Иль натюр: Ландшафтное проектирование от компании | IL NATURE

Контакты

Москва, улица Горбунова, д.2, стр.3, оф.812
96 Kensington High Street, London W8 4SG
E-mail: [email protected]
Сайты: il-nature.com, ilnature.co.uk

ИЛЬ НАТЮР (IL NATURE) вакансии, официальный сайт, отзывы, телефон отдела кадров

ИЛЬ НАТЮР (IL NATURE)

Фото:

Продукция:

Описание:

ИЛЬ НАТЮР (IL NATURE) отзывы

Добавить новый отзыв или вопрос о ИЛЬ НАТЮР (IL NATURE)

Как добраться до ИЛЬ НАТЮР (IL NATURE)?

• Постройте маршрут на машине до адреса 121099, МОСКВА, СМОЛЕНСКАЯ ПЛ., 3 , ЭТАЖ 8 с помощью приведенной ниже карты;
• Уточните время работы организации по телефону;
• По возможности, выберите удобный вид общественного транспорта и скорректируйте часы для посещения.

Продукция и услуги отрасли: ландшафтный дизайн

Новые товары от других компаний

www.rosebook.ru — Энциклопедия роз

guzenko 29.06.2014 22:33 У меня есть обе эти розы. По цвету действительно — практически идентичны, но по форме и сложению цветка всё-же различить можно. Bernstein у Вас на третьем фото. Листовая пластинка у Bernstein пошире чем у Goldelse, более округлая, да и потемнее немного. На Ваших снимках это хорошо показано. На первом фото листа — лист Goldelse, на втором — лист Bernstein.

zlatamay 29.06.2014 22:20 Спасибо, не разочаровала меня ,здоровая и радостная роза

ran 29. 06.2014 22:05 Первый цветок. Видимо из-за резкого похолодания, Диана оказалась очень темной. Аромат похож на Мистера Линкольна.

Raya-777 29.06.2014 21:47 Замечательный садик,душевный,и розочки прелестные.Про незнакомку-может,это Comtessa?

Elinna 29.06.2014 21:36 Ирина, Вы просто волшебница! Нужно ОЧЕНЬ СИЛЬНО ЛЮБИТЬ ЦВЕТЫ, чтобы создать такую красоту под окнами «не очень многоэтажного дома»! Успехов Вам в Вашем любимом деле, здоровья и мира!

GERDA 29. 06.2014 21:25 Только приехала с дачи и сразу к компу.У меня розы начали болеть ЧП от постоянных дождей.Я их удобряла и брызгала.Коко Локо у меня под лутросилом стоит.Я ее при посадке сильно заглубила или ее утянуло,может поэтому и сидит,скорее что не жилец. Хот Какао я в живую не видела,но думаю перед Вестерлендом будет хорошо,по цвету ей подходят оранжевые или желтые розы,я ее тоже заказала у Надежды на осень. Андре Ленотр у меня растет уже третий год,по высоте сейчас где-то под 1,5м,очень красивые,ароматные с переливами цветы,но настолько нежные и тонкие липестки,что портятся от любого дождя.В этом году от дождей бутоны не открывались,загнивали,окукливались,постоянные трипсы,нужна профилактика,короче хорошее цветение бывает не каждый год,все зависит от погоды.Но если погода солнечная то цветет волшебными цветами,если готова терпеть ее капризы то бери.Ее нужно сажать на самое солнечное место в саду.

Elinna 29. 06.2014 21:14 Прекрасный сад! Композиции из роз с гейхерами чудо как хороши! Стена из роз- ВПЕЧАТЛЯЕТ! Здоровья и сил Вам в осуществлении новых идей!

Elinna 29.06.2014 20:53 Дивный сад! Веет стариной и романтизмом… Удивительные укромные уголки отдыха с прекрасными розами! Сад талантливых трудолюбивых людей. Здоровья и сил Вам в осуществлении новых идей!

luba01 29. 06.2014 20:38 В Ваших краях цвет просто бесподобный!!!

krapivka 29.06.2014 20:34 Саженцы от Виталия при их на первый взгляд невзрачности ,имеют очень хороший потенциал.Заказываю 2 года и очень довольна.Сегодня сделала заказ в третий раз на весну 15 года.Надеюсь и в следующем году Ледироза не подведет))).

Anika 29.06.2014 20:30 Да, чудесная роза! Очень понравилась.

GERDA 29.06.2014 20:27 Какой цвет!Бесподобное фото!

kat72007 29.06.2014 20:26 Спасибо, Наташа. Цвет и форма цветка меня просто очаровали, хочу переключится со шрабов на ЧГ и флорибунда, подбирая кандидатов)

TD 29. 06.2014 20:19 Красавица. Красная? Не малиновая? Как ведет себя? Спасибо

NatuljaLapulja 29.06.2014 20:18 Катя, пишу о своем впечатлении о Валенсии) Растет второе лето, нарастила нормальный куст, но невнятной формы, я не думала, что она будет высокой, пришлось осенью пересадить на второй ряд. Пересадку перенесла отлично, хорошо перезимовала и сейчас готовится к цветению. Ее лучше сажать на задний план из за невнятной формы куста, цветы-само очарование и не быстро облетают. Роза пока еще молодая, жду когда проявит себя во всей красе.

Киаран Карсон, Натюрморт — Chicago Review

Последние строки последнего стихотворения в последнем поэтическом сборнике Кьярана Карсона Натюрморт (WFU, 2017) читаются так:

И мне нравилось жужжание электрического обогревателя с одним стержнем, когда проезжал автобус
или грузовик,
И мне нравились большие окна и все, что я мог видеть сквозь них
, будь то облачно или ясно,
И то, как они дрожали и в восторге от звука
, потустороннего мира.

