30 арт-объектов, которые заставят вас покрыться мурашками — INMYROOM
Вдохновение
Представляем работы художников, которые поразили воображение очевидцев масштабом, креативным исполнением и глубоким смыслом
Вы удивитесь, узнав, как много необычных и даже странных арт-объектов создано художниками в разных уголках мира. Из года в год уникальные творения всевозможных форм с использованием самых нестандартных материалов приносят зрителям не только эстетическое удовольствие, но и открывают глаза на важные проблемы человечества. И пока возможности путешествовать ограничены, предлагаем изучить нашу подборку концептуальных предметов современного искусства, которые поразят ваше воображение.
«Краткий отрывок» стал одним из наиболее ярких объектов прошлогодней выставки современного искусства Desert X, которая проходила в пустыне региона Аль-Ула на северо-западе Саудовской Аравии. Инсталляция художника Рашида Алшашаи символизирует сочетание «цивилизации», изображенной в виде пирамиды, и «торговли», представленной пластиковыми поддонами, из которых сделана конструкция.
Внутри пирамиды зритель увидит сочетание природы и того, что создано руками человека. Этим автор хотел отметить важность нашего наследия.
Chargeurs Creative Collection
Краткий отрывок
У россиян все же есть возможность насладиться произведениями современного искусства вживую, посетив, например, арт-парк Никола-Ленивец в Калужской области. Все его объекты созданы художником Николаем Полисским и участниками фестиваля «Архстояние». Одной из самых ярких инсталляций (в прямом смысле этого слова) стала «Угруан» — первый цветной объект, названный в честь художественного цикла Клода Моне «Руанский собор». Скульптура, напоминающая медузу, была создана из нескольких тысяч веток лозы, которые собрали на местных болотах, а затем очистили и покрасили. По словам Полисского, в этой работе он вспоминает себя и свой художественный опыт, начиная карьеру в качестве живописца.
Никола-Ленивец (арт-парк)
А вот зеркальную каплю Аниша Капура вы наверняка уже видели в одном из американских фильмов.
Cloud Gate (в переводе с английского «Облачные врата») расположена на площади AT & T Плаза в Миллениум-парке, в деловом квартале Чикаго. На создание объекта британского скульптора индийского происхождения вдохновила капля ртути. После установки объект, прозванный «зеркальным бобом», прославился на весь мир и стал самым узнаваемым символом города.
Фото Bhargava Marripati: Pexels
Ниже вы найдете еще больше удивительных арт-объектов со всего мира, достойных вашего внимания.
eL Seed «Мираж» (Instagram: @chargeurscreative)
Ксавье Вейлан и Алексис Бертран, Vårbergs Jättar («Великаны Ворберга») (Instagram: @xavier_veilhan)
Behind Ha, «Together Apart» (Instagram: @line.stu)
Эдоардо Тресольди, Etherea (Instagram: @edoardotresoldiofficial)
«Будущее сейчас» в рамках Desert X (Instagram: @massivart)
Tadao Cern, «French exit» (Instagram: @tadaocern)
Jason deCaires, «Taylor Coral Greenhouse» (dezeen.
com)
Victor Solomon, «Kintsugi court» (Instagram: @victorsolomon)
Janet Echelman, «Bending Arc» (Instagram: @janetechelman)
Olafur Eliasson, «Human time is movement» (olafureliasson.net)
The Ant Farm Art Group, «Cadillac Ranch» (atlasobscura.com)
Jean-Pierre Zaugg, «The Fork» (Pinterest)
Florentijn Hofman, «Selfie Panda» (Instagram: @studioflorentijnhofman)
John Buckley, «The Headington Shark» (Instagram: @roughmeasures)
Arnaud Lapierre, «Fractal Installation» (Instagram: @arnaud_lapierre_design_studio)
Mario Irarrázabal, «Hand of the Desert» (Instagram: @holidayexclusives)
Бернар Вене, «L’arc majeur» (designboom.com)
Ulrich Genth и Heike Mutter, «Tiger and the Turtle» (Pinterest)
César Baldaccini, «Le Pouce» (Pinterest)
Cтудия дизайна Lvotavares, «Umbrella Sky» (Pinterest)
Альберта Гиорги, «Меланхолия» (Pinterest)
Чед Найт, «Волосы» (Pinterest)
Пэги Брэдли, «Expansion» (Pinterest)
Andy Scott, «Келпи» (Pinterest)
Лита Альбукерке, «hEARTH» (Instagram: @litaalbuquerque)
Пол Кокседж, «Bourrasque» (Pinterest)
Больше чем искусство: самые странные и дорогие арт-объекты в мире
Говорят, что искусство — это продукт воображения и психики людей.
