусства и крупным представителем голландского движения абстрактного искусства, известного как Де Стейл («Стиль»). В своих зрелых картинах Мондриан использовал простейшие комбинации прямых линий, прямых углов, основных цветов и черного, белого и серого. Полученные в результате работы обладают исключительной формальной чистотой, воплощающей духовную веру художника в гармоничный космос.

Популярные вопросы

Почему Пит Мондриан так знаменит?

Пит Мондриан, художник, был важным лидером в развитии современного абстрактного искусства, в первую очередь благодаря голландскому художественному движению, известному как De Stijl («Стиль»).Его зрелые картины используют простейшие комбинации прямых линий, прямых углов, основных цветов, черного, белого и серого и обладают исключительной формальной чистотой.

Чем знаменит Пит Мондриан?

В 1917 году Пит Мондриан стал соучредителем движения De Stijl, которое отвергало визуально воспринимаемую реальность как предмет и ограничивало форму самыми основными элементами. Такие работы, как «Композиция с красным, синим и желтым» (ок. 1930 г.), отражают этот критерий. Поздние шедевры Мондриана, в том числе Broadway Boogie Woogie (1942–43), заменили черные линии цветными полосами.

Как получил образование Пит Мондриан?

Мондриан начал изучать рисование в 14 лет, но по настоянию семьи получил диплом в области образования. Однако вместо того, чтобы искать преподавательскую должность, он брал уроки рисования, а затем переехал в Амстердам, чтобы зарегистрироваться в Rijksacademie, брать уроки рисования.

Какой была семья Пита Мондриана?

Родился Питер Корнелис Мондриан, художник был вторым ребенком в семье Питера Корнелиса Мондриана-старшего., который был рисовальщиком-любителем и директором кальвинистской начальной школы. Дядя Пита Мондриана, Фриц, принадлежал к гаагской школе пейзажистов. Оба мужчины давали наставления и инструкции Питу Мондриану, когда в 14 лет он начал изучать рисование.

Как умер Пит Мондриан?

Пит Мондриан скончался от пневмонии в возрасте 71 года. Его последняя работа, Victory Boogie Woogie (1942–44), осталась незаконченной на момент его смерти.

Молодость и творчество

Питер был вторым ребенком Питера Корнелиса Мондриана-старшего., который был рисовальщиком-любителем и директором кальвинистской начальной школы в Амерсфорте. Мальчик рос в стабильной, но творческой среде; его отец был частью протестантского ортодоксального круга, который сформировался вокруг консервативного кальвинистского политика Авраама Кайпера, а его дядя, Фриц Мондриан, принадлежал к гаагской школе пейзажистов. И дядя, и отец давали ему наставления и наставления, когда в 14 лет он начал изучать рисование.

Мондриан был полон решимости стать художником, но по настоянию семьи он сначала получил степень в области образования; к 1892 г. он получил право преподавать рисунок в средней школе.В том же году, вместо того чтобы искать место преподавателя, он брал уроки живописи у художника в небольшом городке недалеко от Винтерсвейка, где проживала его семья, а затем переехал в Амстердам, чтобы зарегистрироваться в Рейксакадемии. Он стал членом художественного общества Kunstliefde («Любители искусства») в Утрехте, где его первые картины были выставлены в 1893 году, а в следующем году он присоединился к двум местным обществам художников в Амстердаме. В этот период он продолжал посещать вечерние курсы в академии рисования, впечатляя своих профессоров своей самодисциплиной и старанием.В 1897 году выставляется второй раз.

Вплоть до рубежа веков картины Мондриана следовали преобладающим тенденциям в искусстве Нидерландов: пейзажи и натюрморты, выбранные из лугов и польдеров в окрестностях Амстердама, которые он изображал с использованием приглушенных оттенков и живописных световых эффектов. В 1903 году он посетил друга в Брабанте (Бельгия), где спокойная красота и чистые линии пейзажа оказали на него большое влияние. Когда он остался в Брабанте на следующий год, он пережил период личных и художественных открытий; к тому времени, когда он вернулся в Амстердам в 1905 году, его искусство заметно изменилось.Начавшиеся им пейзажи окрестностей Амстердама, в основном реки Гейн, демонстрируют ярко выраженную ритмическую основу и больше склоняются к композиционной структуре, чем к традиционным живописным значениям света и тени. Это видение гармонии и ритма, достигнутое с помощью линий и цвета, в последующие годы разовьется в сторону абстракции, но в этот период его живопись все еще оставалась более или менее в традиционных границах современного голландского искусства.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.Подпишитесь сейчас

