Мост Чаринг-Кросс, картина Моне, арт, печать на холсте
Нажмите на изображение для полноэкранного просмотра
| Дюймов сантиметров | Хлопок Холст | Искусство в рамке |
| 9 x 7 in 23 x 17 cm | $ 87 | |
| 12 x 9 in 30 x 22 cm | $ 47 | $ 109 |
| 16 x 12 in 40 x 30 cm | $ 70 | $ 148 |
| 20 x 15 in 50 x 38 cm | $ 70 | $ 159 |
| 24 x 18 in 60 x 45 cm | $ 75 | $ 181 |
| 32 x 23 in 80 x 58 cm | $ 96 | $ 255 |
| 40 x 29 in 100 x 73 cm | $ 152 | |
| 48 x 35 in 120 x 88 cm | $ 195 |
| Картина маслом ручной работы музейное качество | ||
| 40 x 29 in | 100 x 73 cm | $ 790 |
| 48 x 35 in | 120 x 88 cm | $ 1014 |
Предыдущее изображение Следующее изображение
Другие принты, которые могут вас заинтересовать
Ваша художественная печать, ваш выбор
Все наши продукты печатаются в совершенстве с использованием высококачественных чернил.
Высококачественный хлопковый холст, свернутый или натянутый
Что делает наши полотна особенными и уникальными?
- Высококачественная плотная хлопковая канва, приятная на ощупь, плотностью 320 г/м².
- Специальный холст для художественной печати, предварительно загрунтованный слоем левкаса, для точной цветопередачи.
- Чернила высшего качества для стойких цветов.
- Высокая растяжимость для легкого монтажа.
- Индивидуальная отделка с добавленной рамкой шириной 2 дюйма (50 мм) для обрамления.
- Экстра нанопористый покрытие УФ-стойким лаком, чтобы предотвратить выцветание (также защищает от царапин и делает его пригодным для стирки).
100+ лет в архиве
Водонепроницаемость
Устойчивый к истиранию
УФ-защита
Сделано в США
Бумага высокого качества в рамке Художественная печать
Гладкая хлопчатобумажная тряпка Ilford 310 г/мXNUMX для бумаги в рамке
- Высококачественные отпечатки с прекрасной точностью цветопередачи.
- Натуральный белый, матовый с естественным отливом. Вес: 310 грамм на кв.м.
- Не содержит кислот и лигнина, устойчив к выцветанию и долговечен.
- Пигментные архивные чернила высокой четкости для ярких и стойких цветов.
- Художественная репродукция со всеми тональностями и оттенками оригинальной картины.
- Высокая устойчивость к растрескиванию и царапинам.
- От 5 до 8 см коврик.
- Современная композитная рама белого или черного цвета.
- Плексиглас глазурь
Вес: 310 грамм на кв.м.Ваша печать Мост Чаринг-Кросс Моне на холсте
это прекрасное произведение искусства, которое украсит ваш дом своими яркими цветами и интенсивными контрастами.
Мы обеспечиваем это, используя лучшие материалы и методы печати в нашей профессиональной студии печати. Мы бережно относимся к каждому отпечатку и делаем их специально для вас, в соответствии с вашими требованиями.
покупка Мост Чаринг-Кросс Моне для вашего дома или в подарок, гарантируют вам приобретение совершенного произведения искусства, которое прослужит десятилетия: мы позаботимся об этом! Наша философия заключается в том, чтобы сосредоточиться на строгом отслеживании процесса печати, чтобы обеспечить ваше удовлетворение.
Наше качество на высшем уровне, наши отпечатки великолепны, и мы поддерживаем нашу продукцию.
Мы доставим выбранную вами работу студийных художественных репродукций Поппинса к вам домой в течение нескольких дней, чтобы вы остались довольны.
Красивое произведение искусства, напечатанное на холсте
Вы придаете большое значение стильной и теплой атмосфере в вашем доме? Ваш гравюра Моста Чаринг-Кросс Моне на традиционном холсте сочетает в себе теплый вид с простой элегантностью. Холст с уникальной матовой текстурой поверхности придает картине живую тактильную материальность.
Наш холст для печати является профессиональным холстом высшего класса и не содержит OBA (без оптических отбеливающих агентов).
Матовая поверхность нашего холста придает выбранному вами художественному принту живой вид и мягкость. Текстура холста придает выбранному принту естественную теплоту, что делает его особенно отличным выбором для классических принтов.
На наших полотнах используется печать премиум-класса, которая ценится за насыщенные, яркие цвета.
Используя высокотехнологичную 9-красочную, 8-цветную струйную или УФ-печать, изображения сохраняют свою яркость десятилетиями. Чернила инкапсулированы в смолу, что сразу же делает отпечаток водонепроницаемым и устойчивым к смазыванию.
Поделись любовью на…
Что говорят люди
Реальные отзывы наших клиентов
Этот принт абсолютно безупречен. огромное спасибо. (Луиза Силано, Нэшвилл, Теннесси, США)
Топ-5 недостающих шедевров | Журнал Artmajeur
Художественные шедевры, поскольку они представляют значительную рыночную стоимость , часто становятся предметом сильной зависти. Мародерство, кражи со взломом и оккультная торговля являются легионом в этом секторе, причем на карту поставлены колоссальные суммы, а художественные учреждения часто более уязвимы, чем банки или другие учреждения, собирающие богатство, стимулирующее пыл преступников. Сегодня вернемся к трагической судьбе 5 престижных и бесценных работ, исчезнувших с радаров мира искусства .
5. Гюстав Курбе, Les Casseurs de Pierres, 1849 г.
Гюстав Курбе (1819-1877) — французский художник и скульптор, который считается предшественником реалистического движения . Его самые известные картины ( L’Origine du Monde, Le Désespéré, Les Baigneuses … ) произвели революцию в истории искусства, разделив критику на их оппозицию академизму и идеализму, действовавшему в то время.
Les Casseurs de Pierres — это шедевр 1849 года, размером 165 x 257 см. Мы можем полюбоваться двумя мужчинами, занятыми добычей полезных ископаемых на фоне дикого холма. Повернувшись к наблюдателю спиной, они кажутся поглощенными своей работой. Есть много символов рабочего класса того времени ( плетеная корзина, горшок, ранец, кусок черного хлеба …). Эта тема не просто из воображения автора, так как он объявит, что пересек этих рабочих на повороте прогулки, а затем вежливо попросит их, могут ли они ему позировать..jpg)
Это полотно считается родоначальником реалистического течения, поскольку художник описывает реальность такой, какой он ее видит, без излишеств и без макияжа. После нескольких передач из частных коллекций эта картина будет наконец приобретена Картинной галереей старых мастеров Дрездена (Германия), города, который станет целью многочисленных бомбардировок союзников в 1945 году.
Многие считают, что этот шедевр погиб в этих событиях, но некоторые сомневаются . Действительно, Красная Армия, прибыв в город, воспользовалась случаем, чтобы « конфисковать » большую часть произведений в качестве военных трофеев. В середине 1950-х годов власти России приняли решение вернуть эти работы » заимствовано »из Германии, но картина Курбе не будет частью лота.
Итак, уничтожено ли оно навсегда, или мы все еще можем мечтать о внезапном появлении?
4. Караваджо, Рождество со Святым Франциском и Святым Лораном, 1609 г.
Караваджо (1571-1610) — итальянский художник, известный во всем мире своей глубокой вселенной, который произвел революцию в живописи 17-го века, в частности, благодаря научному слиянию классического натурализма и жестокого реализма .
Он повлияет на многих своих современников и станет неиссякаемым источником вдохновения для многих художников, о чем свидетельствует изобретение термина « караважизм ».
Пропавшая работа, о которой идет речь, называется « Рождество со Святым Франциском и Святым Лораном ». Сделанный в 1609 году, всего за год до смерти художника, этот холст, масло, имеет впечатляющие размеры (298 x 197 см). Этот шедевр народного творчества состоит из 7 персонажей. Дева Мария находится в центре и созерцает своего божественного ребенка в окружении ангела, Иосифа и нескольких Святых. Сцена разворачивается в особенно мрачной и загадочной атмосфере, верной оригинальности ее автора.
Эта работа, хранящаяся в оратории Сан-Лоренцо в Палермо на Сицилии, была украдена в 1969 году. Утром 18 октября мы находим раму работы, изъятую из холста, грубо вырезанную с помощью «острого предмета». Очень быстро сицилийская мафия стала излюбленным каналом для следователей, поскольку в то время они были очень влиятельны на острове.
Государство направляет специализированную полицейскую бригаду для раскрытия этой кражи, но конфликты между мафиозными семьями усложнят их расследование. Информатор мафии укажет ему, что работа окончательно исчезла, покусанная крысами . Сегодня, после более чем 50-летнего расследования, это исчезновение остается (и наверняка останется) неясным.
3. Винсент Ван Гог, Цветы мака, 1886 г.
Репутация Ван Гога сейчас прочно закрепилась, настолько его работы были способны нарушить художественные каноны того времени, сохранив благосклонность нынешнего общественного мнения. Художник был проклят мучительной жизнью и умер в 37 лет после череды странных событий, некоторые из его работ также унаследовали его проклятие , о чем свидетельствует исчезнувшая работа, которую мы обсудим.
Р их маковых является холст , представляющий, на трезвой фоне, букет ярких желтых цветов, а также три красные маки расположены в темной вазе.
Даже если это произведение явно не самое известное о художнике, оно все же остается шедевром постимпрессионизма благодаря своей тонкой реализации и характерной для его творческой гениальности. Его исчезновение, оцененное в более чем 50 миллионов долларов , сделало его одним из самых дорогих утерянных произведений в истории.
И его исчезновение, давайте поговорим об этом: что за история! После смерти художника работа пересечет Средиземное море, от Парижа до Каира, и пополнит коллекции Музея Мохаммеда Халила. Тогда и будет решена трагическая судьба этого красивого букета. 4 июля 1977 года работа исчезает из музея, никто не знает почему, поскольку египетское правительство сохранит непрозрачную неопределенность по этому поводу. Перемещение коллекций между разными дворцами, безусловно, позволило ворам без труда украсть полотно. В любом случае работа в конечном итоге будет найдена при загадочных обстоятельствах в Кувейте. Спустя 33 года после этого события — изумление! В 2010 году Флер де Паво снова исчезла , на этот раз среди бела дня ! Нарушение безопасности и серьезная халатность со стороны музея и персонала будут отмечены следователями.
Можно подозревать внутреннюю причастность сотрудников музея, допустивших осуществление этой престижной кражи. На этот раз никаких чудес, паутина по-прежнему отсутствует, а следователи, похоже, зашли в тупик.
2. Рембрандт, Христос во время бури на Галилейском море, 1633 г.
Рембрандт (1606–1669) — голландский художник и гравер, который считается одним из самых известных художников голландской школы и в целом в истории искусства в целом. Легендарный представитель голландского золотого века , он создал более 1000 работ, в том числе множество автопортретов на протяжении всей своей карьеры, что дало искусствоведам доступ к особенно красноречивым фрагментам памяти.
Христос в буре — малоизвестное произведение, характерное для творчества художника. Имея размеры 160 х 128 см, это единственная работа Рембрандта, посвященная водной тематике. Это морское полотно иллюстрирует библейский эпос: чудо тихой бури на Тивериадском озере, изображающее Иисуса и его 12 апостолов, запряженных людьми в импровизированной лодке, преследуемых жестокими волнами океана.
Многие аналитики считают, что Рембрандт интегрировался в произведение в образе персонажа, наблюдающего за зрителем, в нижнем центре композиции.
Эта мастерская работа была украдена во время « величайшей кражи произведений искусства всех времен », которая произошла в Музее Гарднера в Бостоне (США) в марте 1990 года. Грабители изъяли из учреждения 13 произведений искусства. значительная важность (включая Вермеера, Мане, нескольких Дега …) за добычу, оцениваемую более чем в 500 миллионов долларов . Спустя 30 лет после этого ограбления века ни одна из этих работ больше не появилась, и тайна остается (определенно?) Нетронутой. Учреждение предлагает вознаграждение в размере 5 миллионов долларов каждому, кому удастся заполучить украденные работы. Небольшое возмездие за добычу на сумму полмиллиарда, но достаточно, чтобы заинтересовать многих исследователей-любителей.
1. Клод Моне,
мост Чаринг-Кросс , 1901 год.
Клод Моне (1840-1926) — французский художник, пионер импрессионизма . Одержимый красотой и чувством, он создал множество работ, иногда даже в монументальных форматах, чаще всего изображая сказочные природные пейзажи или промышленные пейзажи, сублимированные призмой чувствительной метеорологии. Он создал множество серий , где посвятил себя одному мотиву, который наблюдал и изображал в разное время дня или в разные времена года. Это особенно касается Водяных лилий (около 250 картин), Руанского собора (28 картин) или даже видов Лондона (около 50 картин), о которых здесь идет речь.
Мост Чаринг-Кросс — работа Моне в 1901 году, часть серии « Виды Лондона» , изображающая Хангерфордский мост сквозь густую дымку тумана Темзы. Тем не менее, его серийный характер ставит под угрозу его рыночную стоимость, поскольку другая работа из этой серии ( Мост Чаринг-Кросс , 1903 г.
) была продана на аукционе Sotheby’s более чем за 27 миллионов долларов в ноябре 2019 года.
Работа 1901 года была украдена посреди ночи из Кунстхальского музея в Роттердаме (Нидерланды) в 2012 году вместе с несколькими другими крупномасштабными работами на общую оценочную стоимость от 150 до 200 миллионов евро . Голландские следователи быстро подозревают двух молодых румынских рецидивистов. Этот трек окажется правильным. К сожалению, расследование приведет к аресту двух авторов, а также 4 сообщников (включая мать одного из обвиняемых), но не приведет к возвращению украденных картин. Мать автора, которую считают мозгом свалки, признает, что сожгла работы в своей дровяной печи , хотя эта версия не единодушна среди следователей. Сегодня, спустя 8 лет после кражи со взломом, эти украденные сокровища все еще не обнаружены.
Независимо от того, чувствуете ли вы душу исследователя или нет, откройте для себя нашу подборку работ, вдохновленных великими мастерами , без загадочного исчезновения!
Bastien Alleaume
Контент-менеджер — Artmajeur Online Art Gallery
Английский 2850: Великие произведения мировой литературы II
Опубликовано 18 мая 2018 г.
автором a.carter1
Работа Тарсилы ду Амарал связана с ее участием в антропофагии. Ее работа была известна как самый значительный бразильский авангардный проект ХХ века. Она стремилась создать самобытную и самобытную национальную культуру. Этот проект сделал ее центральной художественной фигурой международного модернизма в ее родной стране. Поскольку Амарал столкнулся с банкротством из-за краха фондового рынка в 1929 лет она обратилась к политической деятельности. Ее участие в политической деятельности вдохновило ее работы.
Работу Тарсила ду Амарал можно охарактеризовать как модернистскую, потому что она охватывает художественный модернизм, который, согласно описанию работы, дополняется признанием социальных бед, вызванных модернизацией. Она была сосредоточена на изображении и выражении конкретной политической реальности своей страны. Картина представляет ее модернистские ценности разнообразия. На картине изображены несчастные, пустые, несчастные и некоторые даже нейтральные рабочие в Бразилии, переживающие трудные времена 19-го века.
30-е годы. Народ Бразилии столкнулся с политическими и экономическими потрясениями из-за событий, происходящих в это время. Модернизм связан с принятием неопределенности, нарушением традиций и формальным экспериментированием. Амарал приняла неопределенность, которую она и ее люди испытывали в Бразилии в отношении политики и экономической борьбы. Она нарушила традиции, касающиеся ее искусства, сосредоточившись на политической активности вместо своих иллюстраций широких символических терминов в Бразилии. Она экспериментировала с более идеальным современным искусством и шла на риск в этом неопределенном бассейне опасности. Она также включила в свое искусство Грегори Варчавика, архитектора-модерниста из Бразилии. Опыт, который пережили бразильцы в то время, был связан с влиянием модернизма. Фабрики и урбанизация были жизненно важным аспектом того времени для многих бразильцев.
Эта картина привлекла меня своим размером и разнообразием. Нарисованные лица привлекли мое внимание. То, как она нарисована, заставило меня задержаться на ней.
Опубликовано в Без рубрики | 1 Комментарий
Опубликовано 16 мая 2018 г. автором s.hossain9
Клод Моне был одним из основоположников французского импрессионизма. Импрессионизм — это стиль или движение в живописи, зародившееся во Франции в 1860-х годах, для которого характерно изображение визуального впечатления момента, особенно с точки зрения меняющегося света и цвета.
Стиль стремится уловить чувство или опыт, а не добиться точного изображения. Моне жил с 1840 по 1919 г.26. За свою жизнь он создал более 2500 картин, рисунков и пастелей. Моне начал свое художественное образование с 10 лет и даже с юных лет старался избегать точных изображений. К 15 годам он уже рисовал преувеличенные портреты людей и строил себе имя.
«Водяные лилии» — большая картина из трех панелей (самая большая картина на полу). В нем Моне объединяет свой сад, пруд с водяными лилиями и небо над головой, чтобы создать картину, которая отличается от реалистического изображения. В попытке уловить постоянно меняющиеся качества естественного света и цвета пространственные сигналы практически растворяются; сверху и снизу, близко и далеко, вода и небо сливаются воедино.
Модернизм был отходом от традиционных форм искусства, поэтому он имел множество различных форм. Стиль Моне теперь известен как импрессионизм. Модернистская эстетика подразумевает уникальность, запечатленную модернистским художником.
Модернистская эстетика стиля Моне — это то, что он хотел преувеличить и подчеркнуть. В этом произведении виден акцент на свет, цвета и время. В этом акценте Моне выбрал, как и какие качества своего видения он хотел изобразить, и это была модернистская эстетика этого произведения и других его произведений.
Картина находилась на 5 этаже музея. На 5-м -м -м этаже находились картины и скульптуры с 1880-х по 1940-е годы. Когда вы следуете заданным направлениям этажа и перемещаетесь из комнаты в комнату, вы сталкиваетесь с очень уникальными произведениями искусства. В конце концов вы доберетесь до комнаты с одной большой трехпанельной панелью и несколькими другими относительно меньшими частями на меньших стенах внутри комнаты. Большая часть из 3 панелей разложена на самой длинной стене. Стена имеет два небольших изгиба, где левая и правая панели встречаются с центральной панелью. Существует короткий отдельно стоящий барьер, повторяющий форму стены, на которой размещены панели.
Поскольку картина такая большая, она уже привлекает внимание зрителей. В то же время кураторы тщательно расположили картину таким образом, чтобы еще больше привлечь внимание зрителя. Свет на картине, расположение скамейки, изгиб стены и наличие небольших картин в комнате — все это играет роль в привлечении внимания зрителей к картине. Увидев картину, я был впечатлен ее размером. Затем я подошел к положению, которое дало мне лучший ракурс всей картины. Достигнув этого положения и глядя на него в течение нескольких секунд, я был охвачен эмоциями. Я не могу конкретно описать, какие эмоции, но это была какая-то счастливая грусть.
Я смотрел на картину в течение нескольких минут и восхищался ею. Я анализировал все, что мог, без контекста и с очень небольшим знанием искусства, и просто позволял своим эмоциям течь свободно. Произведение было совершенно захватывающим. Я подошел к описанию, прочитал его и вернулся туда, где стоял изначально, а затем снова увидел картину. Картина была настолько трогательной, что трудно описать, какое эмоциональное и сильное впечатление она произвела на меня. Цвета, оттенки, оттенки, освещение на картине, как вещи смешивались, как они контрастировали, что она показывала, все в ней складывалось в нечто совершенно ошеломляющее. Пруд с лилиями, сияющий естественным светом, уже очень красив, но его изображения были действительно особенными. Выходя из картины, у меня были слезы на глазах. Оставив картину, я продолжал говорить своему другу: «Братан, эта картина действительно затронула меня». «Братан, эта картина сумасшедшая».
У меня нет вопросов о картине, но, работая над этой статьей, я узнал гораздо больше о картине и художнике.
Эта информация дала мне еще более глубокое представление об этом произведении, и я надеюсь, что смогу увидеть его снова и получить новый опыт работы с ним.
Опубликовано в Без рубрики | 2 комментария
Опубликовано 16 мая 2018 г. пользователем a.denis1
Тарсила ду Амарал была бразильской художницей, которая под влиянием своей подруги стала коммунисткой в Париже. Она вернулась в Бразилию и вышла замуж за врача-коммуниста Осорио Сезара. Вместе они посещали коммунистические собрания в Бразилии. Тем не менее, коммунизм в то время был запрещен в Бразилии. Амарал была заключена в тюрьму за свою принадлежность к коммунизму. Эта встреча положила конец ее браку и ее связям с коммунистической партией. Однако во время своего коммунистического периода Тарсила ду Амарал написала много картин с социальным влиянием.
Эта картина была создана во времена коммунизма Амарала. Это произведение было первой картиной Амарала, отражающей социальные проблемы.
На картине видны дымоходы, которые можно идентифицировать как фабричные или пароходные. Однако. перевод названия Operários, означающего рабочих, намекает на то, что дымоходы — это заводские дымоходы, а люди на картинке — рабочие. Эти люди перед дымоходом представляют собой разнообразную группу людей. Они представляют разные расы, пол и религии. Если внимательно посмотреть на каждую особь, то все они неповторимо окрашены. Некоторые рабочие имеют более светлую кожу, чем другие.
Эта картина изображает модернизм через поток реализма. Реализм – это отражение актуальных вопросов, событий через искусство. Более того, это дает людям возможность быть настоящими, правдивыми и демонстрировать свою точку зрения. Амарал намекает на отсутствие разнообразия в своей живописи. Картину можно интерпретировать как надежды Амарала на будущее Бразилии. Чтобы они приняли коммунизм через разнообразие и равные возможности. Эта картина отражает коммунизм, который поддерживает равенство труда для перераспределения богатства.
Всем даны равные возможности для достижения богатства. Это отображает. Мотивы Амарала при написании этой картины.
В этой картине меня привлекло разнообразие. Я восхищаюсь красотой культурного разнообразия. Чтобы бороться с сексизмом, расизмом и другими социальными проблемами, мы должны понимать друг друга, чтобы вместе работать над решением этих проблем. Культурное разнообразие является всеобщей необходимостью. Кроме того, я был очарован тем, что Амарал смог нарисовать каждого рабочего уникально и достаточно отчетливо, чтобы они выделялись друг от друга. Наконец, выражения лиц рабочих сбили меня с толку. У них невозмутимые лица, они не кажутся ни счастливыми, ни грустными. Это заставило меня усомниться в моей интерпретации картины. Если им предоставлены равные возможности, почему они не счастливы? Интересно, хотел ли Амарал показать темные и светлые проспекты коммунизма.
Опубликовано в Без рубрики | 1 Комментарий
Опубликовано 16 мая 2018 г. автором l.osta
Агапантус 1914-26
Знаменитым художником был Клод Моне.
Клод Моне родился 14 ноября 1840 года в Париже, Франция. Его назвали Оскар-Клюд, и родители назвали его Оскаром. Он не хотел работать в бизнесе отца. Когда он вырос, он пошел в школу искусств Le Harve School of Arts в 1851 году. Эжен Буден обучал Моне технике живописи маслом и тому, как рисовать на природе. Однажды ему сделали операцию по удалению катаракты из глаз. В результате его произведения искусства содержали больше красного, чем до операции. Моне стоял у истоков импрессионизма. Он был больше сосредоточен на изменении света и цвета в своих картинах, чтобы они воспроизводили то, что происходит снаружи. Он создал более тысячи произведений искусства. Он ушел из жизни 5 декабря 19 года.26.
Я выбрал картину под названием Agapanthus, что переводится как водяные лилии. Вероятно, он рисовал эти лилии из своего частного сада, из которого он черпал вдохновение. Я посмотрел, какой цветок он нарисовал, и пришел к выводу, что он нарисовал лилию родом из Африки. Эта картина маслом посвящена лилиям.
Розовые лилии являются выдающейся частью всей картины из-за того, что фон представляет собой только траву и небольшие кусты перед лилиями. Это произведение кажется чем-то большим, чем просто формы и линии, которыми был известен художник до него. Единственное, что должно выделяться или выделяться на холсте, — это яркие и красочные лилии. На мой взгляд, эта картина также изображает разные оттенки зеленого, чтобы различать разные виды травы, кустов или сорняков, которые есть в огромном саду, наполненном разнообразием растений и цветов.
В этой картине мое внимание привлекло розовое окрашивание лилий. В картинах того же времени я не видел многих художников, использующих яркие цвета. Еще одна вещь, которая привлекла мое внимание к этой картине Моне, — это простота всего этого. Простота того, что сад был у него под рукой, делала картину не спешащей, и ему требовалось время для завершения картины.
У меня есть один вопрос об этой картине: почему он решил нарисовать только один вид цветов, а не букет разных лилий? Другой вопрос, который у меня есть, это самые красивые лилии, которые у него были в его саду, который был большим?
Опубликовано в Без рубрики | 1 Комментарий
Опубликовано c.
xanamane 16 мая 2018 г. . Он отправился в Париж, чтобы изучать право, после получения квалификации работал судебным администратором в Ле Като-Камбрези. Впервые он начал рисовать в 1889 году.. Он возник как постимпрессионист и впервые добился известности как лидер французского движения фовизма. Фовизм предпочитал яркие цвета и извилистые жесты на холсте. Он был французским художником, известным своим использованием цвета и жидкости. Он был рисовальщиком, гравером и скульптором, но известен как живописец. Он родился 31 декабря 1869 года и умер 3 ноября 1954 года. Он помог определить революционное развитие пластического искусства в первые десятилетия двадцатого века. На Матисса повлияли работы более ранних мастеров, таких как Жан-Батист-Симеон Шарден, Николя Пуссен и Антуан Ватто.
Матисс разработал эту картину того, что он описал как «террасу маленького кафе Касбы», в годы после двух визитов в Марокко, в 1912 и 1913 годах. детали, которые, по его мнению, были посторонними для общего баланса картины.
В левом верхнем углу балкон с цветочным горшком. На заднем плане видна мечеть, на парапете которой стоит ваза с синими и белыми цветами. В левом нижнем углу натюрморт с овощами. Также справа марокканец, которого видно сзади, в круглом тюрбане. Щедрое применение Матиссом черной краски помогает объединить три части картины в ее абстрактном пространстве. Черный — главный агент, одновременно упрощающий разделение и соединение трех зон полотна. Как и «Купальщицы у реки», «Марокканцы» находились под значительным влиянием кубизма Пикассо, а некоторые сравнивали его с «Тремя музыкантами» Пикассо.
Матисс использовал чистые цвета и белизну выставленного холста, чтобы создать наполненную светом атмосферу в своих фовистских картинах. Он использовал контрастные области чистых немодулированных цветов вместо моделирования или затенения для структурирования своих изображений. Искусство Матисса сыграло важную роль в подтверждении ценности декора в современном искусстве. В народе его считают художником, стремящимся к удовольствию и удовлетворению, но его использование цвета и узора часто дезориентирует и тревожит.
Его мастерство выразительного языка цвета и рисунка, представленное в работах, охватывающих более полувека, принесло ему признание как ведущей фигуре в современном искусстве.
Эта картина привлекла мое внимание, потому что черная краска помогла мне понять три различных аспекта холста. Он использовал чистый черный цвет как цвет света, а не как цвет тьмы.
Опубликовано в Без рубрики | 1 Комментарий
Опубликовано 15 мая 2018 г. автором a.chowdhury4
Джеймс Энсор был бельгийским художником и гравером, влиятельным лицом экспрессионизма и сюрреализма. Он был частью художественной группы под названием Les XX. Это была группа из 20 бельгийских художников, дизайнеров и скульпторов, образованная в 1883 году. За свою карьеру он создал 133 офорта и сухой иглы. В 1919 марта он был награжден Орденом Леопольда (один из трех действующих бельгийских национальных почетных рыцарских орденов).
На этой картине мы видим людей в разных масках, а в центре изображен череп.
Все эти маски выглядят по-разному и имеют свой уникальный стиль. Некоторые маски могут закрывать все лицо и скрывать настоящую личность человека, а некоторые скрывают лишь частично. На черепе в центре нет ни маски, ни краски. Фон в основном сине-белый с небольшим оттенком розового.
Эта картина может изображать двойное лицо человека. Как люди всегда могут лгать о вещах, а смерть — единственная правда. Также это было в то время, когда Энсор потерял отца, так что это могло сильно повлиять на его взгляды на жизнь. Может быть, это может быть о том, что смерть неизбежна, и вы не можете спрятаться от нее с помощью маскировки.
Эта картина привлекла меня тем, что она выделялась среди остальных картин. Это было как-то не к месту и выглядело как-то странно. Именно тогда я присмотрелся и понял, что даже мысль о том, что это выглядит безумно, имеет более глубокий смысл, и это также открыто для многих интерпретаций. Также было ли это намеренно окрашено в беспорядок, чтобы передать сообщение?
Опубликовано в Без рубрики | 1 Комментарий
Опубликовано 15 мая 2018 г.
автором a.duran3
Эта картина Эдварда Хоппера называется «Маяк в двух огнях». Хоппер родился 22 июля 1882 года в Найаке, штат Нью-Йорк. Он был художником-реалистом и гравером. Он был хорошо известен своими картинами маслом, но также работал акварелью и офортом. Многие произведения его искусства можно найти в Музее американского искусства Уитни, а также в Музее искусств Метрополитен.
«Маяк в двух огнях» — картина маслом, написанная в 1929 году, которую можно найти в Метрополитен-музее. Эта версия — одна из нескольких, созданных Хоппером в 1927 и 1929 годах. Картина представляет собой натюрморт с изображением маяка, расположенного на мысе Элизабет, штат Мэн, где Хоппер регулярно отдыхал. Согласно edwardhopper.net, «Хоппер выделил драматический силуэт башни маяка высотой 120 футов и прилегающей станции береговой охраны на открытом пространстве голубого неба… хотя на картине не видно воды, архитектура залита ярким солнечным светом. компенсируется темными тенями… Для Хоппера маяк в Two Lights символизировал одинокого человека, стоически встречающего натиск перемен в индустриальном обществе».
Эта работа отражает модернизм с использованием кубизма и импрессионизма. На первый взгляд, вы видите геометрические фигуры, скрытые в создании маяка. Вы видите такие формы, как квадраты, прямоугольники и треугольники, как только смотрите на картину. Эта работа также дает ощущение комфорта и расслабления, как будто вы сидите на траве и смотрите на маяк издалека. Вы также знаете, откуда исходит свет, и можете почти предположить, куда он пройдет во время захода солнца. 901:15 Я наткнулся на это произведение искусства, когда осматривал первый этаж секции современного и современного искусства в Метрополитен-музее. Это было одно из немногих произведений искусства, которые заставляли меня чувствовать себя расслабленно и как дома. Меня привлекло это произведение искусства своей свежестью и комфортом. В этой картине есть что-то такое, что заставляет меня чувствовать себя на ней, когда я смотрю на нее. Мне также понравилось, как картина смешивается до точки, где она выглядит несколько размытой.
Опубликовано в Без рубрики | 1 Комментарий
Опубликовано 15 мая 2018 г. автором a.ferraro
Винсент Ван Гог был одним из самых известных художников всех времен. Однако это было не так, пока он не умер, и мало кто знал о нем что-то новое, пока он был жив. Родившийся в Зюндерте, Нидерланды, в 1853 году, он жил со своими родителями, которые испытывали финансовые трудности, и в возрасте пятнадцати лет он был вынужден бросить школу, чтобы работать и помогать своей семье. Его отец, Теодор Ван Гог, был министром, а мать, Анна Корнелия Карбентус, была художницей, которая любила природу, рисунок и акварель. Винсент Ван Гог был известен своими акварельными и масляными картинами. Многое из этого пришло от его матери. Брат Винсента Тео был его лучшим другом, он писал письма Тео, они вместе разделяли свою любовь к искусству и природе, и Тео также помог Винсенту начать его художественную карьеру. Винсент Ван Гог страдал психическим заболеванием, а также депрессией.
Отрезав себе ухо, Ван Гог попал в приют Сен-Поль-де-Мавсоль во Франции. Именно там Ван Гог написал «Звездную ночь». В письме, которое он написал своему брату, он говорит ему, что рисовал эскиз картины из своей спальни, глядя наружу через окна со стальными решетками. Он пишет своему брату: «Этим утром я увидел страну из своего окна задолго до восхода солнца, и ничего, кроме утренней звезды, которая казалась очень большой». Считается, что упомянутая им утренняя звезда — это вторая планета Солнечной системы, Венера. «Звездная ночь» была комбинацией того, что он видел, и его воображения, это не был точный портрет того, что было за окном его лечебницы. На самом деле большой постройки слева там вообще не было, это церковь, которая символизирует его детство и дом в Нидерландах, где он вырос в очень религиозной семье. Именно это делает это произведение искусства модернистским, тот факт, что это не просто портрет чего-то, что он видел, и не просто его воображение, а гибрид обоих этих вещей. На картине мы видим, что она создает более ночное ощущение, мы видим полумесяц в верхнем углу и голубое небо с оттенками темного цвета.
Так почему же Ван Гог решил рисовать, глядя в окно днем, но менять тему увиденного днем на ночь? Ну, Ван Гог очень любил ночь, и он основывал некоторые из этих рисунков на воображении и памяти, и он считал, что ночь была гораздо более живой и богато окрашенной, чем день. Это снова полный поворот традиционного искусства. Некоторые говорят, что его творчество и воображение были продуктом его психического заболевания и безумия. Через год после написания «Звездной ночи» он застрелился и умер через два дня.
Опубликовано в Без рубрики | 1 Комментарий
Опубликовано 15 мая 2018 г. автором JSylvor
– Как вы думаете, какое значение имеет титул Альенде? Что значит быть сделанным из глины? –
-Что происходит с Рольфом во время его встречи с Азусеной?
– Как вы думаете, почему Азусена становится символом трагедии, разворачивающейся в рассказе?
–Что вы думаете о визите Президента на место катастрофы? Какой комментарий делает здесь Альенде?
–Как вы можете связать эту историю с собственным опытом стихийных бедствий или других бедствий? Есть ли в этой истории элементы, к которым вы можете относиться? Как?
Опубликовано в Без рубрики | 10 комментариев
Опубликовано 14 мая 2018 г.
автором a.gorenstein
Джон Генри Брэдли Сторрс
Forms in Space no. 1–1927
Метрополитен-музей – отдел современного искусства
Художественное произведение, которое больше всего запомнилось мне в Метрополитен-музее во время моего визита, называлось «Формы в космосе № 1». 1» скульптора Джона Генри Брэдли Сторрса. В то время как большинство произведений искусства, представленных на выставке, представляют собой картины, «Формы в космосе» нет. 1 — скульптура. Эта скульптура была вылеплена в анатомическом соответствии со многими небоскребами, которые строились в Нью-Йорке в начале 1900-х годов, в эпоху модернизма, когда строительство, улучшение и расширение были одними из целей общества в современную эпоху.
Джон Генри Брэдли Сторрс родился в Чикаго в 1885 году. В детстве он всегда интересовался архитектурой, потому что его отец Д.У. Сторрс был архитектором. Изучив искусство в различных академиях, Сторрс решил заняться скульптурой. Он стал скульптором в современную эпоху, примерно в то время, когда Нью-Йорк начал свою революцию, начав строить небоскребы, которые вскоре сформировали горизонт, который мы все имеем честь видеть сегодня.
Как небоскребы Нью-Йорка стали популярными в 19В 20-х годах Джон Генри Брэдли Сторрс решил создать миниатюрную версию небоскреба Нью-Йорка, чтобы отразить художественный стиль, который использовали многие архитекторы при строительстве своих зданий, создавая горизонт Нью-Йорка. Эта модель, которую пытался изобразить Сторрс, представляла собой модернистский архитектурный стиль, известный как ар-деко. Арт-деко был наиболее часто используемым художественным стилем, использовавшимся в 1920-х и 1930-х годах. Его можно узнать по симметричной форме и цвету. И Эмпайр Стейт Билдинг, и Крайслер Билдинг являются примерами зданий в стиле ар-деко.
Формы в пространстве в № 1 также относится к категории ар-деко, поскольку он симметричен как по форме, так и по цвету. Это означает, что скульптуру можно разделить на четыре части, и каждая часть будет выглядеть одинаково.
Джон Генри Брэдли Сторрс, безусловно, был модернистом, и он улавливает модернистские идеи в своем скульптурном искусстве, изображая мощный и стремительный рост индустриализации и урбанизации, когда небоскребы начали подниматься в небо.
В начале 1900-х очень часто возникало новое самое высокое здание в мире.
Индустриализация и урбанизация — два процесса развития, определяющие современную эпоху, которая началась примерно в 1890 году и продолжалась до конца Первой мировой войны. Индустриализация — это процесс освоения большего количества территорий для экономического роста, а урбанизация — это процесс превращения сельских районов в в города или города. Превращение неиспользуемой земли в города и поселки, чтобы люди могли жить и развиваться экономически, было процессом, который происходил на протяжении всей современной эпохи. Вот почему я считаю, что «Формы в пространстве» нет. 1 быть произведением искусства, которое в достаточной мере отражает современность.
Опубликовано в Без рубрики | 1 Комментарий
Клод Моне | Мост Чаринг-Кросс (1902 г.)
Пастбища Зеленые и темные сатанинские мельницы: Британская страсть к пейзажу — Американская федерация искусств На прошлой выставке
Средний
Состояние
Подпись
Сертификат подлинности
Диапазон цен на мелкие репродукции Пабло Пикассо
Посмотреть работы в этой категории
Возможно, самый влиятельный художник 20-го века, Пабло Пикассо, возможно, наиболее известен первооткрывателем кубизма и разрушением двухмерной плоскости изображения для передачи трехмерного пространства.
Вдохновленный африканским и иберийским искусством, он также способствовал возникновению сюрреализма и экспрессионизма. Значительное творчество Пикассо выросло до более чем 20 000 картин, гравюр, рисунков, скульптур, керамики, театральных декораций и эскизов костюмов. Он написал свою самую известную работу «Герника» (1937) в ответ на гражданскую войну в Испании; тотемическое полотно гризайль остается определяющим произведением антивоенного искусства. На аукционе несколько картин Пикассо были проданы более чем за 100 миллионов долларов. Неутомимый художник был героем выставок в самых престижных учреждениях мира, от Музея современного искусства и Центра Помпиду до Stedelijk Museum и Tate Modern.
Холст, масло
25 3/4 × 32 дюйма | 65,4 × 81,3 см
Толедо, Атланта, +10 еще
Получать уведомления о похожих работах
Хотите продать работу этого художника? Продажа с искусством
Средний
Состояние
Подпись
Сертификат подлинности
Ценовой диапазон малых гравюр Пабло Пикассо
Просмотрите работы в этой категории
Пабло Пикассо, возможно, самый влиятельный художник 20-го века.