Модные молодые фотографы с интересным инстаграмом: Шарлотта Уэльс, Джулия Нони и другие | Vogue
О некоторых из них вы уже слышали, кого-то мы упоминали, когда рассказывали о самых красивых рекламных кампаниях прошедшего года, о ком-то вы услышите впервые. Кто они, самые модные молодые фотографы, и почему вам стоит подписаться на них в инстаграме, рассказываем подробно.
Шарлотта УэльсНью-Йорк, Лондон @charlottemwales
Шарлотта Уэльс на данный момент, возможно, самый незаурядный из молодых фотографов. Ее работы, отсылающие к глянцу 80-х, иногда можно спутать с оригиналами. Шарлотта изучала изящные искусства в Лондоне в Central Saint Martins и планировала, что ее будущая художественная деятельность будет связана с политическими и общественными вопросами. После выпуска в 2008-м, когда она столкнулась с необходимостью зарабатывать деньги, решила, что будет правильнее заняться модной фотографией, нежели выставлять на продажу искусство.
Джулия НониНью-Йорк @julia_noni
Джулия Нони изучала изобразительное искусство в Дюссельдорфе, а усвоив основы дизайна, фотографии и перформанса, вернулась в родную Италию, чтобы начать карьеру фотографа. Владение цветом и композицией вместе с чуткостью к движениям, позам и жестам моделей, позволили ей добиться успеха в модной фотографии. Чутье хореографа оказалось полезно не только для эдиториалов — в 2014-м совместно с Nike она сняла кенийских бегунов в проекте Run The Way You Were Meant To — так красота движения оказалась на первом плане. С 2013-го до сегодняшнего дня Джулия успела сделать множество эдиториалов для Vogue в России, Германии, Японии и Китае, а также кампании Dior, H&M, Issey Miyake, Kenzo и Sephora.
Бен ТомсЛондон @ben_toms
Бен Томс мастерски владеет цифровой камерой, но не боится иногда экспериментировать с VHS и создавать коллажи совместно с художниками. Он снимает для Vogue еще с 2010 года, но за последние пару лет его стиль преобразился и стал узнаваемым. Возможно, за мягкие, пудровые оттенки Бена так полюбил китайский Vogue — в 2016 году он снял для них пять эдиториалов. Эдиториалы — главная работа Бена, но в его портфолио есть и несколько больших рекламных кампаний — A.P.C., MSGM, Versus и Opening Ceremony.
Зои Гертнер
Стиль Зои Гертнер отличается минимализмом, вниманием к деталям, геометрии и свету. Мастер не только модной и портретной фотографии, но и автор натюрмортов, от которых сложно оторвать взгляд, она снимает для британского Vogue, Céline, Hermès и многих других уже пять лет, и всегда с естественным светом.
В ее портфолио есть и не менее прекрасные атмосферные видео, а также две книги, посвященные красоте — Simple Pleasures и New York Flowers.
Филипп ЖаррижонПариж @philippejarrigeon
Фотографии Филиппа Жаррижона несложно узнать: яркие цвета, контраст и доля сюрреалистичности всегда присутствуют в них. Главное его увлечение — натюрморт, он находит особенный интерес во взаимодействии предметов друг с другом и с людьми. Обучение в швейцарской школе искусств ECAL позволило ему перейти от изучения индустриального дизайна к фотографии. Для Филиппа важно, чтобы фотография была не просто идеально исполнена, но и наполнена юмором, чтобы у зрителя была возможность под иным углом посмотреть на привычные вещи. Филипп одновременно занят коммерческой работой, собственными проектами и участием в выставках, а также выпуском собственного журнала. Среди его заказчиков можно выделить французский Vogue, Hermès, Chanel, Kenzo и Снуп Дога.
Амира ФрицБерлин @amirafritz
Амира Фриц, автор портретов дуэта Ibeyi для январского номера Vogue Россия, умеет с помощью аналоговой фотографии создавать образы-видения и передавать мимолетные настроения. В ее снимках сложно найти признаки времени или событий, главные герои в них — люди, география и природа, они предстают перед зрителем как будто во сне. На стиль Амиры повлияла работа механиком кинотеатра в Вене и Берлине, где она в то время изучала фотографию и, что удивительно, математику. Амира снимала для русского, немецкого и итальянского Vogue, а в 2013-м сделала кампанию китайского бренда JNBY, специально для которого отправилась в путешествие из Шанхая в Париж, находя в пути моделей и снимая их на фоне родной природы. Так она путешествовала через Монголию до берегов Байкала, через Турцию, Румынию, Венгрию, Германию и, наконец, Францию и создала серию снимков изменяющихся ландшафтов и таких же разнообразных портретов, вторящих им.
Джейми ХоксвортЛондон @jamie.hawkesworth
История популярности Джейми Хоксворта начинается с его серии фотографий о пассажирах, которых на протяжении четырех лет он встречал на автобусной остановке города Престон. В Престоне, до того как заняться фотографией, Джейми изучал судебную экспертизу и уголовный процесс, и камера понадобилась ему, чтобы снимать улики. О художественной фотографии он тогда и не думал и изучать ее начал только потому, что провалил правовой курс. Лучшие фотографии, сделанные на автобусной остановке Престона, Джейми выпустил в виде книги. Все они сняты на пленку и напечатаны вручную. Типажи, которые Хоксворт выбирает для портретов, и техническое исполнение с тех пор не оставляют в покое модную индустрию. Работу над персональными проектами Джейми совмещает со съемками для J.W.Anderson, Miu Miu, Zara, Alexander McQueen и, конечно же, Vogue. Джейми любит совмещать работу с путешествиями: кампанию Trademark весна-лето 2015 он снимал в Индии с местными подростками, для J.
Харли ВейрЛондон @harleyweir
Со 2 по 19 декабря в музее Foam проходит первая сольная выставка Харли Вейр, уже три года как задающей тон в модной фотографии. Название выставки Boundaries говорит о главном ее интересе: постоянном нарушении границ, будь то буквальная граница между Израилем и Палестиной в одноименной серии Boundaries, граница, которую пересекли беженцы, чьи палаточные лагеря в Кале она снимала для книги Homes, или же границы дозволенного и общепринятого в фотографии, особенно глянцевой. Эротизм и стремление показать красоту всего природного и естественного «роднит» ее работы с другими нарушителями: фотографом Набуеси Араки, Балтюсом и Эгоном Шиле. Харли, бывшая девушка Джейми, тоже любит путешествовать и посетила Россию пару лет назад, после чего выпустила серию Mother Russia.
Колин ДоджсонНью-Йорк, Лондон @colin_dodgson
Мягкие цвета, естественный свет и ребячливые модели — главные составляющие снимков Колина Доджсона. Помимо этого, невозможно красивая природа, закаты и рассветы, розовые оттенки. Его работы напоминают продолжение фильмов Софии Копполы, они идеальны, почти приторны. От слащавости их спасает юмор, с которым Доджсон и его модели воспринимают происходящее. Среди его трофеев — съемки для Vogue, рекламные кампании Louis Vuitton, Simone Rocha и Zara, две выставки и зин STILL LIVES.
Петра КоллинзНью-Йорк @petrafcollins
Осенью прошлого года Петра Коллинз создала видео, сопровождающее выставку Джорджии О’Кифф в галерее Тейт, интерпретировав идею повторения форм тела в природе. Уже пять лет она участвует в различных крупных выставках и снимает для Vogue, она не раз участвовала в показах и рекламной кампании Gucci, позировала Райану Макгинли.
Бенджамин ВнукПариж @benjaminvnuk
Шведский фотограф Бенджамин Внук начал снимать, вдохновляясь классиками: Ричардом Аведоном и Ирвином Пенном.
Его увлечение фотографией связано, как и у многих, с покупкой цифровой камеры. До того как начать снимать самостоятельно, он работал ассистентом Майкла Дженсена, мастера классической глянцевой фотографии. В 2016-м Бенджамин нашел свою идеальную среднеформатную камеру Mamiya RZ67 и теперь снимает на пленку, предпочитая студии природные ландшафты, старинные квартиры и загородные дома. Но, конечно, главное в его фотографиях — это необычные и утонченно-красивые девушки и юноши.
Hart+LeshkinaНью-Йорк @hart_leshkina
Творческий дуэт Эрика Харта и Тани Лешкиной создают работы, которые заставляют почувствовать дыхание тела и красоту повседневности, глубину ощущений и постоянное движение времени. Цветы, на одно мгновение застывшие в воздухе, портрет девушки, дышащий молодостью, и обнаженная фигура пожилой женщины — каждая фотография наполнена светом и ощущением свежести. В 2016-м вышла их книга Beyond the Clouds, посвященная хрупкости человеческого тела и ощущениям, связанным с ним.
Одноименная выставка прошла в Москве в Музее ART4. Среди коммерческих работ Hart+Leshkina — съемки для Vogue, COS, Fendi, рекламные кампании Levi’s и Opening Ceremony.
Коко КапитанЛондон @cococapitan
Испанка Коко полюбила фотографию еще с детства, а во время первых самостоятельных путешествий ее увлечение стало делом серьезным, когда она поняла, что может сохранить воспоминания о людях и местах, запечатлев их на снимках. Модная фотография — ее основное занятие, с помощью которого она зарабатывает на жизнь, однако внутри профессии она старается работать в первую очередь с людьми. Даже если это профессиональные модели, ее интересует индивидуальность, человеческие качества окружающих и свой собственный внутренний мир. На своей первой персональной выставке в 2014 году «Позвольте мне не представлять себя, но предоставить эту возможность вам» (Let Me Not Introduce Myself the Pleasure Is Yours) она показала серию автопортретов, в которых, по ее словам, не обязательно отражена ее личность, а скорее более отвлеченные и абстрактные идеи, как, например, потребление и природа выбора.
Коко говорит, что ее главные источники вдохновения — не изображения, а музыка и литература, но, безусловно, она оглядывается на работы старших фотографов, среди ее любимых: Марк и Тайрон Либон, Ричард Аведон, Коринн Дей, ранний Стивен Майзел, Юрген Теллер и Райан Макгинли.
Подпишитесь и станьте на шаг ближе к профессионалам мира моды.
Фотограф Олег Багмуцкий
На первый вопрос сложно ответить однозначно. Результат фотосессии — командная работа. Многое зависит от разновидности съёмки (например, во время репортажной съёмки детского дня рождения наверняка получится больше фото, нежели во время индивидуальной фотосессии), насыщенности событиями, места съёмки, работы модели, количества нарядов, времени суток и т. д.
Я стараюсь выжать максимум с каждой съёмки. Бывают фотосессии, на которых удаётся сделать больше 1000 кадров — бывают съёмки, где на выходе остаётся 400 фото, что впрочем тоже достаточно много. В наших общих интересах получить как можно больше классных снимков.
По сути сама цифра не так важна — важно количество разных сюжетов в общем наборе. Вот увидели вы у какого-нибудь фотографа информацию на сайте, что он отдаст вам 5000 фотографий со свадьбы — вместо того чтобы вестись, лучше задайте вопрос “а сколько фотографий останется, если убрать все дубли?”, потому что зачастую под общим количеством снимков фотографы подразумевают количество фото с дублями и браком. Вам нужны фото с закрытыми глазами? Ну, вот и я думаю.
То же самое касается обработанных фото. Я делаю все фотографии, которые мне понравятся. Их может быть 30 с полноценной индивидуальной съёмки, а может быть около 100.
Я стараюсь передать историю через фото, для меня важно, чтобы сюжет развивался. Очень часто я вижу съёмки других фотографов, в которых 75% снимков — повторы и дубли. Один портрет — модель смотрит прямо в камеру, следующее фото — то же самое, но взгляд направлен немного в сторону, ещё одно фото — опять портрет, но с закрытыми глазами. Почему не выбрать из всех этих фотографий одну самую удачную и не обработать её?
Та же самая история, что и с общим количеством фото, которое указывают у себя на сайтах фотографы.
Открывайте результаты недавних фотосессий и внимательно изучайте, что и как снимает фотограф. Сколько образов он делает за одну фотосессию? Много ли похожих кадров в серии?
Если вы хотите получить бесплатную консультацию, оставьте заявку. Я могу сориентировать вас по месту для фотосессии, подходящему образу и концепции съёмки.
Лучшие свадебные фотографы Москвы | Фотограф на свадьбу в Москве | Фотосъемка от лучших свадебных фотографов 2021
Наталья Легенда — профессиональный фотограф, делающий «нежные» снимки. В настоящее время занимает ведущие позиции среди свадебных фотографов России.Её работы регулярно публикуются в модных свадебных журналах различного формата: от строгой постановки с невестами до свадебных проектов в стиле «old fashion», а так же в популярных свадебных блогах, как отечественных, так и иностранных.Её фото — это часть романтического путешествия. Просматривая свои свадебные или семейные снимки в книге, вы, словно на машине времени, переноситесь в прошлое.
Максим Колибердин — один из лучших фотографов Москвы, бесконечно преданный своему делу. Он любит мягкий натуральный свет, открытые просторы со старыми деревьями и импрессионизм.На счету фотографа большое количество профессиональный достижений:вошел в топ-15 фотографов по версии Wedding Vibesпопал в топ-10 лучших фотографов по версии Simple and Beyond вошел в топ-10 по версии Veter Magazineпубликовался в таких журналах, как Weeding, Collezioni, Light, а также в зарубежных блогах на свадебную тематику: Once Wed, Style Me Pretty, Wedding Chicks, Magnolia Rouge, Weddywood, Wedding Vibes, Simple and Beyond, Veter Magazine.
Роман Иванов — свадебный фотограф, которому близка эстетика элегантной фотожурналистики. Фотография Романа — стильная и современная. В ней нет вычурной нежности, но всегда есть эмоция, неуловимая для посторонних глаз. Прочувствовать и пережить ее может каждая девушка, когда пересматривает его свадебные работы.
Настя Николаева — свадебный фотограф, создающий классические, элегантные кадры с чистым цветом.
В работах Насти ставка сделана на эстетику свадебного дня. Важным залогом успеха красивых свадебных кадров Настя считает стильный образ пары и естественную, лишь слегка подчеркнутую красоту невесты. Чувственный женский портрет можно по праву назвать ее сильной стороной.
Константин Семенихин — один из самых востребованных свадебных фотографов Москвы. Ему доверяют свои торжества топовые организаторы и самые взыскательные пары, а календарь с датами расписан не только съемками в России, но и заграницей.Свадьбы, которые снимает Константин из года в год становятся лучшими свадьбами года, печатаются во всех свадебных журналах и собирают тысячи репостов от пользователей в мировых блогах.Его работы очень универсальны и поэтому так популярны. Ведь в каждой его съемке есть место как трогательным живым эмоциям и репортажным моментам, так и красивым и стильным фэшн кадрам.
Андрей Настасенко — человек, имя которого давно стоит в ряду экспертов свадебной репортажной съемки.
Взгляду и опыту Андрея доверяют лучшие столичные агентства: он снимал свадьбу звезды лейбла Black Star – Мота, телеведущей Алёны Водонаевой в Санкт-Петербурге, Нелли Ермолаевой, актрисы Анны Хилькевич, Виталия Гогунского, певицы Риты Дакоты и Бьянки.
Марина Фадеева — Фотографы Марина и Андрей Фадеевы – творческий тандем, который высоко ценят лучшие свадебные агентства России и Европы. Их кадры украшают страницы таких изданий, как Vogue Brides, HELLO, Glamour Russia, Wed Vibes и Wedding Magazine Russia, а зарубежные съемки каждый год становятся знаковыми для всей индустрии.Марина Фадеева умеет чувствовать потенциал человека, который появляется в её объективе и раскрывает его в своих фотографиях. Она обладает тонким вкусом и стилем, которые присущие только ей. Марина влюблена в свадьбы, а когда любишь то, что делаешь, – результат всегда получается особенным.
Фотосессия в студии в Москве от профессионального фотографа — цены
Новорожденные
Мы снимаем нежные портреты ваших новорожденных малышей в комфортных условиях у вас дома или в удобной фотостудии в Москве.
Одна из самых сложных задач в фотосессии новорожденных младенцев – получение креативных кадров малыша. Фотограф должен обладать дюжим терпением, чтобы запечатлеть трогательные моменты улыбки или других эмоций вашего чада. Мы знаем уловки, необходимые для фотосъемки таких особых моментов. Независимо от того, спит ли малыш или бодрствует, профессионал может снять несколько запоминающихся кадров. Фотосъемка новорожденных – это популярная и востребованная многими родителями услуга в Москве.
Один из огромных плюсов фотосессии новорожденных – это удобство. Фотограф приходит домой к родителям с качественным светом и фотооборудованием. Родителям и ребенку даже не нужно выходить из дома.
Обычно новорожденные дети спят по 2-3 часа в перерывах между процедурами кормления. Мы подстраиваем фотосъемку под жизненный цикл ребенка и по вашему желанию можем снять особые моменты во время кормления. Как уже говорилось ранее, фотосессия новорожденных требует креативного подхода.
Профессионал нашего уровня может снять лучшие кадры сна и пробуждения ребенка. Именно новорожденные младенцы производят самое ангельское впечатление.
Дети
Несмотря на то что как родитель вы склонны запоминать значимые события в жизни вашего ребенка, такие, например, как дни рождения, тем не менее детская фотосессия помогает подчеркнуть и сохранить важные вехи в жизни малыша. Например, заказав фотосессию ребенка на первый день рождения, вы можете повторить ее на второй и наглядно увидеть прогресс, который происходит год от года в развитии вашего малыша.
Очевидное преимущество в привлечении детского фотографа – это профессиональный уровень фотографий, которые без всякого сомнения будут впечатлять ваших друзей и всех членов семьи. Работая с детским фотографом, вы получите снимки с красивым задним планом и высоким качеством, которые без сомнения украсят ваш семейный альбом.
Мы проводим профессиональные детские фотосессии в студиях Москвы или же выездные фотосессии на природе.
Чаще всего это популярные фотолокации Москвы, такие как парки, рощи и т.п., а также мы можем выехать на локацию, предложенную вами.
Детство – прекрасная пора для фотосъемки и заказа детского фотографа, который даст вам шанс не упустить ни минуты и запечатлеть все волшебные моменты!
Фотографы Российской империи
Искусство фотографии в России развивалось стремительно. Уже в 1880-е появился жанр публицистического фоторепортажа и первый профессиональный журнал. Русские фотографы участвовали в международных выставках и получали престижные награды. «Культура.РФ» знакомит с первопроходцами в области фотоискусства.
Первый русский фотограф: Алексей Греков
Оригинальная камера Луи Дагера. Фотография: monochromepopgroup.com
Алексей Греков. Фотография: slavnyeimena.ru
Дагерротип «Мастерская художника». 1837. Фотография: itnan.ru
Полиграфист Алексей Греков остался в истории как пионер портретной фотографии и изобретатель российского фотоаппарата.
Он первым из русских мастеров освоил способ получения негативного изображения на бумаге (калотипию).
В 1840 году, через несколько месяцев после открытия французским изобретателем Луи Дагером дагеротипии, Греков сделал ее более доступной, а само изображение — более прочным. Он первым в мире стал наносить слой серебра (а позднее золота) на медные пластинки с помощью гальванопластики (гальванопластика — способ копирования при помощи химического процесса. — Прим. ред.). В этом же году он открыл «художественный кабинет» портретной фотосъемки — первый в России.
Фотограф Их Императорских Величеств: Сергей Левицкий
Группа писателей журнала «Современник». Слева направо стоят: Лев Толстой и Дмитрий Григорович; сидят: Иван Гончаров, Иван Тургенев, Александр Дружинин и Александр Островский. Санкт-Петербург, 1856 год. Фотография: Сергей Левицкий / Государственный музей Л.Н. Толстого, Москва
Сергей Левицкий. Фотография: stereoscop.ru
Портрет Николая II с женой Александрой Федоровной и дочерью Ольгой.
Санкт-Петербург, 1896 год. Фотография: Сергей Левицкий / Мультимедиа Арт Музей, Москва
Еще один первопроходец русской фотографии — Сергей Левицкий. Свои первые снимки начинающий фотограф сделал во время экспедиции на Кавказ в 1842 году — после этой поездки он оставил службу в канцелярии и полностью посвятил себя фотографии.
А здесь читайте про любимых архитекторов российских императоров
Во время путешествия по Риму он сфотографировал русскую общину — этот снимок единственный, на котором запечатлен Николай Гоголь. Ему также принадлежит коллективная фотография авторов журнала «Современник» с Иваном Тургеневым, Дмитрием Григоровичем, Львом Толстым, Николаем Островским и Иваном Гончаровым.
В Санкт-Петербурге Сергей Левицкий держал дагеротипную мастерскую. Одним из первых он начал делать фотографические коллажи и ретушировал негативы. В 1847 году по его эскизам сконструировали камеру с мехами («гармошкой»), которая облегчила фокусировку и снизила вес аппарата.
В объективе Левицкого были Николай I, Мария Александровна, Александр II и другие царские особы — фотограф запечатлел четыре поколения монаршей семьи. В 1877 году Левицкому и его старшему сыну Льву, который работал вместе с отцом, присвоили звание «Фотографы Их Императорских Величеств».
Автор первого фотоальбома: Андрей Деньер
Актриса Валентина Лин. Петроград, 1915 год. Фотография: Андрей Деньер / Мультимедиа Арт Музей, Москва
Иван Крамской. Портрет Андрея Деньера (фрагмент). 1883. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Публицист Иван Аксаков. Санкт-Петербург, последняя четверть XIX века. Фотография: Андрей Деньер / Музей-заповедник «Усадьба «Мураново» им. Ф.И. Тютчева», Московская область
Андрей (Генрих) Деньер также работал в Петербурге. В 1842 году он стал вольноприходящим студентом в Императорской Академии художеств на курсе исторической живописи у Карла Брюллова, в это же время увлекся фотографией. После окончания учебы он открыл «Дагеротипное заведение художника Деньера» на Невском проспекте.
В 1860-х успешный фотограф-портретист уже занимал призовые места на выставках и выступал на них экспертом, а в 1860 году был удостоен звания «Фотограф Его Императорского Величества».
Андрей Деньер первым сделал фотоальбом со снимками деятелей искусства: в 1865 году вышли 12 изданий «Альбома фотографических портретов известных лиц России». Деньер запечатлел Федора Тютчева, Ивана Аксакова, Афанасия Фета, Тараса Шевченко.
Андрей Деньер всегда экспериментировал с фотографированием. Он работал с витротипией — «фотографией на стекле». Также мастеру принадлежит метод, который назвали «эффект Деньера»: фотограф печатал изображение с двух негативов. Так он добивался мягких, нерезких контуров.
Первый русский фотохудожник: Андрей Карелин
Игра в жмурки на балконе. Нижний Новгород, 1890-е годы. Фотография: Андрей Карелин / Архив аудиовизуальной документации Нижегородской области, Нижний Новгород
Автопортрет. Нижний Новгород, 1890-е годы. Фотография: Андрей Карелин / Государственный ордена Почета музей А.
М. Горького, Нижний Новгород
Нижний Новгород. Кремлевская стена с Часовой, Северной и Ивановской башнями. Нижний Новгород, 1890-е годы. Фотография: Андрей Карелин / Архив аудиовизуальной документации Нижегородской области, Нижний Новгород
В детстве будущий основоположник художественной фотографии Андрей Карелин учился иконописи. Способного ученика из Тамбова направили в Санкт-Петербург в Императорскую Академию художеств. После выпуска Карелин стажировался у Михаила Настюкова — официального фотографа будущего государя Александра III.
В 1869 году Андрей Карелин открыл собственный фотосалон в Нижнем Новгороде. Он делал портреты герцога Эдинбургского, художника Василия Верещагина, музыканта Николая Рубинштейна, ученого Дмитрия Менделеева и других известных личностей. Карелин часто экспериментировал с фокусным расстоянием и глубиной резкости, благодаря чему добился естественности и соразмерности деталей. Он снимал на расстоянии семи метров, не теряя при этом четкости изображения.
В 1876 году «За изобретенный особый способ фотографии» мастеру присвоили звание фотографа Императорской Академии художеств.
Как художник, Андрей Карелин старался приблизить свои работы к лучшим произведениям живописцев. В 1886 году вместе с Иваном Шишкиным он создал альбом «Нижний Новгород» с раскрашенными акварелью фотографиями местного дворянства и купечества — экземпляр, подаренный Александру II, хранится в Государственном Русском музее.
«Карелин первым доказал всему миру своими многочисленными фотографическими этюдами-композициями, что художество и фотография стоят в самой близкой непосредственной связи, что фантазия художника-фотографа, его изящный вкус в выборе сюжетов-картин, полных мысли, могут быть осуществлены фотографией».
Летописец петербургской жизни: Карл Булла
Слева направо: хирург Николай Пирогов, критик Владимир Стасов, писатель Максим Горький и художник Илья Репин в саду в «Пенатах». Куоккала, Выборгская губерния, 1905 год.
Фотография: Карл Булла / Мультимедиа Арт Музей, Москва
Карл Булла. Фотография: russia-maritime.ru
Празднование 300-летия дома Романовых. Император Николай II принимает хлеб-соль от жителей Костромы. Кострома, 1913 год. Фотография: Карл Булла / Павловский исторический музей, Павлово, Нижегородская область
Петербургского фотографа Карла Буллу называют отцом репортажного фотоискусства и летописцем петербургской жизни. Он одним из первых получил разрешение на уличную фотосъемку и стал единственным фотографом, кто был удостоен нагрудного знака «Фотограф Санкт-Петербурга». В 1883 году в своей лаборатории он производил сухие броможелатиновые пластины — его изобретением пользовались по всему миру.
Знакомьтесь с журналами и газетами, которые выходили в дореволюционной России
На своих снимках Булла запечатлел значимые события России: спуск на воду крейсера «Аврора», наводнение 1903 года в Санкт-Петербурге, празднование 300-летия дома Романовых, революцию 1917 года.
Позднее в собственной типографии он печатал открытки с видами столицы. Булла-репортер снимал для газет и журналов «Нива», «Огонек», «Столица и усадьба», немецких Die Woche, Illustrirte Zeitung.
Карл Булла снимал также и портреты. В его объектив попали император Николай II, Петр Столыпин, Максим Горький, Федор Шаляпин и Александр Куприн, Илья Репин, Матильда Кшесинская. К 80-летию Льва Толстого фотограф сделал более 100 снимков.
Фотограф-гравер: Альфред Федецкий
Портрет гимназиста. Харьков, Харьковская губерния, 1894 год. Фотография: Альфред Федецкий / Мультимедиа Арт Музей, Москва
Софья Людвиговна Делла-Вос. Харьков, Харьковская губерния, 1898 год. Фотография: Альфред Федецкий / russiainphoto.ruПортрет девушки. Харьков, Харьковская губерния, 1891 год. Фотография: Альфред Федецкий / Мультимедиа Арт Музей, Москва
Альфред Федецкий закончил фотографический институт при Академии художеств в Вене. Позже он переехал в Киев и стал работать в фотоателье Влодзимежа Высоцкого, где его вскоре назначили управляющим и доверили делать фотографии высочайших особ.
В 1886 году Федецкий перебрался в Харьков — фотографический центр Юга России. Там он открыл собственное фотоателье. Федецкому принадлежат фотографии членов императорской фамилии, Иоанна Кронштадтского, Петра Чайковского, Ивана Айвазовского. В 1888 году на Всемирной выставке в Брюсселе Федецкий получил золотую медаль, а за кадры с крушения императорского поезда около станции Борки «Высочайшую благодарность» Императора Александра III.
Жанровые, пейзажные и портретные фотографии он старался приблизить к живописным рисункам. В 1901 году мастер изобрел новый способ съемки, который позволял имитировать гравюру на цветном металле.
«Действительно, новый род съемки, изобретенный Федецким, дает поразительное анатомическое свойство, сохраняя экспрессию, характер, отсветы кожи и малейшие изгибы лица. Глядя на эти снимки, никто не скажет, что это — фотография, а не превосходная, старинная гравюра. И замечательно, что чем пристальнее и дольше вглядываешься в эти снимки, тем сильнее их впечатление, тем больше они нравятся»
Фотограф-публицист: Максим Дмитриев
Общий вид ярмарки во время половодья.
Нижний Новгород, 1890-е годы. Фотография: Максим Дмитриев / Архив аудиовизуальной документации Нижегородской области, Нижний Новгород
Максим Дмитриев. Фотография: zagopod.com
Сормово. «Мышьяковка» и нефтяные баки. Нижний Новгород, 1890-е годы. Фотография: Максим Дмитриев / Архив аудиовизуальной документации Нижегородской области, Нижний Новгород
Основатель социальной и публицистической фотографии в России Максим Дмитриев учился профессии у московского фотографа Михаила Настюкова. В 1879 году Дмитриев перешел в фотоателье Лейбовского в Нижнем Новгороде, а через два года стал помощником Андрея Карелина — тогда уже известного на весь мир.
Максим Дмитриев фотографировал старинные памятники Волжского края, местности, охваченные бедствием. Фотографии города вошли в альбом «Неурожайный 1891–1892 год в Нижегородской губернии». Позднее эти фотографии проиллюстрировали книгу историка Василия Чешихина «Лев Толстой и голод». Рискуя здоровьем, Дмитриев снимал врачей и сестер милосердия, которые лечили больных тифом, разоренные деревни, ночлежки.
Работы мастера оценили золотой медалью на Парижской международной фотографической выставке и почетным дипломом на выставке в Амстердаме.
«…Спешу написать Вам эти немногие строки, но мне довольно их, чтобы сказать Вам, что я в неописанном восторге от Ваших фотографий, особенно от «картин голодного года». Я ничего подобного не видел нигде в Европе, — а смею сказать, я много видел и здесь и в Европе».
В объективе Максима Дмитриева были почти все важные события Нижнего Новгорода: визит Николая II, 300-летие дома Романовых в 1913 году. Дмитриев часто фотографировал Максима Горького, Федора Шаляпина, Исаака Левитана, Константина Маковского, Ивана Бунина, Леонида Андреева, Владимира Короленко. Также он создал самый длинный в мире фоторепортаж: он запечатлел почти каждые четыре километра реки Волги и ее окрестностей.
Пионер цветной фотографии: Сергей Прокудин-Горский
Сиротки. 1905 год. Фотография: Сергей Прокудин-Горский / Мультимедиа Арт Музей, Москва
Крым.
Таврическая губерния, 1900-е годы. Фотография: Сергей Прокудин-Горский / Мультимедиа Арт Музей, Москва
Крестьянские дети. 1906 год. Фотография: Сергей Прокудин-Горский / Мультимедиа Арт Музей, Москва
Изобретатель цветных фотографий Сергей Прокудин-Горский учился в Императорской Военно-медицинской академии и Академии художеств. Его всегда увлекала фотография: результаты своих исследований он размещал в тематическом журнале и книгах по фотографии. В 35 лет Прокудин-Горский стал членом фотографического отдела Императорского Русского технического общества — он регулярно делал доклады о своих исследованиях в области фотографии.
Больше фотографий Прокудина-Горского — по ссылке
В 1900 году черно-белые снимки Прокудина-Горского участвовали во Всемирной Парижской выставке, а через год он открыл «фотоцинкографическую и фототехническую мастерскую» в Петербурге. Настоящая революция в области фотоискусства началась с его статей о принципах воспроизведения цвета.
Прокудину-Горскому первому в России удалось получить цветное изображение — качество его снимков превосходило даже иностранные. Уже с 1903 года он фотографировал виды и людей Российской империи в цвете. Мастеру принадлежат знаменитые снимки начала XX века: Лев Толстой в Ясной Поляне, команда парохода «Шексна», эмир Бухарский в Узбекистане, крестьяне из разных уголков страны.
Мастер русской светописи: Сергей Лобовиков
Окраина города Вятки. Вятка, Вятская губерния, 1903–1906 годы. Фотография: Сергей Лобовиков / Вятский художественный музей имени В.М. и А.М. Васнецовых, Киров
Сергей Лобовиков. Фотография: vyatkawalks.ru
Домовница. Вятка, Вятская губерния, 1909–1910 годы. Фотография: Сергей Лобовиков / Мультимедиа Арт Музей, Москва
Сергей Лобовиков начинал работать в фотоателье купца Петра Тихонова в Вятке. В 24 года, в 1894 году, он открыл собственную фотомастерскую. В своем фотоателье Лобовиков установил электроподсветку, которая позволяла ему фотографировать не только при дневном свете, но также в пасмурную погоду и вечером.
Это было редкостью в то время.
В 1908 году Сергей Лобовиков стал председателем Вятского фотографического общества. За живописные фотографии крестьянского быта, портреты детей и сельские пейзажи он удостоен бронзовой медали на Парижской Всемирной выставке. «Я — фотограф мужицкий. Мой объект — мужик. Быт его меня интересует со всех сторон», — говорил мастер. Через два года фотографа избрали почетным членом Лондонского общества изящных искусств.
«Какая была цель и идея, руководившая мною в течение всей моей жизни? Эта цель — поднять, сколько позволят мои силы, фотографическое искусство прежде всего в нашем захудалом городишке, а может быть, и больше».
Первая русская женщина-фотограф: Елена Мрозовская
Портрет актрисы театра Суворина. Санкт-Петербург, 1894–1910 годы. Фотография: Елена Мрозовская / Мультимедиа Арт Музей, Москва
Елена Мрозовская. Фотография: stereoscop.ru
Вера Комиссаржевская в роли Поветовой в спектакле «Две судьбы».
1900-е годы. Фотография: Елена Мрозовская / russiainphoto.ruФотограф-любитель из Санкт-Петербурга Елена Мрозовская училась фотоискусству в Париже у известного французского мастера Надара. В 1894 году она открыла собственную художественно-фотографическую мастерскую на Невском проспекте. В объективе Мрозовской были Николай Римский-Корсаков, Вера Комиссаржевская, Александр Глазунов, Матильда Кшесинская.
«Мне думается, что в основу работы каждого портретиста, и профессионала в особенности, должна непременно быть положена известная идейность исполнения, и в действительности оно так и есть, и таких фотографов совершенно правильно называют фотографами-художниками. Их очень немного, не только в России, но и во всем мире и к числу их принадлежит и Е.Л. Мрозовская, за которой имеется еще и та особенность, что из женщин она пионерка в этой отрасли искусства».
Елена Мрозовская была официальным фотографом Санкт-Петербургской консерватории: ей принадлежат первые снимки интерьеров учебного заведения.
Она засняла знаменитый маскарад в Зимнем дворце в 1903 году: один из снимков — тонированный портрет княгини Ольги Орловой с кокошником — находится в Эрмитаже.
Автор: Ирина Малахова
Удаленная фотосессия: как это работает
Оказавшиеся в самоизоляции люди придумывают все новые способы развлекаться. В соцсетях началась волна любительских фотосессий — пользователи публикуют снимки, сделанные профессионалами при помощи Skype, Zoom и FaceTime. Как фотографы зарабатывают на удаленке и почему фотографии на вебку лучше селфи — в материале «Газеты.Ru».
В соцсетях на аватарках пользователей и в сториз стали появляться загадочные черно-белые скриншоты плохого разрешения, на которых люди запечатлены в пространстве собственной квартиры. Эти кадры сделаны в результате онлайн-фотосессии на веб-камеру — фотограф и модель при этом находятся в разных домах, а порой и странах, и общаются по видеоконференции.
Первым тренд запустил итальянский журнал Vogue, который провел такую фотосессию по FaceTime при участии модели Беллы Хадид.
Фотограф, стилист и аранжировщик фотосессии работали на расстоянии, Белла оставалась у себя в квартире, одежду для съемок ей принес курьер. На игривых снимках девушка запечатлена в леопардовой кофте и с воздушным шариком. Эта фотосессия пародирует кривляние перед зеркалом тех времен, когда в широкой продаже только появились доступные по цене зеркальные камеры — фотосессии перестали быть уделом профессиональных моделей, и девочки-любители бросились снимать себя в отражении.
Сейчас такие фотосессии приобрели особое значение: наконец-то появился повод снять надоевшую пижаму и нарядиться, а заодно запечатлеть момент карантина, чтобы вспоминать потом и радоваться свободе. На Иру Плотникову, PR-менеджера агентства Vinci Agency, фотосессия, например, оказала «психотерапевтический эффект». Она сфотографировалась с собакой, которую успела взять из приюта как раз накануне карантина.
«У меня сейчас важный период в жизни, который хотелось как-то увековечить, но времени все не было. Есть внутренний страх перед фотосессиями, каждый раз находишь какие-то отговорки, чтобы перенести на потом, а тут увидела, что знакомый фотограф предлагает такие съемки в Zoom, — рассказала Ира «Газете.Ru».
— Можно комфортно у себя дома сфотографироваться. Технически ситуация осложняется, но психологически это более удобный формат: ты видишь на экране себя, не видишь при этом фотографа, находишься наедине с голосом, который тебя направляет».
close
100%
Мария Рожкова
Фотограф Мария Рожкова рассказала, что при онлайн-съемке ее модели «не чувствуют себя так же беззащитно, как во время обычной съемки», кроме того, они у себя дома, где привычнее, чем в фотостудии. По словам Марии, это психологически безопаснее и проще. Цена такой фотосессии ниже на 30% от средней стоимости, что делает ее еще доступнее.
«Минус в том, что мы с клиентом технически ограничены качеством изображения, которое зависит от веб-камеры и пространства, где находится клиент, — пояснила Мария. — У каждого из них разные по качеству устройства и разные комнаты, это приходится учитывать при съемке». Процесс занимает примерно час.
Для фотографов работа в таких условиях — определенный вызов. Технология отличается. Кто-то, как Мария, снимает на цифровую камеру экран компьютера, кто-то делает принтскрин экрана в Zoom. Самая популярная программа — FaceTime, потому что она позволяет делать снимок собеседника, что облегчает процесс. Но FaceTime можно установить только на MacBook или IPhone.
По словам фотографа Жени Акоповой, прежде всего она просит клиента показать квартиру, чтобы она могла сориентироваться — при этом ей приходится руководить человеком, которого она собирается снимать, и стараться его разговорить.
«Не так просто выстроить кадр и свет, когда они не в твоей власти — контроль фотографа в данном случае теряется, — говорит фотограф.
— Личный контакт тоже важен. Возрастает ответственность героев съемки. Я многого от них требую — как поставить телефон, как встать самому. Из плюсов — можно поснимать людей в их естественной среде обитания».
close
100%
Соня Шайдуллина, руководитель отдела контента в Deutsche Medizinische, давно хотела попасть к Жене на съемку и нашла время сейчас, когда ее работа, связанная с медтуризмом, приостановилась. «Разница в том, что всем вдруг стал интересен собственный дом. Фотосессия стала более интерактивной для модели. Теперь я придумываю, куда поставить фотографа из телефона, а не наоборот. А то у меня селфи-палки нет…». В этой съемке Соне хочется запечатлеть состояние «Я сижу дома пятую неделю», а заодно «напомнить о себе всем и каждому, раз сейчас нет фотографий с солнечных весенних улиц». Теперь она думает повторить фотосессию на рассвете и на йога-коврике.
Фотосессии стали более интимными, ведь теперь в пространство кадра помещается не только сама модель, но и ее дом, который она вынуждена выставлять на всеобщее обозрение.
Раньше интерьеры домов попадали на снимки только во время фотосессий звезд для глянцевых журналов. «Люди открывают двери в свой дом, это уже другой уровень доверия к фотографу», — считает фотограф Олег Любарский. — Приватное становится публичным».
Фотограф придумал несколько технологий удаленной съемки. «Когда я запустил услугу, я предложил сразу два варианта. Первый — международный, когда мы снимаем через FaceTime. Второй вариант я придумал сам для тех, кому важно качество изображения. В этом варианте мы созваниваемся по видео, я выбираю нужный ракурс, а потом модель сама выстраивает этот ракурс на своей камере со штативом. Я параллельно рядом подсказываю, как лучше встать правильно, — рассказал Олег. — Первый вариант более популярен, но качество хуже и модели приходится замирать в каком-то положении, как в XIX веке, так как объектив телефона или веб-камеры медленно фокусируется во время звонка».
close
100%
Олег Любарский
«Поначалу мне казалось, что это не серьезная фотосессия, а баловство. Но в процессе съемок понял, что разницы в принципе нет: времени на подготовку, съемку и обработку фотографий тратится не меньше, экономится только время на дорогу», — объяснил фотограф.
Олег допускает, что продолжит проводить онлайн-фотосессии и после отмены карантина, поскольку такой формат подразумевает выход на международную аудиторию, а также позволяет работать на расстоянии: «Сейчас неслыханные вещи становятся обыденностью. Многие профессиональные фотографы относятся к такому формату как к баловству, но в начале XX века к искусству фотографии относились так же. Проходит время и многие вещи входят в обиход».
По мнению Олега, такой формат съемки станет одним из видов услуг у многих фотографов и скорректирует политику глянцевых журналов: «Если раньше все стремились к качественным кадрам, снятым на зеркальную камеру, то сейчас у всех телефоны с мощными камерами.
Наступила стадия, когда мы привыкли к определенному качеству снимков. Пафосными фотосессиями уже никого не удивить. Все больше модных журналов проводят максимально естественные фотосъемки без суперглянца. А что может быть более естественным, чем съемка дома?»
Одним из первых оригинальность онлайн-съемок подметил итальянский фотограф Алессио Альби, сотрудничающий с Vogue. На его снимках видно окошко из видео-конференции, а плохое качество придает им естественности и оригинальности.
Мария Рожкова считает, что онлайн-съемка позволяет сделать технические особенности эстетической изюминкой.
«Пикселизированные, не всегда четкие изображения с цифровым зерном выглядят очень интимно, словно кто-то внимательный и чуткий наблюдает за жизнью человека. А еще эти визуальные эффекты напоминают перезаписанные копии VHS-кассет из 90-х, видео, снятые с экрана телевизора. В этом есть что-то одновременно современное и ностальгическое», — говорит фотограф.
Фотограф Маша Кушнир живет в Израиле, в Хайфе. Изначально она не планировала зарабатывать онлайн-съемками, коммерческим проект стал в процессе. Для нее это возможность работать с моделями из разных стран: «Все началось с того, что я просто звонила в Тель-Авив, Москву, Берлин, Будапешт — подругам , по которым соскучилась. Я снимала их через FaceTime, используя съемку как повод просто поболтать и выкроить время друг для друга. Мне нравилось, что после этих звонков казалось, будто я сходила в гости, побывав в дорогих мне квартирах близких людей. Чуть позже это выросло в проект «FaceTime times» с расширенным составом участников и городов».
Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки | Уильям Кляйн
Уильям Кляйн (р. 1928) — американский фотограф, признанный одним из ста самых влиятельных фотографов в мире, и кинорежиссер, автор более двадцати художественных и документальных фильмов. На протяжении десяти лет — с 1955 по 1962 — был штатным фотографом журнала Vogue. Обладатель Премии Надара (1957) и Премии Хассельблад (1990).
Серия о Нью-Йорке была задумана Кляйном как фотографический дневник его возвращения в родной город. Уехав в 18 лет воевать в Европу, после войны он остается в Париже изучать живопись и начинает работать в мастерской Фернана Леже. Именно у Леже, тогда еще в качестве художника-декоратора, он усваивает принцип работы, который впоследствии станет его визитной карточкой: выходить из мастерской и работать в контексте города. Вначале фотография увлекает его как новый путь развития его абстрактной живописи, но постепенно она, по его же словам, открывает ему глаза на окружающий мир. Свои ощущения от возвращения в Нью-Йорк после восьмилетнего отсутствия он описывает как некий транс, зафиксированный с помощью фотоаппарата.
Уже самые первые эксперименты Кляйна с фотографией, основанные исключительно на знаниях живописца и с минимальными навыками обращения с камерой, нравятся главному редактору журнала Vogue Алексу Либерманну — и он предлагает ему работу. Никогда не интересовавшийся фэшн-фотографией, Кляйн принимает предложение — и этот шаг определяет все дальнейшее развитие фотографии моды. Именно Кляйн впервые отказался от постановочного света, начал снимать моделей прямо на улице и работать в «псевдорепортажной» манере.
Работа в глянце позволяла Кляйну делать независимые проекты — и первым из них стал именно «Нью-Йорк». Несмотря на то, что Vogue спонсировал производство работ, в публикации книги было отказано. Кляйн называл эту съемку «жестоким дадаистским наскоком на город», но общественность не приняла этот агрессивный образ. Вызывающая «непрофессиональность» фотографий — зерно, контраст, размытость, съемка широкоугольным объективом крупных планов, — и непохожесть на классические снимки города, переплетались с отчаянно субъективным взглядом, который смотрел на мегаполис с феноменальной документальной резкостью. «Жалкая, развращенная, неуютная берлога, средоточие всей мировой тревоги» — Нью-Йорк предстал образами малолетних обитателей Гарлема, цыган, напыщенных посетителей ночных клубов, домохозяек, сметающих продукты в супермаркете, людских толп и пошловатых рекламных вывесок. Кляйн подходил к жителям Нью-Йорка как антрополог, исследующий повадки аборигенов.
В отличие от Америки, Европа безоговорочно приняла этот новый образ Нью-Йорка — и в 1956 году книга вышла в свет в парижском издательстве. Ее название было в духе рекламных слоганов: Life is Good and Good for You in New York («Жизнь хороша и хороша для Вас в Нью-Йорке»). Этот альбом сделал Уильяма Кляйна знаменитым, открыв новую страницу в фотоискусстве и навсегда изменив его.
пять молодых фотографов запечатлевают новую россию
Русское творчество всегда было посвящено изображению и абстрагированию реальности по мере того, как она трансформируется в политике и культуре. В 20-х годах авангард создал современное искусство, отражающее модернизирующееся общество. Во время последовавшего затем репрессивного сталинского движения соцреализма акцент сместился на изображения пролетариата. В 90-е художники задумывались о поглощении и переосмыслении Запада.
Спустя четверть века после распада Советского Союза первое поколение, которое родится после падения коммунизма, вступает в творческий возраст.В стране, известной своим богатым культурным наследием, многие молодые художники задаются вопросом, как они могут представить русскую идентичность новому поколению. Мы встречаемся с некоторыми из восходящих звезд, которые используют фотографию, чтобы понять меняющийся мир вокруг них.
Гоша Павленко, Москва
Почему фотография так важна в России сегодня?
Это может помочь создать новую культуру, которая нам действительно нужна. На мой взгляд, у нас в России до сих пор нет современной культуры.У нас много старых культурных вещей, таких как Достоевский и Маяковский, но у нас нет ничего для нашего поколения. А творчество, скажем, с помощью фотографии, может помочь выработать новые принципы современной культуры; изменение всегда связано с творчеством.
Как изменилось творчество в России со времен Советского Союза?
Когда распался Советский Союз, россияне по-настоящему жаждали новых впечатлений. Речь шла о поглощении всего, что они могли увидеть с Запада в плане музыки, видео, фильмов, фотографии и моды.Честно говоря, я должен сказать, что каждое творческое движение в России того периода было связано с переосмыслением Запада; все продумывали эти видения. Теперь есть оригинальность.
Каковы ваши надежды на будущее российской фотографии?
Я действительно надеюсь, что мы сможем разработать собственное видение. Например, вы можете выбрать фотографию из школ Скандинавии, Великобритании, Парижа и Италии. Я очень хочу, чтобы мы создали свой собственный фотографический стиль, чтобы люди могли смотреть на наши фотографии и сразу понимать, что они сделаны в России.
@goshapavlenko
Дмитрий Пирахин, Санкт-Петербург
Ваши фотографии обладают такой мощной энергетикой. Как вы думаете, откуда это взялось?
Энергия — это единственное, что я пытаюсь показать. Это как музыка, когда она заставляет двигаться. Я хочу дать людям энергию своими снимками. Более того — я хочу изменить энергию своими фотографиями. Я пытаюсь улучшить энергию моих зрителей, дать им возможность ожить, хотя бы на минуту, пока они смотрят мои работы.
Как изменилось творчество после распада Советского Союза?
Это только мое мнение, но я думаю, что творчество пришло в упадок со времен Советского Союза.Во времена Горбачева и перестройки люди переживали тяжелые перемены — они могли протестовать, бороться и сопротивляться. Но сейчас Россия политически лучше, чем в прежние времена, и теперь мы чувствуем себя комфортно в нашей жизни, поэтому фотографии теперь начинают приедаться, потому что в них отсутствует страсть. Бороться не за что, а самое главное искусство рождается из страсти или боли.
Маргарита Смагина, Санкт-Петербург
Почему в вашей работе говорится о современной России?
В России много предрассудков.Своей работой я пытаюсь расширить кругозор тех, кто видит, что я делаю. Я передаю русскую субкультуру, которая представляет собой смесь советского модернизма и зарубежной поп-индустрии. Горбачев и Элвис Пресли, такой хороший коктейль.
По вашему мнению, феминизм в России изменил творчество?
Феминизм в России позволил реализовать женщин, и это супер круто — иначе я бы осталась дома с десятком детей и работала бы на фабрике, возможно, к настоящему времени даже умерла бы.Я на стороне феминизма, равноправия и поощрения равного труда, но без фанатизма. В моей работе практически все создается моими женщинами — моими стилистами, моделями, визажистами и парикмахерами.
Какая самая большая творческая борьба России?
В России есть небольшое количество людей, которые занимаются творчеством, потому что только недавно дали нам зеленый свет (работать). У старших поколений сложился стереотип, что искусство — это своего рода тунеядство. Поэтому они разрушают зачатки творческих способностей в раннем детстве, и людям просто не хватает смелости заниматься творчеством.А те, у кого хватит смелости, уезжают из страны.
@smaginamargarita
Лекса Ким, Москва
Что ваша работа говорит о России?
Если вы путешествуете за пределами больших городов, таких как Москва, вы окажетесь в тронах бывшего Советского Союза, где есть множество индивидуальных субкультур. Здесь одевание особым образом или с любым присутствием или индивидуальностью может вас избить. Своими работами я хочу показать, что русские действительно очень самобытны, что в России есть особая, а главное — неповторимая мода и стиль.Я хочу донести до Запада, что мы не дикари и на самом деле являемся частью мира моды, как и все остальные.
Ваше поколение первым выросло с Интернетом. Как это изменило ситуацию в России?
Глобализация стирает границы, и Россия больше не холодная страна, оторванная от цивилизованного мира. Он самобытный, но в то же время открыт для всех. Уровень искусства вырос, достигнув уровня остального мира.Для меня это размыло границы общения, больше не имеет значения, где вы находитесь. Это делает мир очень маленьким и открывает новые горизонты и новые возможности.
Каковы ваши надежды на будущее творчества в России?
Я думаю, что страна находится в хорошей отправной точке для создания и развития глобальных культурных ресурсов. А поскольку наше искусство оригинально, я не берусь прогнозировать его развитие и путь, по которому оно пойдет.
@lexakim
Кредиты
Текст Алекс Манатакис
Мультимедиа Арт Музей, Москва | Фестивали
Мультимедиа Арт Музей, Москва | Фестивали | Мода и стиль в фотографии 2021XII Московская международная биеннале
Выставок
Мест
- Все
- Мультимедиа Арт Музей
- Центральный выставочный зал Манеж
27.04 — 11.07
Мультимедиа Арт Музей
02.06 — 29.08
Мультимедиа Арт Музей
02.06 — 22.08
Мультимедиа Арт Музей
27.04 — 09.07
Мультимедиа Арт Музей
02.06 — 29.08
Мультимедиа Арт Музей
02.06 — 11.07
Мультимедиа Арт Музей
27,04 — 29,08
Мультимедиа Арт Музей
27.04 — 11.07
Мультимедиа Арт Музей
09.06 — 28.07
Центральный выставочный зал Манеж
09.06 — 28.07
Центральный выставочный зал Манеж
09.06 — 28.07
Центральный выставочный зал Манеж
09.06 — 28.07
Центральный выставочный зал Манеж
09.06 — 28.07
Центральный выставочный зал Манеж
Свадебные фотографы в Москве | Лучшие свадебные фотостудии
Эти профессиональные фотографы запечатлевают хорошее естественное освещение, красивые детали и трогательную атмосферу на своих снимках.Результатом их работы стала фотография, отражающая уникальность и индивидуальность каждой пары. Они финалисты и обладатели престижных наград, и они находят вдохновение для съемок во время путешествий, съемок свадеб в разных знаменитых уголках мира. Смотрите информацию об услугах фотографов, отзывы и портфолио на их личных страницах.
Свадебная фотосессия или концептуальная фотография в студии — любимая работа этих фотографов. Здесь проект TOP15MOSCOW представляет имена лучших профессионалов, которые действительно прославились и стали лучшими в фотоиндустрии.
Это — Андрей Байда, Константин Семенихин, Галина Набатникова, Михаил Харламов, Лилия Горланова, Андрей Настасенко, Сергей Запорожец, Наталья Легенда, Дмитрий Марков, Марина Фадеева, Алексей Киняпин, Катя Мухина, Максим Колибердин, Катя Михайлова, Игорь Луна.
Художественный свадебный фотограф Екатерина Романова
Больше всего Катя любит делать интересные снимки, общаться с другими, исследовать окружающий мир. На каждой свадьбе, которую фотографирует, Екатерина находит удивительные моменты, интересные личные истории и эмоции, которые запечатлевает на камеру.Она работает в основном в России, США и Европе, но всегда готова исследовать другие части мира.
Роскошный свадебный фотограф Misha Moon
В своих фотографиях мастерски сочетает стиль, моменты и эмоции. Он профессионал, которого вдохновляет все, что он делает, что он видел, и работа своей команды за последние шесть лет. Во время каждой свадебной фотосессии фотограф горит своей работой, выкладывается на все сто. Сотрудничество с этим фотографом высоко ценится лучшими агентствами Москвы и России за его стиль работы.
Профессиональная свадебная фотография Насти Николаевой
Настя Николаева — свадебный фотограф, который создает классические элегантные снимки с чистыми цветами. Акцент в работах Насти сделан на эстетике свадебного дня. Она считает, что стильный образ и естественная, слегка подчеркнутая красота невесты — важный залог успеха красивых свадебных снимков.
В «Санта-Барбаре» Диана Маркосян воссоздает путешествие своей матери из постсоветской России к браку в Америке
В течение 20 лет фотограф Диана Маркосян думала, что знает иммиграционную историю своей семьи — или, по крайней мере, ее суть.В 1996 году, когда ей было семь лет, мать Маркосяна, Светлана, разбудила ее и ее старшего брата Дэвида посреди ночи, сказав им собрать все свои важные вещи: все трое собирались в Америку. Как помнит Маркосян, никто из них не задавал никаких вопросов. Той ночью они сели в самолет в Москве, направлявшийся в Лос-Анджелес, не попрощавшись с отцом.
Диана Маркосян, Мои родители вместе, 2019 г., из Санта-Барбары (Aperture, 2020) © Диана Маркосян Фото: любезно предоставлено Дианой Маркосян
Когда они высадились в аэропорту, семью встретил Эли, пухлый, намного старше, американский друг их матери, который привел их в свой дом на побережье. Санта Барбара.Поездка, как сказали Маркосяну, должна была стать праздником. Но после того, как Светлана и Эли поженились менее чем через год (они оставались таковыми на девять), Санта-Барбара стала домом.
«Когда мы приехали в Америку в 90-х, это было абсолютной мечтой быть здесь. (Моя мама) влюбилась в то, чтобы быть американкой, она приняла это», — вспоминал Маркосян в телефонном интервью. «Я не уверен, что моя мама что-то бросала. Все уже было забрано».
Еще до того, как они там жили, Маркосян знал о какой-то версии Санта-Барбары.Одноименная американская мыльная опера 1980-х годов была первым телешоу подобного рода, транслировавшимся в постсоветской России, и ее мать была среди миллионов россиян, которые сделали «Санта-Барбару» хитом, убежав в мир, который чувствовал захватывающая, экзотическая и далекая от себя.После распада Советского Союза в 1991 году Светлана, экономист, и ее муж Арсен, инженер — армяне, которые эмигрировали в Москву, чтобы получить докторскую степень и разошлись до рождения Маркосяна, — жили в бедности среди широко распространенных безработица и гиперинфляция.Арсен торговал матрешками на Красной площади и продавал домашние платья Барби по всей Москве, чтобы свести концы с концами. Светлана помогала ему в его нелегальном бизнесе с Барби и ждала в очереди за хлебом подачек, чтобы прокормить семью.
Диана Маркосян, Московская Breadline, 2019, из Санта-Барбары (Апертура, 2020) © Диана Маркосян Предоставлено: любезно предоставлено Дианой Маркосян
Но в январе 2017 года, когда Маркосяну было 27 лет, этот рассказ был нарушен. Когда недавно вступивший в должность президент Трамп ввел в действие свой первый запрет на поездки, Маркосян, которая тогда работала фотожурналистом в таких компаниях, как National Geographic и New Yorker, начала доводить свою мать до сведения их собственной иммиграционной истории.
«Я просто начал говорить об этом и пытался понять: как нам вообще удалось это сделать? Как нам удалось приехать в Америку? И я увидел, что [у моей матери было] настоящее желание рассказать мне, и эта готовность раскрыть то, что было так стыдно, что мне так трудно рассказать. Вот как это произошло », — сказал Маркосян.
На самом деле, Светлана, очарованная видением Америки, которое она видела по телевизору, познакомилась с Эли через рекламу, которую она распространила в американских газетах и журналах через российское агентство, которое сравнивало советских женщин с американскими мужчинами — популярное маршрут для женщин, желающих иммигрировать в то время.Ее предложение было простым: «Я молодая женщина из Москвы и хотела бы встретить доброго человека, который покажет мне Америку». Ее первый муж понятия не имел, что она собирается переехать, и был ошеломлен, когда она летела через весь мир с его детьми и прервала общение. (Когда ей было 22 года, Маркосян и ее брат выследили ее отца во время поездки в Армению. Он вернулся в Ереван, столицу, где семья жила, когда Маркосян был ребенком.)Маркосян был ошеломлен. «Вы держите своих родителей на пьедестале, и я думаю, что у меня был этот гнев, (это чувство), что это не может быть нашей историей.Почему я не знал об этом больше? Почему я не была включена в это решение? «- сказала она.» Это не просто мы приехали в Америку и живем американской жизнью. Это мы приехали в Америку, сохраняя в секрете, где мы находимся в течение 20 лет, и что мы не видим моего отца в течение 20 лет. Он полностью отказывается от прошлого ради этой мечты ».
Диана Маркосян, Разочарование, 2019, из Санта-Барбары (Апертура, 2020) © Диана Маркосян Предоставлено: любезно предоставлено Дианой Маркосян
Чтобы помочь ей обработать откровение и научиться сопереживать решению матери бросить жизнь в Москве, Маркосян решил воспроизвести путешествие своей семьи на камеру с помощью короткометражного фильма и сопутствующей серии фотографий под названием «Санта Барбара.«Снятый с точки зрения матери, в рамках проекта она проходила прослушивание сотен актеров на роль членов своей семьи (она посмотрела на 384 женщин, прежде чем нашла актера на роль Светланы, кого-то, кто« понимал бы, что значит отказаться от всего ради этого » решение »), а также съемки в различных местах по всей Калифорнии, а также в бывшей квартире семьи в Ереване (нынешние арендаторы позволили ей арендовать помещение). Ана Имнадзе, актер, играющий Светлану, носит даже вещи из гардероба своей матери; Армен Маргарян, играющий Арсена, носит часы своего отца.
«Я начала рассматривать это как историю и пыталась оторвать себя от собственной жизни», — сказала она. «Это должно было быть почти литературным произведением, чтобы я принял его, обработал, влюбился в него. Потому что в противном случае это было бы слишком больно».
Фотографии, составляющие «Санта-Барбару», представляют собой тщательное сочетание кинематографического и личного, фантазии и реальности. Есть драматически оформленные домашние сцены, мрачно освещенные (кивает на темную Америку Грегори Крюдсона и Дэвида Линча) и переэкспонированные снимки, в том числе тот, на котором ее «отец» протягивает праздничный торт, натюрморт с сигаретами и вишенкой. красный поворотный телефон, который выглядит так, будто позаимствован из семейного альбома для вырезок.Палм-Спрингс, Санта-Барбара, 2020 © Диана Маркосян, любезно предоставлено художником Фото: любезно предоставлено Дианой Маркосян
Точно так же Маркосян сказал, что сопроводительный фильм, продолжительностью около 15 минут, «основан на всех этих различных форматах, чтобы как бы понять главу в жизнь моей семьи «. Воссозданные моменты из России и Калифорнии перемежаются видеороликами Super 8 и фотографиями из детства Маркосяна, а также кинопробами актеров на прослушивании. Большая часть диалога органична: в разные моменты Светлану допрашивает ее двойник, одетый как она сама, за обеденным столом; а у Маркосяна и Светланы есть свой собственный голос за кадром.
Маркосян изначально планировал, что проект будет написан по сценарию. Она даже наняла одного из первых писателей из «Санта-Барбары», Линду Майлс, для написания сценария и дала возможность своей семье отредактировать его. Отчасти это был способ уменьшить ее собственное беспокойство по поводу рассказа истории, в которой она чувствовала себя немного игроком.
Диана Маркосян, Свадьба, 2019, из Санта-Барбары (Апертура, 2020) © Диана Маркосян Предоставлено: любезно предоставлено Дианой Маркосян
«Самым сложным в этом проекте было примириться с тем, что я была рассказчиком», — сказала она: «Иногда я сижу с этой мыслью и думаю, почему я? Я была самым молодым человеком в комнате. ; Я действительно не имел права голоса ни в одном из принятых решений.Почему я тот, кто должен рассказать эту историю? «Это была коллективная память, и у всех была своя версия».
Но найти версию событий, с которой могла бы согласиться ее семья — от нюансов отношений Арсена и Светланы до реалий жизни в Калифорнии — оказалось невозможным. Она принесла сценарий Майлса своему отцу в Армению, что дало ему возможность внедрить свою собственную точку зрения, но когда она вернулась в Калифорнию, ее мать в конечном итоге вычеркнула его слова и заменила их своими.Процесс повторился, когда она передала сценарий своему брату.
Замок Херста, Санта-Барбара, 2020 © Диана Маркосян, любезно предоставлено художником Фото: любезно предоставлено Дианой Маркосян
«Все это оспаривается (но) я думаю, что мы достигли точки понимания, о которой мы никогда не собирались по-настоящему договориться. (Различия были) не настолько значительными, чтобы я не мог выпустить проект, но достаточно, чтобы я начал понимать, насколько захватывающими являются воспоминания, и что если я наклонюсь в серый цвет, если я наклонюсь в каждую перспективу, Я бы пришел к более близкой версии истины, чем только та версия, которую я назвал своей собственной », — сказал Маркосян.«Я посмотрел на сценарий (после того, как все добавили свои записи), и он сам по себе стал произведением искусства».
Диана Маркосян, Аргумент, 2019, из Санта-Барбары (Aperture, 2020) © Диана Маркосян Предоставлено: любезно предоставлено Дианой Маркосян
В ноябре 2020 года Маркосян выпустила дебютную монографию «Санта-Барбара» с Aperture. Этим летом она представит фотографии и представит готовый фильм в Музее современного искусства Сан-Франциско, поделившись с миром одной из версий американской мечты своей семьи.Также в сентябре планируется превратить его в иммерсивное шоу в Международном центре фотографии в Нью-Йорке.«Я помню, насколько особенным было приехать в Америку, и я никогда не принимала это как должное. Это просто принесло нам очень большие жертвы для всех нас», — сказала она. «Этот второй шанс вспомнить и воссоздать часть своей жизни — абсолютный дар, и я думаю, это то, что мне подарило искусство».
Советское фото | Объект: Фото | MoMA
Слева: Александр Родченко. Мат (Мать). 1924. Обложка Советское фото , вып. 10 (октябрь 1927 г.). Музей современного искусства, Нью-Йорк. Дар Фонда Джудит Ротшильд. Справа: Г. Петров. Портрет Ромен Роллана (Портрет Романа Роллана). Обложка Советское фото , вып. 7 (июль 1935 г.).
Советское фото (Советская фотография) — московский журнал, посвященный фотографии и фототехнике. Он был открыт писателем и редактором Михаилом Кольцовым в апреле 1926 года и приобретен в 1931 году издательством «Огонек».В межвоенный период журнал пережил две паузы в публикации: одну между 1931 и 1933 годами, когда он был переименован в Пролетарское фото, (фотография пролетариата), и другую между 1942 и 1956 годами из-за Второй мировой войны и ее последствий. Хотя график его публикации временами был нестандартным, « Советское фото» представлял собой иллюстрированный ежемесячный журнал, включающий редакционные статьи, письма, статьи и фотоочерки наряду с рекламой фотографии, фотографических процессов, фотохимии и оборудования.В первую очередь он адресован отечественной аудитории советских фотографов-любителей и фотоклубов, но в нем также представлены работы международных и профессиональных фотографов, таких как Семен Фридлянд. Именно на страницах Советское фото работы фотографов-авангардистов, в том числе Александра Родченко, были осуждены как формалистические (подразумевая, что они отражали иностранный и элитарный стиль) еще до того, как социалистический реализм был провозглашен официальным стилем. Советского Союза, в 1934 году.В письме, опубликованном в апреле 1928 года, анонимный автор обвинил Родченко в плагиате сюжетов и композиций западноевропейских фотографов Ласло Мохоли-Надя и Альберта Ренгер-Пацша. Это привело к бойкотированию журналом работ Родченко и побудило художника в июне 1928 года напрямую отреагировать на выпуск Novyi lef , журнала альтернативного искусства и культуры. Напряженность между так называемыми левыми авангардистскими фотографами и фотографами для людей и для людей достигла высшей точки в 1931 году с образованием Российской ассоциации пролетарских фоторепортеров (РОПФ), которая продвигала свою миссию по использованию фотографии как «оружия социалистов». реконструкция действительности »в Советском фото .[1] На протяжении 1930-х годов этот одобренный государством журнал становился все более консервативным в продвижении фотографической практики, которая ценила содержание выше формы, и этот сдвиг драматически отражен в обложках 1927 и 1935 годов (воспроизведенных здесь).
—Ксения Нурил
Стрит-фотография в московском стиле с Ритой Типуниной | Мобиография Август 2020
Рита Типунина — уличный фотограф из Москвы, которая запечатлела и делилась своим ярким стилем фотографии в Instagram.Рита влюблена в свой родной город, который считает одним из лучших городов для уличной фотографии.
Ее фотографии прекрасно передают сочетание советского наследия и развивающейся современной культуры этого шумного города. Симметрия, отражения, геометрические линии и другие композиционные элементы — все это общие черты ее фотографий. Ранее в этом году я встретился с Ритой, чтобы узнать больше о ее подходе к уличной фотографии и о том, что вдохновляет ее снимать на свой iPhone.Вот что она сказала.
ПОДРОБНЕЕ
Варианты покупки до
| Единый цифровой выпуск Август 2020 г. | 5 долларов.99 |
Этот выпуск и другие предыдущие выпуски не включены в новую подписку Mobiography.Подписки включают в себя последний регулярный выпуск и новые выпуски, выпущенные во время вашей подписки.
| Годовая цифровая подписка Только $ 4.00 за выпуск | СОХРАНИТЬ | 23 доллара.99 |
О компании Mobiography
Mobiography содержит множество вдохновляющих фотографий, руководств, руководств, обзоров приложений и аксессуаров, которые помогут вам делать более качественные фотографии с помощью смартфона.В этом выпуске вы найдете: + Канадская пейзажная фотография Рори Такера + Стрит-фото в московском стиле с Ритой Типуниной + Тонкое искусство цветочной фотографии + Внесение удовольствия в вашу фотографию + Как поместить фотографии со смартфона на обложку книги-бестселлера + Учебник по Imaengine Vector: лучшее приложение для фото-иллюстраторов + Мы выделяем 5 вдохновляющих фотографов, на которых можно подписаться в Instagram + Плюс витрина галереи Mobiography СКАЧАТЬ НОВЫЙ НОВЫЙ ВЫПУСК СЕЙЧАССоветские фотографии, открывающие глаза — BBC Culture
Советские фотографии, открывающие глаза
(Изображение предоставлено: авторские права предоставлены галереей Atlas)
На новой выставке советской фотографии представлены изображения, которые были одновременно пропагандистскими и художественными экспериментами.Фиона Макдональд рассказывает своим кураторам о прозрачной границе между правдой и записанными событиями.
O
2 мая 1945 года трое солдат и фотограф из Красной Армии поднялись на крышу Рейхстага в Берлине, городе, который они только что освободили от нацистов. Один солдат вскарабкался на небольшую башню, подняв вверх то, что выглядело как советский флаг. Позади него мрачные силуэты немецких героев, вылепленные из камня, неуклонно шагали через край. Снимок, сделанный в тот момент, стал классикой военной фотографии и интересным уроком о стирании границ между правдой и историей.
Евгений Халдей, Знамя Победы, Берлин, май 1945 г. (Источник: авторские права предоставлены галереей Атлас)
Знамя Победы Евгения Халдея появляется на новой выставке «Шедевры советской фотографии» в галерее Атлас в Лондоне. «С ним связана такая великолепная история, а также ощущение тайны», — сказал BBC Culture соучредитель Atlas Бен Бёрдетт. «Это был постановочный снимок, но постановочный по уважительным причинам, потому что в тот момент, когда баннер был впервые поднят, не было фотографа, который мог бы запечатлеть это событие.На следующий день фотограф вернулся с солдатами и переустановил его, потому что они хотели сфотографировать советское знамя над Рейхстагом ».
Примерно так:
— История картины, которая боролась с фашизмом
— Может ли пропаганда быть большим искусством?
— Ранние советские изображения, которые предвещали фальшивые новости.
Не имея знамени, солдаты несли кусок ткани, который, как позже говорят, был сшит дядей фотографа из трех красных скатертей, с пришитыми серпом и молотом.Согласно New York Times, отец и сестры Халдея были убиты нацистами — увидев фотографию поднятого флага Иводзимы, сделанную Джо Розенталем чуть более двух месяцев назад, он попросил своего дядю создать импровизированный флаг и взял его в Берлин, чтобы он мог создать свою собственную версию культового изображения.
Макс Альперт, Сражение !, 1942 г. (Правообладатель иллюстрации предоставлено автором с разрешения галереи Атлас)
«Это стало одной из самых исторических картин войны», — говорит Бурдетт.«А потом выяснилось, что тогда солдаты забрали ценности у убитых немцев, а у человека на переднем плане фотографии на запястьях были украденные часы. Впоследствии российские власти решили, что это было не то, что они хотели, потому что на нем были показаны солдаты, отбирающие ценности у немецких солдат. Более поздние версии изображения были отретушированы: есть одна версия, на которой солдат изображен с тремя часами — двумя на одном запястье и одним на другом, — но в большинстве из них он носит только одни часы или ни одного.Это похоже на умирающий припой Роберта Капы, в каком-то смысле это его русская версия — это классическая военная картина ».
Реальность кусается
Фотография представляет собой неоднозначность, которая объединяет воедино другие изображения на выставке, все они взяты из личной коллекции 95-летнего фотографа Льва Бородулина. Они резко провозглашают сильный Советский Союз — и одновременно предлагают нюансы с помощью экспериментальных методов. «Иногда возникает первое впечатление, прежде чем открывается совершенно другая картина, когда вы знаете ее историю», — рассказывает Би-би-си сокуратор выставки Майя Кацнельсон.«Советские фотографы создавали настоящие шедевры, создавая грандиозный миф о советской цивилизации. Считаю их действия сродни героизму. Чтобы сделать, с одной стороны, идеологически правильные фотографии, а с другой, в узких пределах, разрешенных, искать максимальное художественное выражение ».
Лев Бородулин, Пирамида, Москва, 1954 г. (Источник: авторские права предоставлены галереей Атлас)
«Бородулин сам был фотографом советских времен, сделавшим много известных ныне снимков 1950-1970-х годов, живущих в Советском Союзе. Россия — преимущественно спортивные мероприятия, все спортивное и в целом героическое », — говорит Бурдетт.Руководствуясь тем, что Атлас описывает как «стремление собрать и сохранить изображения тех времен, когда искусство было ограничено служением советской социалистической повестке дня», Бородулин за последние 70 лет собрал коллекцию, содержащую около 10 000 изображений. Он в основном охватывает период от русской революции до 1960-х годов с фотографиями, собранными из журналов, архивов и агентств, таких как ТАСС.
«Эта коллекция спасла многие фотографии от разрушения, это была одна из первых коллекций советской фотографии», — говорит Кацнельсон.Образы времен Второй мировой войны для нее особенно впечатляют, охватывая разные периоды. «Время, когда фотожурналисты на грани жизни и смерти творили шедевры. Некоторые из этих работ подняли дух всей страны; некоторые из них были спрятаны в архивах долгое время и не видели свет в течение десятков лет после окончания войны ».
Яков Халип, «Торпедо», Балтийский флот, 1936 г. (Правообладатель иллюстрации предоставлен художником с разрешения галереи Атлас)
Бородулин находит в этих изображениях особый смысл.«Для меня это очень личное дело», — говорит он BBC Culture из своего дома в Тель-Авиве. «Многие из моих родственников были убиты, если не все, я дважды был ранен, я был в отряде, который воевал от Москвы до Берлина. Он изменил мою жизнь и жизнь страны, изменил жизни всех людей, которых я знал. И я хочу, чтобы люди не забывали об этом ». Когда Халдей запечатлел на своей фотографии падение Берлина, у Рейхстага все еще был перекрестный огонь: по словам Бородулина, Халдей рисковал своей жизнью, чтобы создать этот образ.Позже они сблизились. «Халдей был моим личным другом, мы провели вместе много часов, вспоминая войну… и каждый раз, когда я приходил в небольшую фотостудию, где он жил, я видел это изображение, размером примерно один метр шириной, и мы сидели перед ним. ”
Самари Гурари, Черчилль, Рузвельт и Сталин в Ялте, 1945 г. (Источник: авторское право предоставлено галереей Атлас)
Коллекция предлагает новый путь в русскую историю. «Он обширен, охватывает всю сталинскую эпоху, весь советский период, Вторую мировую войну, холодную войну и другие периоды», — говорит Бёрдетт.«Некоторые из них были сняты в самые мрачные годы сталинской эры — с исторической точки зрения они представляют собой удивительный ресурс, позволяющий увидеть развитие и строительство современной России, особенно в тяжелой промышленности и сельском хозяйстве».
Семен Фридлянд, Волжаноцкая (Девушка из Поволжья) (Источник: авторское право предоставлено галереей Атлас)
Но Бурдетт и Кацнельсон были особенно привлечены к другому аспекту коллекции, выходящему за рамки исторических записей. «Нас больше интересовало развитие эстетики советской фотографии и художественный подход: конструктивисты, группа« Октябрь »- русский эквивалент Баухауза, — говорит Бурдетт.«Мы отбирали работы таких мастеров медиума, как Аркадий Шайхет, Яков Халип, Александр Родченко и Борис Игнатович».
Александр Родченко, Лили Брик, 1926 г. (Правообладание: авторские права предоставлены галереей Атлас)
Один из центральных элементов этой советской эстетики был продиктован политическим ландшафтом, в котором работали фотографы. «Общей характеристикой многих фотографий является фальшивое торжествующее изобилие, которое фотографы пытались запечатлеть на лицах людей, которых они фотографировали.То, что в изображениях присутствует пропагандистский элемент, является очень очевидным аспектом. Это эстетика, которая стала довольно модной, потому что она странная — очень мелодраматичная ».
Аркадий Шайхет, комсомолец за колесом, Балахна, 1929 г. (Фото предоставлено художником с любезного разрешения галереи Атлас)
Но есть еще один ключевой элемент в советской фотографии, который далек от триумфальных проявлений могущественного государства. «Во многом это характеризует степень экспериментирования и импровизации, которых вы не увидите на Западе», — говорит Бёрдетт.«Российские фотографы разработали этот особый взгляд на фотографию, который включал разные подходы, такие как необычное кадрирование и ракурсы камеры — в большинстве случаев ракурсы кадрированы по диагонали, а не в квадрате; они смотрят на предметы сверху или снизу, а не прямо; они часто используют фотомонтаж и коллаж ».
Александр Родченко, Пожарная лестница, 1925 г. (Фото предоставлено галереей Атлас)
Конструктивисты «идентифицировали себя с политической революцией как художники-новаторы и намеревались построить новый мир с помощью средств нового искусства», согласно Кацнельсону.«Октябрьская группа» коренным образом изменила прессу. «В течение десяти лет — 1925-1935 — фотография советской прессы была самой авангардной в мире».
Александр Родченко, Девушка с Leica, 1934 г. (Правообладатель иллюстрации предоставлено художником с любезного разрешения галереи Atlas)
Даже когда авангард вышел из моды, фотографы раздвигали границы. По словам Кацнельсона, «это было время« социалистического реализма »- реалистичного по форме и социалистического по содержанию… [и] портрет должен был излучать оптимизм, волю к победе и силу духа».
Яков Калип, На страже, 1937 г. (Фотография по эскизу Родченко) (Фото: авторское право предоставлено галереей Атлас)
Требования пропаганды в некотором смысле поощряли эксперименты, — утверждает Бердетт. «Перед фотографами стояла задача создавать работы, которые выглядели торжественно и позитивно, поэтому многие фотографии показывают жизнь в очень драматическом свете — отчасти благодаря использованию этих необычных ракурсов. Взгляд вверх или вниз на предметы дает драматическое представление о том, что происходит на картинках.»
Владислав Микоша,« Утренняя гимнастика », 1937 г. (Правообладатель иллюстрации предоставлено автором с разрешения Atlas Gallery)
« Советская фотография позволяет проследить не только историю страны, но и смену идеологических приоритетов. Что снимать и , как снимать », — утверждает Кацнельсон. Даже к 1960-м годам у эпохи освобождения все еще были свои ограничения, как вспоминает Бородулин, когда его спрашивали, какие из его собственных фотографий ему особенно нравятся. «Вероятно, одна из моих любимых — фотография дайвера, подвергшаяся цензуре как« летающая задница ».Я взял его на своих первых Олимпийских играх в 1960 году в Риме, и это был первый раз, когда я приехал в «капиталистическую» страну. Я был так счастлив сделать это, я только начинал свою карьеру фотографа в журнале Ogoniok… и он был выбран в качестве обложки ».
Лев Бородулин, ныряльщик на обложке журнала «Огонек» (Фото: авторские права предоставлены галереей Atlas)
Тем не менее, журнал подвергся критике со стороны неофициального главного идеолога коммунистической партии Михаила Суслова, писавшего в «Правде», вспоминает Бородулин: « что Огоньоку нехорошо публиковать такие фотографии, потому что они слишком авангардные и слишком формалистичные ».Несмотря на это, он воспринял это как похвалу. «В этой небольшой статье меня назвали мастером, мол,« не подобает такому большому мастеру фотографии, как Лев Бородулин, делать такие снимки »».
Лев Бородулин, Дайвер, 1960 г. (Фото предоставлено галереей Атлас)
Самая последняя фотография на выставке показывает, как развивалось российское общество с 1920-х годов и как эта коллекция может предложить новый взгляд на историю. «Что отличает его от аналогичной коллекции работ аналогичного периода из США, журнала Life или Европы в Picture Post, так это отсутствие изображений знаменитостей», — говорит Бердетт.
Игорь Снегирев, Юрий Гагарин, апрель 1961 г. (Источник: авторские права предоставлены галереей Atlas)
«Не было фотографий Мэрилин Монро или Элвиса — не было культуры знаменитостей. Пока вы не дойдете до этой удивительной фотографии Юрия Гагарина в 1961 году. Практически только тогда в России появилась знаменитость в современном понимании — он был первым. Он был чрезвычайно красив и героически выглядел, и был первым человеком, побывавшим в космосе, поэтому он стал знаменитым героем в России — а это 1961 год, который довольно поздно в развитии мировой поп-культуры.