Влияние постимпрессионистов и люминистов

В 1907 году Амстердам спонсировал четырехлетнюю выставку, в которой участвовали такие художники, как Кес ван Донген, Отто ван Рис и Ян Слуйтерс, которые были постимпрессионистами, использовавшими чистые цвета смелыми, небуквальными способами. На их работы сильно повлияло яркое выражение и использование цвета в искусстве постимпрессиониста Винсента Ван Гога, работы которого были представлены на большой выставке в Амстердаме в 1905 году. Такое смелое использование цвета нашло отражение в Красном облаке Мондриана. , быстро выполненный эскиз 1907 года.К тому времени, когда он нарисовал Woods около Oele в 1908 году, в его работах начали появляться новые ценности, в том числе линейное движение, которое чем-то напоминало норвежского художника Эдварда Мунка, и цветовую схему, основанную на оттенках желтого, оранжевого, синего. , фиолетовый и красный - это наводило на мысль о палитре современных немецких художников-экспрессионистов. Создав эту яркую картину значительных размеров, Мондриан отошел от национальной традиции голландской живописи.

Его новый стиль укрепился благодаря знакомству с голландским художником Яном Торопом, который возглавлял движение голландских люминистов, ответвление французского неоимпрессионизма.Люминисты, как и неоимпрессионисты, передавали свет через серию точек или короткие линии основных цветов. Мондриан сконцентрировался на использовании цвета и ограничил свою палитру основными оттенками: он доказал свое мастерство в этом воскрешении сильного, сияющего солнечного света в таких картинах, как Ветряная мельница в солнечном свете (1908), выполненных в основном в желтом, красном и синем цветах. . Но он вышел за рамки принципов движения и выразил озабоченность по поводу визуального восприятия, которая останется неизменной в его творчестве.В такой картине, как Красное дерево , также датированной 1908 годом, он выразил свое собственное видение природы, создав баланс между контрастными оттенками красного и синего и между резким движением дерева и голубым небом, создавая таким образом чувство равновесия, которое останется его главной целью в изображении природы. В 1909 году работы Мондриана в стиле люминизма были выставлены на большой групповой выставке в Амстердамском музее Стеделийк, что прочно утвердило его как часть голландского авангарда.

Этот год был важен для карьеры Мондриана с другой точки зрения: в мае он присоединился к Теософическому обществу, группе, которая верила в гармоничный космос, в котором дух и материя объединены. Вдохновленный этими идеями, Мондриан начал освобождать объекты, изображенные на его картинах, от натуралистического изображения: эти объекты стали формальными компонентами общей гармонии его картин, или, другими словами, материальные элементы начали сливаться с общим духовным посланием его работа.Он сосредоточился на изображении больших форм в природе, таких как маяк в Весткапелле. В Evolution (1910–11), триптихе из трех стоящих человеческих фигур, человеческая фигура и архитектурные объекты выглядят удивительно похожими, что подчеркивает стремление Мондриана к живописи, основанной больше на формах и визуальных ритмах, чем на природе. В 1910 году работы Мондриана «Люминисты» привлекли большое внимание на выставке Сент-Лукас в Амстердаме. В следующем году он представил одну из своих наиболее абстрактных картин в Салон независимых в Париже, его первую заявку на международное признание.

Как Мондриан завоевал мир искусства с помощью трех цветов

«Композиция II в красном, синем и желтом» Пита Мондриана, 1930 г. (Фото: общественное достояние через Википедию)
Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

Истинный мастер современного искусства, Пит Мондриан был склонен к риску, чей смелый, бесстрашный выбор позволил ему стать одним из самых признанных художников 20 века.Его абстрактные картины в красном, желтом и синем цветах основаны на линиях и геометрии, чтобы заявить о себе, и далеки от консервативной голландской арт-сцены, на которой он достиг совершеннолетия. Так что же подтолкнуло Мондриана сломать границы и встряхнуть мир искусства?

Кем был Пит Мондриан?

Рожденный в 1872 году, Мондриан пережил невероятные достижения в области технологий и начало двух мировых войн. Любопытный и сообразительный, он не боялся выйти из своей зоны комфорта. Многие люди, знакомые только с его более поздними абстрактными работами, удивляются, узнав, что истоки Мондриана лежат в классическом реалистическом искусстве.Как любой хороший голландский художник того времени, он часто писал пейзажи. Но даже здесь он внес свой вклад в традиционный формат.

Бенно Темпель, директор Gemeentemuseum, отмечает, что Мондриан не следовал правилам низкой линии горизонта и доминирующего неба, которые были нормой с 17 века. Вместо этого он смело разрезал холст по своему усмотрению, часто заполняя всю картину землей и оставляя лишь небольшую полоску неба. Именно эта готовность играть по правилам пригодится ему намного позже в его карьере.