Трудно согласиться с тем, что это действительно последние строки Кьярана Карсона. Указывая на свою неминуемую смерть, «потусторонний мир» во многом является нашим миром — многочисленным повседневным миром за окном, который Карсон постоянно исследовал с помощью языка, всегда находя другие уклоны, другие связи и ассоциации. В своих сборниках стихов и в каждом произведении в прозе Карсон последовательно переосмысливал свои формы и техники, переходя от обработанных и приглушенных стихов своего первого сборника к длинным знаковым сборникам конца 80-х — The Irish For No и Belfast Confetti — до в условиях строгой экономии Ночной дозор (2009) и До тех пор, пока после (2010).Поэтика Карсона всегда была податливой в том смысле, что его работы, кажется, открыты для адаптации к языку и формам, необходимым для его собственных исследований. Натюрморт — не исключение. Каждое стихотворение представляет собой картину, объект, который связывает стихи с их настоящим моментом, включая реальность неизлечимого диагноза Карсона — рака легких, с которым он столкнулся во время написания этих стихов.

Картины редко можно увидеть в галереях. Скорее, их часто воспроизводят и почти всегда можно увидеть в домашнем пространстве.Они появляются висящими на стене спальни, в онлайн-туре по Лондонской национальной галерее, изображении на экране ноутбука, памятном оригинале или цветной пластине в книге, как в « Клод Моне , Художественный сад в Ветёй, ». 1880, », который первоначально оставался закрытым, поскольку писатель только что обнаружил его в своем кабинете, когда« какой-то вандал перевернул терракотовый горшок с / нарциссами / в нашем маленьком палисаднике ». Сами картины служат стимулом для работы в этой коллекции, но физический акт просмотра позволяет Карсону плавно переключаться между его непосредственной повседневной жизнью, ведя переговоры о делах памяти.Созерцая образы в знакомой обстановке и оставляя стихи открытыми для случайностей, окружающих эти моменты взаимодействия, стихотворениям Still Life удается ощутимо передать текстуры его жизни. В изображении Карсоном повседневных мелочей есть изобилие, внимание и понимание повседневности, усиленные суровой реальностью его смертности. « Клод Моне , Сад художника в Ветёй, 1880 » заканчивается:

Погода прекрасная, 30 марта 9:00 42:43, а завтра
часы идут вперед.
Как странно лежать здесь и слушать все, что там происходит.
происходит.
Дни становятся все длиннее, но много их осталось у меня
.
И карандаш, которым я пишу это, хоть и старый,
легко переживет их конец.

Стилистически то, что может сначала поразить читателя при открытии этой коллекции, — это возвращение строк, которые когда-то считались типичными для Карсона. Использование длинных, примерно семнадцати слоговых строк, напоминающих строки из его сборников конца 80-х, кажется удивительным, однако они дают Карсону ловкую форму для созерцания обширного пространства материала.В более ранних сборниках говорилось, что на строки Карсона повлияли ритмы речи, традиционная музыка или сочинения К. К. Уильямса. Карсон комментирует их в Still Life , предлагая другой вариант:

Это напомнило мне о звонке возврата каретки моей старой пишущей машинки Imperial
, о том, как
Еще в 80-х годах я измерял свой стих шириной страницы A4
. По какой-то причине
я вернулся к тому произвольному правилу, которое неожиданно переворачивает ваше мышление на
.Хотя
Обязательно по-другому получается при печати в книжке.

Карсон продолжает в том же духе, описывая типографский вид полученных строф. Читая эти строки, мы смотрим на исполнение того, что описывается, как комментирует Карсон: «другими / словами, как эти / которые вы сейчас просматриваете, которые я написал только сейчас». Его работа часто включает в себя наблюдения за настоящим моментом акта письма в стиле, который неизменно непринужден и уместен.Однако в этом сборнике его ловкое употребление настоящего времени, отвлекая, а затем оттягивая нас назад, дает поразительное ощущение непосредственности. В « Jeffrey Morgan , Hare Bowl, 2008 » мы читаем через плечо поэта электронное письмо от художника, объясняющее, как он формирует свой «эффект кракелюра». Затем: «Звучит автомобильный гудок. / Я смотрю в окно. Это обычная переполненная парковка, утренние часы приёма … Медицинский центр на Антрим-роуд находится всего в пяти дверях от нас по Гландор / авеню.Следующая строфа продолжается: «Я часто бываю там. Был сегодня утром там, получал / заблаговременно кровь / для завтрашнего лечения в Сити. Фактически, мы сейчас ждем, чтобы нас там увидели ». Он проводит читателя через серию тесно связанных «подарков»: от созерцания картины до реального времени электронного письма, затем вспоминая утреннюю медицинскую процедуру, прежде чем прийти к «сейчас» ожиданиям. химиотерапевтическое лечение.

Момент чтения и момент письма настолько искусно переплетаются Карсоном с его использованием напряженных и точно рассчитанных отступлений, что иногда кажется, что стихи формируются по мере их чтения. Убедительная и завораживающая непосредственность этих стихов также, кажется, связана с усиленной интимностью тона Карсона, когда внимание сосредоточено на его доме и его окрестностях: в совокупности эти стихи появляются совершенно мгновенно. По большей части интимность и непосредственность стихов обусловлены их размышлениями и вопросами, адресованными непосредственно его жене Дейрдре. Стихи возникают из подарка, в котором они оба, и отражения во всем томе в значительной степени являются общими.Экфрастическая поэма имеет долгую историю как тип или жанр, но, вероятно, уникальность Натюрморта заключается в том, что картины, на которых строятся стихотворения, созерцаются парой («Только сейчас это / возникло у нас, чтобы поговорить о нем или об этом в эта длина… »). В « Ив Кляйн , IKB 79, 1959 » даже воспоминания о том, когда смотрели титульную картину, является вопросом между ними двумя («Я просил вас то и дело в течение нескольких месяцев, когда / мы мог бы первым / Видел это там, где оно висит в лондонской галерее Тейт Модерн »). В « Бэзил Блэкшоу , Windows IV, 2001 » 17 лет трудно определить обстоятельства первого просмотра в Ольстерском музее, но попытка исправить это все еще совместное предприятие: «И были / ты там со мной тогда? / Я не могу вспомнить, как и ты, когда я спрашиваю. Но нам нравится думать / о том первом просмотре / Мы оба… »

Для поэта, имя которого стало почти синонимом его родного города, примечательно, что поэзия Карсона до нынешнего сборника в основном касалась центра города и южного и западного Белфаста, а не севера города, где он прожил около тридцати с лишним лет (конечно, есть исключения — и его проза — совсем другое дело).Однако в Still Life стихи происходят преимущественно в части Карсона в Северном Белфасте. Это покрывает расстояние, пройденное по Гландор-авеню, до нескольких улиц (преимущественно Хоупфилд-авеню) и Уотерворк (ранее водохранилище, позже парк) на другой стороне главной Антрим-роуд и обратно. Этот маршрут, по которому Кьяран и Дейрдра регулярно проходят на протяжении всей коллекции, действует как вторичный организующий принцип, часто буквально обосновывая стихи эстетическими и материальными размышлениями о рассматриваемой картине. К концу второго стихотворения, которое заканчивается нотой, напоминающей хайку («Как чисты, свежи и зелены только что распустившиеся листья / каштана!»), Мы знакомимся с их «ежедневной прогулкой / По окрестностям». Гидротехнические сооружения ». « Canaletto , The Stonemason’s Yard, c.1725 » начинается с того, что пара из них наблюдает за механическим экскаватором за решеткой на Хопфилд-авеню, пятью страницами позже, и они снова смотрят: «На большой желтый JCB. А что касается того, что они собираются строить / там, нам не терпится увидеть.«Нежный, а иногда и самоуничижительный тон вызывает восторг; и как читатель вы можете ориентироваться по этим прогулкам, их ориентирам, которые становятся все более знакомыми по мере того, как вы проходите через коллекцию. Всегда, когда они возвращаются домой, что-то цветет, появляются недавно распустившиеся листья или какой-нибудь черный дрозд, который заявляет о себе на Гландор-авеню, в этой невероятно яркой гавани.

Эта непосредственность достигается в коллекции, которая парадоксальным образом позволяет оглядываться назад: вот Карсон, снова идущий по Белфасту, снова пишущий длинными строками, вспоминая сеансы конца 70-х, «Когда мы пили, курили и играли все». ночь, как будто завтра не было / не было.Он также помнит Ольстер Фрай на следующий день и множество способов жарить яйцо, что напоминает прозу Last Night’s Fun середины 90-х. Вспоминая работу на государственной службе в Белфасте в начале 70-х годов, он вспоминает, как испугались бомбы, когда он оставил офис в пабе, чтобы «выпить / и оставить мир невидимым», что позаимствовано у Китса, но специально напоминает The Irish For No. . « Николас Пуссен , Пейзаж со спокойствием, 1650-51 » открывается пронзительной генеалогией пишущих инструментов, которые Карсон использовал в последние годы, вспоминая, конечно, The Pen Friend (2009), но также и 1997 года. Фабрика звезд и японская зебра «Зебролль» 0.5 пера, которым был написан первый черновик. Замечания Карсона, касающиеся его болезни, являются фактом («До постановки диагноза я четыре года не писал ничего для публикации, но когда я взял / Карандаш, казалось, освободил меня…»), но они все более душераздирающий за это. « Джерард Диллон , Автономная квартира, выставлено 1955 » отсылает к любимой картине его отца, а стихотворение заканчивается словами «вот я то то и другое», нежным намеком на мемуары его отца, Seo , Siúd , agus Siúd Eile.

« Yves Klein , IKB 79, 1959 » перемещается с синего цвета картин на «безоблачное синее» небо Хиросимы (место, которое посетил Кляйн) в тот день, когда была сброшена атомная бомба. К этому моменту «приглушенный грохот», который Карсон вспомнил из выведенной из эксплуатации карьеры в начале стихотворения, приобрел в целом более зловещий тон. Это становится особенно эффективным в дальнейшем в стихотворении, когда Карсон вспоминает Кровавую пятницу в Белфасте в июле 1972 года, слыша серию взрывов по всему городу в «безоблачный летний день» и наблюдая, как «облака / облака распускаются в синий цвет».В стихотворении заключительные предложения состоят из одной строчки; Эффект сравнительной резкости в контексте этой коллекции очевиден. Укороченная длина строки, изменение регистра и языка ужасны, как пишет Карсон: «Люди, установившие бомбы, извинились на пустом / языке. / Пожарные сгребли в мешки для трупов ужасные останки / дня ».

В « Бэзил Блэкшоу , Windows I-V, 2001, » Карсон смотрит на картину Джима Аллена « Дом с пальмами », на которой изображено здание, где Карсон снимал квартиру в середине 70-х годов.Он вспоминает, сидя «под солнечным светом из одного из больших окон со створкой первого этажа» в кафе библиотеки Linen Hall, о взрыве бомбы возле квартиры, когда он жил там, в результате чего потолок его спальни рухнул несколько недель спустя, «как будто это только потом вспомнил о событии ». Он был на кухне: «Все, что я знаю, это то, что меня не было / Тогда, могло быть, и вот я сейчас разговариваю с Полом / в солнечном свете в льняном холле». Поэма завершается тем, что Дейрдра повторяет любимую историю о наблюдении из этих окон библиотеки за фарсом почти несчастного случая, когда мужчина читает газету, старуха с тележкой для покупок, фонарный столб. «Время», — писал Кьяран Карсон в конце 80-х в своем стихотворении «Гамлет», — «это разговор; это живая изгородь, которая беспрестанно порхает в / в настоящее… ».

Окна, обрамляющие жизнь, которая никогда не бывает спокойной, повторяются в этом томе. Это кажется мне символом достижений Карсона здесь, в стихах, которые сталкиваются с неизлечимой болезнью, но которые видят реальность через рамку, которая на самом деле является окном, за всей ослепительной странностью и обилием воспоминаний, разговоров, повседневности. Это жизненно важная коллекция, наполненная жизнью.Есть много аспектов этого тома, которые могут удивить при первом чтении: частая близость тона и места действия, личные воспоминания о Неприятностях, когда разгорался конфликт, и особенно стилистическое возвращение к длинным строкам в его стихах. Но когда мы в последний раз читали коллекцию произведений Кьярана Карсона, в которых не было переизобретения или переосмысления своих собственных форм? Натюрморт , невероятно, содержит некоторые из его лучших работ.

Натюрморт | Музей Израиля, Иерусалим

В 1899 году любовница Гогена Пахура родила сына, который дал художнику новую жизнь.После месяцев бездействия из-за бедности и плохого здоровья Гоген снова начал писать, быстро израсходовав холст, которым он обладал, при написании сатирических статей и создании гравюр на дереве. Получив из Франции еще холсты, он с удвоенной энергией принялся за работу.

Гоген, вероятно, написал этот натюрморт на грубой мешковине в августе, когда его не было холста. Чайник и кувшин визуально отделяют набор фруктов на тарелке от фруктов на скатерти, накинутой на сундук. Растения на парео висели позади них, а цветы на скатерти сливались с их фоном, в то время как теплые цвета фруктов и груди контрастировали с холодными цветами остальной части картины.Основное влияние оказывает натюрморт Сезанна с компотье 1877-1879 годов, в котором сопоставимые предметы и фрукты поставлены на стол на аналогичном фоне.

И все же живопись Гогена не так проста, как кажется. Этот конкретный Сезанн принадлежал Гогену, который поклялся не продавать его, если он не окажется в тяжелом положении. Это произошло в 1898 году, и на протяжении 1899 года он тщетно ждал денег от продажи. Таким образом, его натюрморт отдает дань уважения тому Сезанну, теперь безвозвратно утерянному для него.С другой стороны, Гоген чувствовал, что и друзья, и критики превозносили Сезанна, забывая при этом о его собственных нововведениях. В июле 1899 года он саркастически процитировал их: «Я родился у Сезанна, у Ван Гога, у Бернара …: какой я ловкий подражатель» 4. Таким образом, отдавая дань уважения Сезанну, Гоген соревновался с ним, подчеркивая элементы. которые явно были его собственными.

Гоген более реалистично нарисовал объемную округлость предметов, включая ниши сундуков, а его правильное использование перспективы контрастирует с характерными искажениями Сезанна.Чтобы подчеркнуть свой символический подход, он подчеркнул число три, как это было в его Натюрморт с тремя щенками 1888 года: три посуды, три фрукта на тарелке и три на ткани, три листа на заднем плане , и три ниши в комоде. Он также намекнул на реальность за пределами холста, нарисовав отражения окон в чайнике, заставил казаться, что растения на парео плавают в море, и оставил неясным, настоящие ли цветы вокруг чайника или украшают ткань.Между предметами происходят забавные игры: носик чайника как бы вонзается в плоды за ним, а растение возле кувшина «щекочет» его. Наконец, его композиции не хватает устойчивости: комод наклоняется влево, так что кажется, что предметы вот-вот соскользнут с него, — эффект усиливается за счет фруктов, срезанных рамкой слева.

Некоторые из этих элементов отражают ситуацию Гогена: он, Пахура и их сын составляют семью из трех человек; у них есть фрукты и цветы, но сейчас он неуверен и пессимистичен из-за отсутствия денег и плохого здоровья.

Лучшие художники-натюрморты

Джорджио Моранди | Возвращение на Art

Меня больше всего интересует выражение того, что в природе, в видимом мире, то есть.

Джорджио Моранди был итальянским художником и гравером, который специализируется на натюрмортах. Его созерцательные картины славятся тонкостью тона и изображением простых предметов — в основном ваз, бутылок, мисок и цветов.Эти натюрморты, расположенные на нейтральном фоне, могут кому-то показаться скучными, другие находят они имеют медитативный эффект и могут смотреть на них бесконечно. Историк искусства Роберто Лонги даже описал Моранди как «возможно, величайшего итальянского художника эпохи 20 век’.

Моранди в своем ателье, 1953, фото Герберта Листа

Несмотря на его репутация одного из великих ценителей искусства, итальянский художник остается необычной и в некоторой степени мистической фигурой, не имеющей непосредственного отношения к каким-либо одно движение или эпоха.

Natura Morta, 1954 год. Natura Morta, 1957 год.

Джорджио Моранди родился в 1890 году в Болонье, где учился в Accademia di. Belle Arti di Bologna. Несмотря на то, что художник почти никогда не покидал родной город, на его стиль живописи повлияли работы художников. Сезанн, Дерен и Пикассо.Он даже научился искусство офорта внимательно изучая книги о Рембрандте.

Сезанн в в частности, оказал сильное влияние на его стиль живописи, что очевидно в сокращенных композиционных элементах, плоских плоскостях цвета и чистоте формы в его работах.

Natura Morta, 1947 год.

Моранди отличился у него на учебе, но его учителя не одобряют изменения в его подходе во время его последних двух лет в Академии.Тем не мение, После краткого отступления от футуристического стиля в 1914 году Моранди в том же году получил работу преподавателя рисования в начальной школе Болоньи.

В 1915 г. вступил в армию, но вскоре потерпел психическое расстройство и был демобилизован на неопределенный срок. Немного лет спустя, в 1918-1919 гг., он стал ассоциироваться с метафизической школой, группой художников, которые рисовали в стиле, разработанном Джорджо де Кирико и Карло Карра. Их целью было наполнить повседневные предметы атмосферой таинственности.Это повлекло за собой сказочный образы с жутким освещением, необычными перспективами и символическими объектами. Штраф Примером этого периода являются его картины «Метафизический натюрморт».

Natura morta methafisica, 1918 год. Natura morta metafisica, 1918 год.

Это Метафизический этап в творчестве Моранди длился с 1918 по 1922 год и должен был стать его последним крупным стилистическим творчеством. сдвиг; после этого он все больше сосредотачивался на своих тонких градациях тона, и объекты, расположенные в единой атмосферной дымке, определяя направление его искусство должно было занять всю оставшуюся жизнь: натюрморты из бутылок, ваз и кувшинов на столе, расписанные в мрачно-серых, коричневых и мелово-белых тонах.

Уже в одном из своих Натюрморты 1920-х годов, его «Natura Morta», он отказался от использования драматических теней и смелые черные очертания в пользу более мягкого и рассеянного света. Эта конкретная картина предметы: хлеб, яблоко и пустой стакан намекают на скромную еду, что усиливает миф, который с тех пор развился вокруг Моранди. Живописца помнят как простой, замкнутый человек, получивший прозвище Il Monaco («Монах»). Пожизненный холостяк, он прожил большую часть своей взрослой жизни в скромной квартире с его три сестры, его спальня, дублирующая студию.Он сам сказал:

Я художник такой … композиции, которая передает чувство покоя и уединения, настроение, которое я всегда ценил превыше всего.

Natura Morta, 1920 год. Фото Луиджи Гирри

От 1920-е годы картины Моранди демонстрируют удивительную последовательность, но, хотя на первый взгляд, его картины могут выглядеть одинаково, они полны тонких изменений, зависящих от того, какие предметы и где размещены; в каком сочетании; и под чем этакий свет. В своих постоянно меняющихся композициях ему удавалось создать определенный ритм по диапазону высот предметов, а также по их чередованию в цвете. Путем бесконечных экспериментов живописцу удалось преобразить универсальная группа бутылок в вечную композицию. Однажды он заявил:

Требуется мне недели на то, чтобы решить, какая группа бутылок хорошо сочетается с тем или иным скатерть и все же, я часто ошибаюсь с пробелами. Возможно я тоже работаю быстрый.

Живопись была для художника очень физическим процессом.Он часто растягивал свои холсты и растирал собственный пигмент. Чтобы его работы выглядели более непрозрачными и вневременными, он даже покрывал их краской, а затем позволял пыли скапливаться на холсте.

Фото Джоэля Мейеровица © Damiani Édition Фото Джоэля Мейеровица © Damiani Édition

С конца 1920-х годов Моранди начал получать серьезное признание за свои работы. В 1928 году он участвовал в выставках в Италии и за рубежом, среди которых Венецианская биеннале. выставки и Квадриеннале в Риме. Венецианская биеннале 1948 года даже присудила ему первую премию за живопись. В 1956 г. он посетил Париж впервые, а в 1957 году он выиграл главный приз в Сан-Паулу. Биеннале (побеждая в процессе и Марка Шагала, и Джексона Поллока). Этот успех позволил ему окончательно отказаться от обучения. работать в Академии и заниматься исключительно своим искусством.

На окраине города, 1941 г.

Рядом с натюрмортами — единственный другой жанр, который исследовал Моранди. несколько раз была пейзажная живопись.Он нарисовал бы вид из окна своей студии в Болонье или вид на горный городок Гриззана в Апеннины, где он провел летние месяцы и большая часть Вторая мировая война. «На пленэре» художник написал бы его спокойный сельский пейзаж в то время, когда весь остальной мир был в смятении.

В его ателье, 1964 год, фото Паоло Феррари.

Моранди было плодовитый художник; за всю свою карьеру он выполнил более 1350 картин маслом, на которых часто снова и снова изображались одни и те же знакомые бутылки и вазы, с большой чувствительностью к тону и композиционный баланс.Он также создал 133 гравюры. — с 1930 г. работал профессор офорта в Accademia di Belle Arti.

Натюрморт с пятью предметами, 1956 год

Благодаря своим простым и повторяющимся мотивам и скудному использованию цвета Моранди стал важным предшественник минимализма. Его работа был источником восхищения и вдохновения не только для художников, но и для многих других творцов:

Итальянский режиссер Федерико Феллини, например, показал свою работу в La Dolce Вита и Микеланджело Антониони сделали то же самое в La Notte.Его практика аранжировки и перестановки подобных объекты также нашли отклик у архитекторов. Предметы, которые он использовал, были простыми, но взаимодействие между ними могли превратиться в замысловатые, постоянно меняющиеся композиции разной формы, цвета и текстура, очень похожая на городской пейзаж. Однажды он сказал:

Ведь даже натюрморт — это архитектура.

Мис ван дер Роэ, Вальтер Гропиус и Фрэнк Гери были знакомы с его работами, и последний даже цитировал Моранди как вдохновение для необычного дома, который он построил в Уэйзате, штат Миннесота.

Дом, вдохновленный Моранидом Фрэнка Гери, фото Университета Св. Томаса

Тихий и вежливый как в личной, так и в общественной жизни, Моранди был известен в Болонья за его загадочную, но оптимистичную личность. Артист скончался от рака легких в июне 18 лет 1964 года, 73 года, но его образы, а также его учение будут влиять на несколько поколений художников после него.

В 1993 году Марилена Паскуали и муниципалитет Болоньи создали Музей Джорджо Моранди. Его сестра Мария Тереза ​​пожертвовала многие из его работ, а также свое ателье. Сегодня в музее находится реконструкция его мастерской, которая для многих стала источником вдохновения.

Фото Джоэля Мейеровица © Damiani Édition Фото Джоэля Мейеровица © Damiani Édition

В 2015 г. фотограф Джоэл Мейеровиц опубликовал книгу «Объекты Моранди», в которую вошли фотографии, которые он взял бутылки, вазы, кувшины, кувшины, кубики и другие вещи, найденные в студии.Его жена, писатель Мэгги Барретт написала во введении:

несмотря на то, что пристально разглядывая картины Моранди в течение тридцати пяти лет, этот человек сам остается загадкой не только для меня, но и для тех, кто его знал.

Изображение с Викимедиа

Подпишитесь на нашу рассылку новостей

Источники: Wikipedia, Christies, Brittanica, Artnews

Натюрморт в Лодзи | LOGTV

LOGTV FILMS POLSKA

LOGTV Films Polska Foundation смело можно назвать младшей польской сестрой американского фонда: LOGTV, Ltd., американский фонд, основанный в 1999 году. LOGTV Films Polska Foundation специализируется на производстве и распространении документальных фильмов, а также участвует в международном совместном производстве. LOGTV Films Polska получает гранты на продвижение польских фильмов за рубежом, гранты от региональных комиссий по кинематографии в Польше, например из Силезского кинофонда на производство документального фильма «Я, Кая — девушка из Силезии», премьера которого состоится в сентябре 2020 года. В настоящее время в производстве также находятся два других фильма: «Может быть, мы приедем в Томашув на день »И« Скрытое наследие: еврейское пробуждение в Кракове ».

Важной целью Фонда является также широко понимаемая деятельность в области кинообразования, реализуемая через организацию лекций и семинаров.
Подробнее на: www.logtv.com/polska

ООО «ЛОГТВ»

Компания LOGTV Ltd была основана в 1999 году известным режиссером-документалистом Славомиром Грюнбергом для производства и распространения документальных фильмов. Фильмы, произведенные ООО «ЛОГТВ», не только демонстрировались и получали награды на фестивалях, но также распространялись в кинотеатрах и показывались по телевидению всего мира.

Образовательная деятельность имеет ключевое значение для ООО «ЛОГТВ» — фильмы демонстрируются не только в кинотеатрах и на телевидении, но и в учебных заведениях. Компания выступает участником и организатором семинаров и лекций, сопровождающих показы своих фильмов.

Краткий список наград, полученных LOGTV Ltd и Славомиром Грюнбергом, включает: премию EMMY, премию Grand Prix Zahav (Gold), премию CINE Golden Eagle, золотую награду: WorldFest, Houston, Regional EMMY Award, Lavr Award — российский «Оскар». ; Гран-при Международного фестиваля исторического кино, Варшава, Польша; Номинация на премию The Eagles Awards — польский «Оскар», лучший польский документальный фильм — «Еврейские мотивы» на Международном кинофестивале в Варшаве, Польша, Гран-при фестиваля польского кино «EKRAN» в Торонто, специальный приз за лучший польский фильм на Еврейском кинофестивале. Международный кинофестиваль Motifs, Варшава, Гран-при: I Белградский международный кинофестиваль, Гран-при: V Европейский кинофестиваль, Кошалин, Премия за выражение: Международный кинофестиваль в Бразилии, Приз зрительских симпатий: лучший документальный фильм, Вашингтонский еврейский кинофестиваль, специальный приз : Кинофестиваль «Перекресток Европы», Люблин, Лучший документальный фильм об инвалидах: Международный кинофестиваль, Калгари, Канада, Лучший документальный фильм об окружающей среде: Кинофестиваль в Сан-Франциско, Лучший документальный фильм: Международный кинофестиваль в Вермонте, Лучший фильм фестиваля: Кинофестиваль «Надежда и мечты» Гран-при: Международный фестиваль экологического кино, Прага, Чешская Республика Coup de Coeur, Международный фестиваль экологического кино, Гренобль.Добавьте к этому две номинации на премию Оскар и пять номинаций на премию EMMY для Славомира Грюнберга как оператора.

Документальные фильмы, созданные LOGTV Ltd, были показаны, в частности, в Театре Уолтера Рида Линкольн-центра, Музее современного искусства в Нью-Йорке, Museo Memoria y Tolerancia в Мехико, центрах Холокоста Йоханнесбурга и Кейптауна, Музее истории POLIN Польские евреи в Варшаве, а также на многих фестивалях в США, Канаде, Израиле, Иране, Василии, Аргентине, Мексике, Франции, Великобритании, Германии, Уругвае, Корее, Австралии, России, Польше и других странах.Некоторые из них попали в постоянные коллекции кинематографических обществ, фестивалей или библиотек, включая Мемориальный музей Холокоста США в Вашингтоне, округ Колумбия, Музей еврейского наследия в Нью-Йорке, Йоханнесбургский центр Холокоста и геноцида и Яд Вашем в Иерусалиме.

Контакты: [email protected], [email protected]

EC1 Лодзь — город культуры

EC1 Лодзь — Город культуры — это место, открытое для различных культурных и научных мероприятий.Здесь находятся Центр науки и технологий EC1, Национальный центр кинокультуры, Лодзинская кинокомиссия и Центр интерактивных комиксов и повествования (строится). Комплекс EC1 в Лодзи расположен на территории и в обновленных зданиях первой коммерческой электростанции в Лодзи, которая была основана в 1907 году и работала до 2000 года.

С 2015 года EC1 Лодзь также является оператором Лодзинского кинофонда , старейшего регионального кинофонда в Польше.Фонд, созданный в структуре Лодзинского офиса, работает на условиях совместного производства. С 2007 года в рамках софинансирования получили 90 фильмов. Фильмы, созданные совместно с EC1 ód при Лодзинском кинофонде, включают трехкратного номинанта на премию Оскар «Холодная война» режиссера Павла Павликовского, последний фильм Анджея Вайды «Повидоки» или документальный фильм Роберты Гроссман «Кто напишет нашу историю».

Лодзинский кинофонд находится в ведении отдела Лодзинской кинокомиссии , который обеспечивает всестороннюю помощь продюсерам художественных, документальных и анимационных фильмов, телевизионных программ, рекламных роликов, видеоклипов или любых других форм аудиовизуального контента.Эта помощь включает услуги, начиная от поиска мест до получения разрешений и выделения муниципального пространства для нужд съемочных групп, до поддержки в контактах с городскими службами и местными СМИ.

Натюрморт, исторический обзор Элси Рассел

Предметы повседневной жизни, особенно цветы и продукты питания, были излюбленным предметом художников с греческих времен, когда изображения цветов, фруктов, рыб, еды не только рисовались на стенах, но и создавались мозаикой на полах дворцов и бань. .Этот тип декоративной оптической иллюзии получил название «trompe l’oeil», или «обмануть глаз», и до сих пор является важным элементом натюрморта. По словам Плиния Старшего, грек Пираикос был величайшим художником-натюрмортам. Он рисовал интерьеры магазинов и продукты питания на стенах. Восточные натюрморты существовали со времен Александра, а великий соперник Апеллеса Антифилос специализировался на жанровых сценах. Изображения цветов и птиц также были таким же обычным клише, как сегодня карты Hallmark.Натюрморты с продуктами питания или «ксения» были популярны среди богатых афинян, чтобы показать хорошо укомплектованные кладовые. Позже, в богатом буржуазном обществе Нидерландов, мы снова видим это материалистическое проявление демонстративного потребления. Но натюрморт в западноевропейской живописи действительно берет свое начало с эзотерического христианского символизма, который превратился в сложный язык во времена Средневековья и Возрождения. Натюрморт стал называться «Nature Morte» или «мертвая природа», искусство, сосредоточенное на неодушевленном, с символическим подтекстом или без него.Наибольшей популярностью пользовались «Атрибуты» Богородицы или святого и тема Ванитас. Этот язык превратился в более абстрактную и метафизическую иконографию в маньеристической Италии и Испании и в таинственном архаизме Божена во Франции 17 века, что, в свою очередь, привело к гармоничной простоте Жана-Батиста-Симона Шардена (1699-1779) в 18 веке. век.

Возвышенная «Корзина фруктов» Карраваджо (Микеланджело Меризи, 1573–1610) иллюстрирует этот новый интерес к увековечиванию скромных, но красивых предметов ради самих себя, который развился в основном на севере и распространился на Италию, Францию ​​и особенно Испанию.Здесь представлены аскетичные и мистические картины таких художников, как Санчес Котн (1531-1588) и Франсиско де Сурбаран (1598-1664), а позже Луис Мелендес (1716-1780), называемые «Бодегонес», или изображения еды и скромных предметов домашнего обихода. наполните картину благородной тишиной дзен; размышления о смирении и святости момента. Картина Рембрандта Ван Рейна (1606–1669) «Говяжья сторона» (1665) в Лувре, хотя и не настольный натюрморт, в чем-то обязана этой традиции. Картина Франсиско Гойи (1746-1828) «Ломтики лосося» выражает тот же грубый дух наблюдательности и открывает путь к бравурным натюрмортам Дуара Мане (1832-1883) во Франции.

Напротив, именно в Нидерландах и Фландрии 17-го века натюрморты действительно расцвели буйными проявлениями цветов, как у Яна Брейгеля Старшего (1568-1625), Яна Давидса де Хема (1606-1684), Яна Гюйсума (1682-1749). ) или Рэйчел Рюйш (1684-1750). Другим фаворитом были роскошные столы, украшенные роскошной едой, хрусталем и серебром, как у Виллема Кальфа (1622-1693), Авраама Ван Бейрена (1620-1690) или Геррита Виллемца Хеды (активный 1642-1702) ), или трофеями успешной охоты или вылова сети, как в работах соратника Рубена Франса Снайдера (1579–1657).

Но во французских натюрмортах именно Жан-Батист-Симон Шарден (1699-1779) был принят во французскую академию с его «La Raie 1738 года», экстравагантной коллекцией морских фруктов, которая напрямую связана с голландскими корнями. Шарден был мастером многих видов натюрморта, от скромных архитектурных кухонных предметов его ранних лет до чудесных сервированных столов, аллегорий и поэтических композиций фруктов его зрелых лет.Дени Дидро (1713-1784), автор «Энциклопедии», был так тронут, что воскликнул: «Это непостижимое волшебство. Толстые слои цвета накладываются друг на друга, и их эффект проявляется снизу вверх. временами можно было предположить, что на холст накрыл туман; или еще раз, что на него была наброшена легкая пена. Приблизьтесь, и все станет размытым, расплющится и исчезнет: отодвиньте, и все будет воссоздано и воспроизведено ». Энн Валлиер Костер (1744-1818) была последовательницей Шардена.Ее работы, хотя часто ошибочно принимаются за его, гораздо более деликатны на ощупь и имеют некоторые очень странные аранжировки, такие как ее коллекция кораллов и раковин на каменной полке в Лувре, которая почти фотографическая по своей точности и глубине.

До середины девятнадцатого века натюрморт считался второстепенным жанром с ограниченным потенциалом для выражения великих тем. Отдельные художники, конечно, игнорировали эту категоризацию, но только после Гюстава Курбе (1819-1877) и его философии реализма и чистой живописи натюрморт начал свою жизнь как независимый инструмент формы, цвета и поверхности краски, отделенный от классификации Академии.Позже в этом веке революция во главе с Мане, Огюстом Ренуаром (1841-1919), Полем Сзанном (1839-1906), Клодом Моне (1840-1926) и Винсентом Ван Гогом (1853-1890) навсегда закрыла дверь для этих дебатов. . Теперь уже нет сомнений в том, что натюрморт может красноречиво и формально, и поэтически говорить как «благородный» жанр изобразительного искусства. Когда мы восхищаемся тарелкой устриц Мане, черепами и часами Чанна или вазой ирисов Ван Гога, все, что мы видим, — это чудесная интерпретация окружающего нас мира. Это полностью изменило то, как мы смотрим на мир.

В современную эпоху натюрморт взял на себя новую роль. Сезанн рисует яблоко так же, как женщину или гору, а Жорж Брак (1882-1963) рисует яблоко как набор перекрывающихся геометрических граней. Неодушевленные предметы в новом натюрморте выражают тайну мира через свои отношения с пространством, в котором они обитают, фундаментальным образом: глаз информирует разум о космических соответствиях между формами и пространством. Преобразование формы и содержания в чистейшие элементы, геометрию (Хуан Грис-1887-1927), цвет (Анри Матисс-1869-1954) и символическое (через сюрреализм Джорджо де Кирико, 1888-1976, и Сальвадора Дали). , 1904-1989) досконально исследуется в натюрмортах ХХ века.Загадочный Джорджо Моранди (1890-1964) вернул в натюрморт сдержанную формальную пластичность с помощью ограниченной палитры, напоминающей римскую живопись, и тем, которые восходят к испанским «винным погребам». Но именно Пабло Руис Пикассо (1881–1973) больше всего эксплуатировал этот жанр, превращая его в немыслимые ранее формы, используя широкий спектр стилистических перестановок на протяжении всей своей долгой карьеры. По поводу натюрмортов Пикассо Жан Кокто заметил: «Пикассо ne fait pas de trompe l’oeil, il fait du trompe l’esprit» (Пикассо не делает trompe l’oeil, он «обманывает дух»).

Художники 20 века использовали натюрморты как лабораторию для открытия новых техник и тестирования новых концептуальных арен. Они сделали это как в изобразительном, так и в абстрактном форматах, часто до того, как расширились в другие жанры, смешав живопись со скульптурой, коллажем, фотографией, даже видео и голограммами, в произведения, которые по сути все еще считаются натюрмортами. При всей этой свободе, куда движется натюрморт, можно только догадываться, но удовольствие от созерцания изображения группы предметов на столе — вечное.

«Произведение искусства само по себе является мнимым объектом обработки, как некоторые из смоделированных и реальных объектов, составляющих его. Не имея фиксированного места в природе и подвергаясь произвольным и часто случайным манипуляциям, натюрморт на столе является объективным примером сформированное, но постоянно перестраиваемое, свободно доступное в реальности и, следовательно, связанное с идеей художественной свободы. Натюрморт в большей степени, чем пейзаж или историческая живопись, обязан своей композицией живописцу, но в большей степени, чем они, кажется, представляют собой кусочек повседневной реальности.» (Мейер Шапиро «Яблоки Сезанна: Очерк о смысле натюрморта» 1968)

Элси Рассел 19.04.2001

Назад в Сеть в Аркадии: Виртуальный музей современного классицизма

Джорджо Моранди, Натюрморт, 1961

Моранди взглянул на итальянское искусство раннего Возрождения свежим взглядом, черпая вдохновение в созерцательном настроении и сдержанной палитре таких художников, как Пьеро делла Франческа.Еще одно ключевое влияние оказал Сезанн, чье пристальное внимание к реальности и сугубо личное, индивидуальное видение способствовало открытию Моранди простой геометрической прочности повседневных предметов. Они должны были стать его предметом, почти всегда предметы домашнего обихода, такие как бутылки, кувшины, кувшины и миски, которые он выложил с расчетной точностью классической композиции. Тем не менее, то, как они написаны, устанавливает их присутствие в качестве самодостаточных форм в пространстве, выходящих за рамки их повседневных функций.

В нынешней картине, созданной в последние годы своей жизни, Моранди, казалось бы, достигает вершины минимализма как с точки зрения цвета, так и с точки зрения композиции, но в то же время бросает вызов восприятию зрителем этой поверхностной простоты. В то время как объекты на первый взгляд кажутся сгруппированными в центре холста в почти идеальной симметрии, горшок на трех вазах ненадежно уравновешен — даже малейшее смещение вазы справа может опрокинуть собрание, вызывая разрушение, противоположное действительности. мнимая неподвижность композиции.В то же время кажущаяся плоскостность бассейнов цветов контрастирует с подразумеваемой трехмерностью объектов, составляющих натюрморт, в то время как смелая подпись, расположенная прямо под ними, сразу становится четвертым объектом и служит напоминанием об иллюзорности природа всего натюрморта. Между тем, выполненные тонким импасто, текстурированные и разнообразные мазки перетаскивают и завихряются, выстреливают и царапают холст в абстрактных живописных движениях, которые бросают вызов любому чувству узора, захватывая, отвлекая и в конечном итоге завораживая взгляд.

Настоящая картина выходит далеко за рамки объективной фиксации действительности. Неодушевленные предметы становятся загадочными, как метафизические предзнаменования неожиданных чувств или событий. В статье, написанной в 1922 году, художник Джорджо де Кирико прямо упомянул этот поэтический аспект натюрмортов Моранди: «Эти объекты мертвы для нас, потому что они неподвижны. Но он смотрит на них с верой. Он находит утешение в их внутренней структуре — их вечном аспекте. Таким образом, он внес свой вклад в лиризм последнего важного направления в европейском искусстве: метафизику общего объекта.Как бы мы ни осознавали, что внешность обманчива, мы часто смотрим на знакомые вещи глазами тех, кто видит и не знает ». 1

Хотя последующее влияние работ Моранди на таких художников, как Энди Уорхол, Джаспер Джонс, Роберт, Райман, Агнес Мартин, Уэйн Тейбо и Люк Тюйманс широко известны, его наследие также распространяется на область скульптуры и инсталляционного искусства. Простота его композиций, логика дифференцированного повторения, последовательное расположение объектов и растущий акцент на геометрию и пространственные аспекты были предвидением развития минимализма и работ Сола Левитта и Дэна Флавина, а также последовательные работы художников-концептуалистов Он Кавара и Романа Опалка.Более того, художники, связанные с движением Света и Пространства, такие как Роберт Ирвин, отреагировали на феноменологические аспекты работ Моранди, в частности на пространственную и временную неоднозначность, возникающую в результате игры цвета и света, размытия объекта и фона и неопределенности. состояние материального наличия и отсутствия. Как и эти художники, Моранди в письме 1957 года заметил: «Единственный интерес, который пробуждает во мне видимый мир, — это пространство, свет, цвет и форма». 2

1.Джорджо де Кирико, цитируемый в Giorgio Morandi: Paintings and Prints, exh. cat., Совет по делам искусств Великобритании, Лондон, 1954, стр. 6.
2. Джорджио Моранди, письмо от 6 января 1957 г., процитированное в Эрнст-Герхард Гюзе и Франц Армин Морат, ред., Джорджио Моранди: картины, акварель, рисунки, гравюры (Мюнхен, 2008 г.), с. 15.

Доступность и цена описанных выше произведений искусства могут изменяться без предварительного уведомления.
Там, где это применимо, будет добавлен ARR.