Однако глядя на некоторые произведения современного искусства, смысл этого выражения несколько искажается. Мусор, упакованный в прозрачные кубы, незаправленная кровать, телефон-омар — и это далеко не полный список того, что выставляется в галереях и даже продается за внушительные суммы. О самых необычных (и дорогих) предметах искусства читайте в нашем материале.
«Кролик», Джефф Кунс
Джефф Кунс создал знаменитого «кролика» в 1986 году, и с тех пор скульптура американского художника превратилась в одну из наиболее знаковых работ XX века. В 2019 «кролик» был продан за $91 млн, обеспечив его создателю славу самого дорого художника современности.
Скульптура Кунса на выставке в Лос-Анджелесе, 2017 год
Почти метровый кролик из нержавеющей стали сочетает в себе холодный блеск металла и мультяшную игривость. Тот факт, что у скульптуры отсутствует лицо, делает ее безликой, непостижимой, однако одновременно с этим форма кролика говорит о несерьезности работы и намекает зрителю на шутливый подтекст.
«Кролик» Кунса – одна из немногих работ того времени, которая обрела подобную популярность. Не раз скульптура оказывалась на обложках всевозможных изданий, книг, участвовала в выставках, и даже демонстрировалась публике на параде в честь Дня благодарения в 2007 году.
Некоторые критики заявили, что работа Кунса – ничто иное как издевка, пустышка. Однако многие поклонники творчества американского художника увидели в кролике нечто большее. Это и противоречивость современного мира, череда постоянных изменений и поведение людей в подобных условиях, отражение публики в зеркальной поверхности скульптуры, объединение эпох, характеров, текстур – каждый может найти в кролике именно то, что он ищет.
Возможно, именно эта многогранность обеспечила работе такую популярность и сделала Кунса одним из самых узнаваемых, и, что не менее важно, дорогих художников современности.
«Моя кровать», Трейси Эмин
Инсталляция Эмин на аукционе в Лондоне, 2014 год
В 1998 году художница Трейси Эмин оправилась после тяжелого и болезненного расставания.
Она наконец-то решилась встать с кровати и осмотреться. То, что Трейси увидела вокруг, вдохновило ее на создание своеобразной арт инсталляции, которая и прославила ее создательницу.
Оглядев свою комнату, художница увидела смятые простыни, пустые бутылки из-под водки, окурки, упаковки презервативов, тесты на беременность, грязную, не стиранную неделями одежду.
Эта печальная картина легла в основу инсталляции Эмин, которую она назвала «Моя кровать». Впервые мир увидел работу художницы в 1999 году, и мнения сильно разделились. Одни говорили, что инсталляция скорее напоминает место преступления и не вызывает никаких особенных эмоций, другие же прочили Трейси большое будущее и видели в ее работе крик души, автопортрет, состоящий из личных переживаний и травм.
Так или иначе, работа Трейси Эмин была продана на аукционе Christie’s за 2,5 миллиона фунтов, а художница вошла в историю как один из самых провокационных британских деятелей искусства.
«Без названия», Сай Твомбли
Серия картин Твомбли «Без названия» на выставке в Париже, 2010 год
Работы американского художника часто вызывают противоречивую реакцию у публики.
Однако творчество Твомбли можно воспринимать на разных уровнях. Некоторые видят в них только обман, другие замечают некие отсылки к древним манускриптам и первым видам письменности на земле, третьи считают работы американского художника мощным посылом всей европейской цивилизации.
Так или иначе, вдохновленный архитектурой и атмосферой Италии, Сай Твомбли не писал абстрактных картин. В каждой из его работ можно увидеть определенный смысл, слово, отсылку к античной мифологии, с одной лишь поправкой – все сюжеты на полотнах Твомбли изображены тенью, намеком, очертанием, которое доступно лишь внимательному зрителю.
Одна из работ Твомбли на выставке в Лондоне, 2016 год
К слову, несмотря на ожесточенные споры и непринятие «каракуль» американского художника, последняя работа Твомбли была выставлена на аукцион и продана за 70 миллионов долларов – на миллион дороже, чем предыдущее его полотно.
«Нью-йоркский мусор», Джастин Жиньяк
Американский художник и дизайнер, обеспокоенный проблемами экологии, нашел нестандартное решение проблемы.
С 2001 года Жиньяк собирает мусор в прозрачных кубах и продает, превращая его в самый настоящий предмет искусства.
null
null
Джастин Жиньяк рассказывает в своих интервью, что каждая из коробок подписана и датирована. Обычная стоит $50, коробка из лимитированной серии, например, мусор, собранный в Новый год или в День благодарения, стоит по $100 за штуку.
Также художник ведет свой сайт, где делится с поклонниками не только своим искусством, но и полезной для экоактивистов информацией, например, в какой части города сейчас особенно необходима помощь волонтеров, где можно собрать мусор и как его правильно утилизировать.
Идея Джастина Жиньяка нашла отклик в сердцах многих людей по всему миру, которые с радостью последовали примеру нью-йоркского художника.
«Кроваво-красное зеркало», Герхард Рихтер
Работа знаменитого немецкого художника Герхарда Рихтера, написанная в 1991 году, представляет из себя полотно, закрашенное кроваво — красной краской.
Однако основная ее особенность в том, что вместо холста художник использовал поверхность зеркала.
null
null
Картина Рихтера Красное зеркало
«Кроваво-красное зеркало», как и многие другие подобные произведения, было оценено далеко не всеми поклонниками современного искусства. Работу считали пустышкой, а над художником откровенно посмеивались, поскольку публика не видела в работе автора ни провокации, ни глубинного смысла. Особенно удивляло публико то, что представляла из себя его работа в сравнении с другими произведениями автора.
Однако в 2009 году работа Рихтера на аукционе Sotheby’s была продана за $1,1 миллион, оставив мнение критиков далеко позади.
«Телефон-омар», Сальвадор Дали
Экспонат провокационного испанского художника появился в 1936 году. Как и многие другие работы Дали, «телефон-омар» является классическим сюрреалистическим объектом, который объединяет в себе одновременно что-то пугающее и игривое.
В основе сюрреалистических работ Дали часто лежит сочетание несочетаемого, что, по мнению художника, может пробудить тайные бессознательные желания человека. До «телефона-омара» у Дали уже было несколько работ с ракообразными – модели, чья нагота была прикрыта морепродуктами, несколько картин с лобстерами, которые олицетворяли единение удовольствия и боли.
В целом, Дали часто проводил ассоциации еды и секса, считая, что обе категории можно отнести к потаенным желаниям людей. К слову, «телефон –омар» также соотносится с этой темой автора – ракообразное расположено таким образом, что его хвост и гениталии находятся ровно над трубкой телефонного аппарата.
Сам творец так комментировал созданный им арт-объект: «Телефон – средство передачи информации, а в будущем телефоны будут заменены омарами».
Фото: Getty Images
Дарья Чернова
11 Предметы повседневного обихода, превращенные в выдающиеся произведения искусства
С тех пор, как самые первые художники расписали стены пещер минеральными пигментами и глиной, люди создавали искусство из самых простых материалов.
Выделенные здесь практики являются современными аналогами тех первых художников, которые используют самые обычные и обыденные материалы для создания произведений искусства, которые часто не только дают восхитительные визуальные впечатления, но и содержат далеко идущие идеи. Почти волшебная трансформация, происходящая при массовом накоплении этих предметов, является частью давней традиции художников-обманщиков, использующих оптическую ловкость рук. Материалы, выбранные этими художниками, — это все предметы, которые служат определенной цели, от которой художник отказывается, решив поднять обыденное до уровня изобразительного искусства и растворить границы между «высокими» и «низкими» формами культуры.
Тара Донован, Блаффс (2006). Авторское право Тара Донован, любезно предоставлено галереей Pace.
1. Bluffs (2006), Tara Donovan
В этом произведении , американская художница Тара Донован создала скульптуру, полностью сделанную из пластиковых пуговиц и клея.
Вим Дельвуа, Без названия (2013). Предоставлено автором, ©Вим Дельвуа.
2. Untitled (2012), Вим Дельвуа
Когда-то Вим Дельвуа считался 
Произведения Дельвуа сочетают в себе условности вульгарности, красоты и вкуса; он ниспровергает предполагаемое использование объектов, чтобы показать сложную красоту, которая часто раздражает. В своей серии «Pneu» художник вручную вырезает резиновые автомобильные шины с мотивами, завитые цветы и извилистые лозы которых напоминают декор в стиле модерн. Анахроничный орнамент, который Дельвуа применяет к шинам, еще больше подчеркнулся, когда они были выставлены в Лувре в рамках выставки 2012 года.
Гюнтер Юкер, Белое поле (1964). Фото предоставлено Тейт Модерн.
3. Белое поле (1964), Гюнтер Юкер
Немецкий художник, сценограф и член группы ZERO Гюнтер Юкер изучает свет и оптику, чтобы создавать завораживающие произведения абстрактного искусства. молоток и несколько гвоздей. В таких работах, как White Field (1964), он берет сотни гвоздей и создает атмосферные образы, полные движения и напряжения. Его подход частично основан на его интересе к системам мысли, таким как буддизм и даосизм, которые он считает ценными простотой и чистотой.
Медитативные работы Юккера заняли места в крупных коллекциях, в том числе в Институте искусств Курто в Лондоне и Музее современного искусства в Нью-Йорке.Герра-де-ла-Пас, Оазис (2016). Индивидуальная инсталляция в Чикагском культурном центре.
4. Oasis (2016), Guerra de la Paz
Сотрудничая с 1996 года, дуэт кубинских художников Ален Герра и Неральдо де ла Пас начал с создания инсталляций из ингредиентов, собранных из мусорных баков компаний Майами. которые отправляют подержанную одежду. Многие из их самых знаковых работ трансформируют бывшую в употреблении одежду; тот, что изображен здесь, объединяет их в волшебный сад с деревьями, возвышающимися над очаровательными цветами. Художникам были предоставлены выставки в таких местах, как Галерея Саатчи в Лондоне; Художественный музей Куруяма, город Ояма, Япония; Галерея Даниала Махмуда в Нью-Йорке; Музей современного искусства Каракаса; и Центр искусств Гайд-парка в Чикаго.
Такахиро Ивасаки, Geo Eye (Пик Виктории) (2012).
Изображение предоставлено URANO и художником.
5. Geo Eye (Пик Виктория) (2012 г.), Takahiro Iwasaki
Тщательная резьба Geo Eye (Пик Виктории) превращает канцелярскую ленту для домашнего использования в холст. Родившийся в Хиросиме в 1975 году, Ивасаки был описан как типичный японский художник, предпочитающий медленные, часто трудоемкие процессы, которые приводят к детальным построениям. Он будет представлять Японию в национальном павильоне на Венецианской биеннале 2017 года, где его мастерство будет представлено на мировой сцене.
Франческа Паскуали, Red Straws , 2015. Фото предоставлено галереей Leila Heller.
6. Red Straws (2015), Francesca Pasquali
Художница из Болоньи Франческа Паскуали берет бесчисленное количество разноцветных пластиковых соломинок, воздушных шаров и резинок и превращает их в красочные произведения искусства, в которых синтетические материалы перекликаются с органическими формами.
В таких скульптурах, как Красный Соломинка , Паскуали сочетает множество простых пластиковых трубок, чтобы создать волнистую поверхность, напоминающую формы в природе. Ее соломенные скульптуры находятся в Художественной коллекции Гислы в Локарно; Museo Diocesano, Брешия; и MAR Museo d’Arte d’Arte d’Arte d’Citta, Равенна. Паскуали был финалистом Каирской премии 2015 года и выставлялся во многих столицах искусства мира, включая Лондон, Нью-Йорк, Берлин, Париж и Венецию.
Эль-Анацуи, Городской участок (2010 г.). Предоставлено галереей Джека Шейнмана.
7. Городской сюжет (2015), Эль Анацуи
Будучи одним из самых известных художников конца 20-го века, Эль Анацуи установил высокую планку для поэтического использования обыденных материалов. Его работы касаются потребления, окружающей среды и истории колониализма. Родившийся в Гане, Эль Анацуи собирает металлолом на местных станциях переработки, сплетая крышки от бутылок и медную проволоку в таких работах, как 9.
Федерико Урибе Я не Бэмби (2016) Изображение: предоставлено художником и галереями Adelson.
8. Я не Бэмби (2016), Федерико Урибе
Родившийся в Боготе, Колумбия, Федерико Урибе начал свою карьеру художника в своей родной Южной Америке, прежде чем переехать в Нью-Йорк, а затем в Майами, где он в настоящее время базируется. Отказавшись от рисования, Урибе начал собирать безделушки и систематизировать их по цвету и форме, что позволило ему увидеть потенциальное единство, которое может возникнуть в результате последовательного повторения.
Джессика Дренк, Реализует 3 (2011 г.). Предоставлено художником, ©Джессика Дренк, 2016.
9. Инструменты 3 (2011), Джессика Дренк
затем с помощью электрического шлифовального станка формируют сосуды, похожие на жеоды. О серии художник говорит, что «каждое произведение демонстрирует контраст между искусственной геометрией внутри и внешним воплощением естественных форм и текстур». В результате снаружи мы видим растянутое и увеличенное ядро, сливающееся в массу дерева и свинца, отшлифованную до гладкости, в которой находится кратер из незаостренного нет.
Кадер Аттиа, Без названия (Гардая) (2009). Изображение предоставлено художником и Lehmann Maupin, Galerie Nagel & Draxler
10. Untitled (Ghardaïa) (2009), Kader Attia
В зале «Живые города» Тейт Модерн в Лондоне Кадер Аттиа построил масштабная модель древнего города Гардая в алжирской долине Мзаб, полностью сделанная из кускуса. Напоминающие гигантский замок из песка, жемчужные зерна плотно упакованы, образуя геометрические фигуры, приближающиеся к архитектуре города. Работа представляет собой комментарий к часто непростым отношениям между восточной и западной культурами, и, используя пищевой продукт, который является основным продуктом питания в Северной Африке, для приближения архитектуры, которая во многом обязана европейской архитектуре, он привлекает наше внимание к внутренней напряженности. Аттиа сказал, что «архитектура — это архив, и, как и любой другой архив, она «авторитарна»… но у этой власти есть уязвимость, которую может раскрыть искусство», и поэтому использование органического материала, предназначенного для разрушения и разложения, Аттиа представляет вопросы о природе самой власти.
Ник Кейв, «До» (2016), инсталляция, MASS MoCA. Фото Джеймса Принца, предоставлено MASS MoCA.
11. До (2016 г.) Ник Кейв
Ник Кейв широко известен своими интерактивными «Звуковыми костюмами» — переносными скульптурами, состоящими из красочных подержанных предметов и органических материалов. Многие из костюмов были задуманы после травмирующих социальных событий — первая итерация, сделанная в 1992 году, была реакцией Кейва на избиение Родни Кинга — и, используя обломки современной жизни, художник сохраняет определенный момент времени. внутри каждого костюма. На недавно установленной выставке «Пока» в Mass MoCA Кейв «помещает вас в чрево Звуковой костюм». По всей галерее Кейв установил миллионы пластиковых бусин, 16 000 ветряков и тысячи шнурков, чтобы создать эффект погружения — взрыв цвета, текстуры и звука.
Следите за новостями Artnet на Facebook:
Хотите быть впереди мира искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, поучительные интервью и острые критические выводы, которые способствуют развитию беседы.