«Лес с буковыми деревьями» Пита Мондриана, 1899 г. (Фото: общественное достояние через Wikiart)

Это в сочетании с его инстинктом идти туда, где происходило действие, помогло сделать его карьеру успешной. Например, Мондриан прекрасно понимал, что к началу 20 века центр мира искусства переместился в Париж. Смелые мыслители, такие как Пабло Пикассо и Жорж Брак, уже заложили основы кубизма, и Мондриан хотел стать его частью. Их влияние проявляется в его творчестве, которое все больше приближается к абстракции.

Переход Мондриана к абстрактному искусству

Когда разразилась Первая мировая война, Мондриан посетил Нидерланды и был вынужден переждать войну в своей родной стране. Но его возвращение не остановило его новаторский дух. Он поселился в колонии художников в Северной Голландии, где соединился с другими вольнодумцами Бартом ван дер Леком и Тео ван Дусбургом. Ван дер Лек использовал в своей работе только основные цвета, и это сразу же повлияло на Мондриана. Вместе с ван Дусбургом он основал De Stijl (The Style) , публикацию, в которой он смог описать свою новую философию искусства, которую он назвал неопластицизмом .

Мондриан описал свою философию следующим образом: «Эта новая пластическая идея будет игнорировать детали внешнего вида ... напротив, она должна найти свое выражение в абстракции формы и цвета, то есть в прямой линии и четкости. заданный основной цвет ».

«Таблица I» Пита Мондриана, 1921 г. (Фото: общественное достояние через Википедию)

С этого момента Мондриан полностью погрузился в свою работу, с особой тщательностью выстраивая линии и цветовые комбинации.То, что неопытному глазу может показаться случайным, на самом деле стало кульминацией многолетних тренировок. Мондриан использовал те же композиционные правила, что и его ранние пейзажи и натюрморты, чтобы сбалансировать эти революционные абстрактные работы, что является частью того, что делает их такими эстетически приятными.

На самом деле, пейзажи и природа никогда не были далекими от мыслей Мондриана. Напротив, они оказали глубокое влияние на его абстрактные картины. Его письмо голландскому искусствоведу и художнику Х. Бреммер в 1914 году резюмирует свои мысли: «Я строю линии и цветовые комбинации на плоской поверхности, чтобы выразить общую красоту с максимальной осознанностью.Природа (или то, что я вижу) вдохновляет меня, ставит меня, как и любого художника, в такое эмоциональное состояние, что возникает желание что-то сделать, но я хочу подойти как можно ближе к истине и абстрагироваться от всего. до тех пор, пока я не достигну основы (пока только внешнего основания!) вещей… »

«Бродвейское буги-вуги» Пита Мондриана, 1942 г. (Фото: общественное достояние через Википедию)

По мере продолжения его путешествия черные линии его ранних абстрактных работ начинают растворяться и сливаться с формами.Его поздние картины Broadway Boogie-Woogie и Victory Boogie Woogie созданы под влиянием американской джазовой музыки и неоновых огней Манхэттена. В обоих случаях черные линии исчезают, а яркие цветные блоки сливаются вместе, образуя сквозные линии композиции.

Наследие

Спустя долгое время после своей смерти в 1944 году Мондриан продолжал оказывать влияние на художников в различных средах. В 1960-е годы коллекция платьев Мондриана Ива Сен-Лорана имела огромный успех и даже была представлена ​​на обложке Vogue .Его непреходящее влияние в моде продолжается на подиумах по всему миру, где цветовые блоки часто уходят корнями в его работы. Но его охват также затрагивает архитектуру. Городской совет Гааги украшен блоками основных цветов в стиле Мондриана, а дома по всему миру рисуют причудливую дань уважения его картинам. Есть даже торты Мондриана, которые порадуют ваши глаза и вкусовые рецепторы!

Модели в коллекции Мондриана от Ива Сен-Лорана в Gemeentemuseum в Гааге, 1966 год.(Фото: Эрик Кох / Anefo [CC BY-SA 3.0], через Wikimedia Commons)

Если вы хотите узнать больше о том, как Мондриан изменил мир искусства, почитайте всеобъемлющую биографию Ганса Янссена. А если вы хотите, чтобы в вашей жизни был маленький Мондриан, эта кукла кокеши Пита Мондриана обязательно принесет немного удовольствия в любой дом.

Статьи по теме:

15 сюрреалистических фактов о Сальвадоре Дали

Жизнь и творчество J.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *